20世纪60年代社会语境下的当代艺术发展.pdf

0612023.10ARTISTIC LIFE 艺术生活文/李思婧20 世纪 60 年代社会语境下的当代艺术发展定的传统形式，将传统的艺术评价体系与艺术史撰写模式置于尴尬的境地，对当代艺术的评价与艺术史的撰写仍是学界所面临的难题。二战后的异见艺术在东部海岸的纽约，艺术领域的政治持续低迷。1945年1955年，贾斯帕约翰斯创作国旗，起因是他在梦中画了一面巨大的国旗，而他的朋友鼓励他将这无意识的梦境中的情景画下来。他的朋友劳申伯格将国旗插入了自己的一件大型集合艺术作品中，这件大型集合作品名为短路，这一作品隐晦地表达了对于高雅艺术占主流位置的艺术现象的反抗。对于当时纽约高雅艺术圈来说，这种艺术表现形式很难得到认可，但当时的好莱坞与流行音乐巨星朱迪嘉丽却极为赞赏。国旗这一作品带有极强的私人意义，“蜡”的冷却与凝固使作品表现出一种冷凝的气质，既是一个狂热的爱国主义符号，又包含了中立、冷漠、凝固的情绪，体现出对政府所描绘的图景的不信任，暗含了对美国在战后西方国家中脱颖而出、空前繁荣所代表的技术进步、物质丰富的现代化图景的怀疑。这一作品是英雄主义美国梦的退场，同时打开了异见艺术的序幕。20世纪50年代约翰斯早期绘画作品亮相，为批评界出了一道难题。这些形式上与抽象表现主义完全不同，而在画面效果上与其十分相似的作品，让批评家十分头疼。20世纪60年代大行其道的偶发艺术与行为艺术受达达主义思想的影响十分深远，又称新达达主义。1958年，艾伦卡普洛使用各种日常和非正式的材料，利用藤网灯、镜20世纪60年代，文化慢慢复苏，二战时的达达主义与二战后留存下的恐慌和虚无催生出了偶发艺术、波普艺术、行为艺术、极简艺术、纯色艺术和装置艺术，艺术风格与流派雨后春笋一般冲击着人们战后的艺术文化世界。艺术的发展在政治、文化、艺术市场、消费主义、种族、身份、性别等各种社会语境中以不同的表现形式与观点进行剧烈的冲突与碰撞。20世纪60年代是万物复苏、百废待兴的年代，同时，伴随着各种各样新潮文化思想的出现，在社会秩序的重塑下，一个最富有活力、开放、自由的年代来临了。20世纪的两场战争是人类文明内在危机的集中爆发，20世纪50年代人们重建现实社会的家园，20世纪60年代，人们则重建与更新整个工业文明，通过反思经济、文化、政治来探索未来。在战后相对和平、经济空前繁荣的大环境下，各种解放思潮纷纷涌现，许多具有反叛色彩的亚文化与艺术思潮井喷式发展。在这种时代大背景下，艺术世界发生了从未出现过的巨大变化。在这十余年里，奠定了当代艺术的基本形态，催生了当代艺术的众多新形式。人们不仅在表现形式上颠覆了传统艺术，在传播、生成、展示的领域也打破了既美化生活 BETTER LIFE0622023.10子、碎片、铝箔和事先录制的各种声音与化学气味，搭建极具感官体验的障碍通道。这种环境装置艺术丰富的感官体验与参与感使当时“垮掉的一代”沉迷其中。卡普洛十分推崇波洛克的艺术想法，与此同时，他也没有抛弃自己所学的艺术思想与内幕人士的身份。1959年，他创作了分为6部分的18个偶发事件。1958年，在杰斯和罗伯特邓肯画廊开业的同一年，欧里卡斯特里也开张了新画廊。一大批艺术家的现代艺术品被现代艺术博物馆买走，这代表着视觉艺术家在艺术领域得到了认可。现代艺术不再边缘化，其前景在很大程度上得到了扩展，激发了视觉艺术家们对于现代艺术的热情。1960年，格雷姆斯与克拉斯奥登伯格接触并进入了偶发艺术圈子，他们与朋友一起创立了一个免费的画廊空间，用于举办展览。这一免费画廊空间将会场周围的艺术家、演员、作家等艺术工作者通通囊括进来，在这里，他首次展出了自己的第一个偶发艺术作品街道，以剪裁的漫画素描材料，利用粗犷与烧焦的艺术手法和道具，唤起人们在穷人街区粗鲁但鲜活的环境体过程中放弃她们的尊严。他宣称“我不再用颜料弄脏我自己”“连手指尖也不行”。1955年，安娜哈尔普林和一批年轻舞蹈艺术家如西蒙娜福蒂、依冯瑞娜、崔莎布朗以及其他艺术门类的从业者，例如作曲家拉蒙特扬和罗伯特莫里斯共同在旧金山郊外成立了一个舞蹈团。他鼓励即兴或根据生理机能和日常生活来创作舞蹈动作，不受音乐节奏、叙事等规定的限制，代表作是倾斜版。1962年，一位韩国艺术家白南准，在台上放了装着墨汁与番茄汁的大碗，用他的头、领带和双手蘸取混合物，再用他的全身沿着纸张画下一道痕迹，并将其命名为头禅，白南准的俯卧姿势与沉浸在反叛性鲜血般的物质中的行为反转了克莱因自创的魔术师与表演者的关系。1964年，日本东京小野洋子带来了她的行为艺术作品剪下的碎片，她自己面无表情地像雕塑一样跪在台上，邀请观众一个一个拿着剪刀靠近她，将她的衣服切走一部分。这一作品给予了观众更加积极的角色，但观众又能够从感知上理解表演者的不安，为观众创造了情绪与身体的极度张力，精准而尖锐验。街道这一作品唤起了周围的艺术从业者们在街道中熟悉鲜活的体验。伊夫克莱因是偶发艺术、身体艺术、环境艺术及观念艺术的实践者和先驱。1960年秋天，为了体验飞翔和失重的感觉，行为艺术的鼻祖法国艺术家伊夫克莱因张开双臂，从高楼自由落体而下，作品自由坠落由此出现；克莱因对于达达主义的契合来源于他并不以审美为出发点。他摒弃了自古以来艺术家对于美的偏执，克莱因对单色画的探索分为三个阶段。第一阶段是颜色的差异；第二阶段是概念化地将所有颜色统一于蓝色中；第三阶段是在空间中达到无形的蓝色。克莱因对于蓝色的热爱受自己家乡与玫瑰十字会的影响。1960年，克莱因在画展上展出了他的蓝色单色画，用油漆滚筒和化学融合剂制作出不带任何涂绘痕迹的粉状表面。他自诩为圈内人与懂行的作风延续到了绘画与行为艺术中。最让纽约人对他抱有怀疑态度的作品是人体测量学，他让女模特涂上国际克莱因颜料，当众作画并记录下来。这一行为艺术践行了他所称颂的理念。即真正的创造者男性在一定距离之外，引导了能量与材料，在行为艺术人体测量学中将女性的身体作为工具，在作品完成的0632023.10ARTISTIC LIFE 艺术生活地指出了视觉体制中女性身体最弱性这个政治问题。1965年，艺术家莫里斯表演作品场所，用凿岩机着地的噪音进行表演，将自己与另一位艺术家卡洛丽史尼曼放置于一个白色的大盒子，自己穿着普通工人服，用肌肉力量旋转和转移这些木板。观众能够看见后面的史尼曼，她身后有四块木板作为背景，全身涂满白色化妆品。她的仪态妆容与经典文艺复兴作品奥林匹亚一模一样，宣誓了男性艺术家的表演主权。战争之后“达达”的继承者波普艺术波普艺术区别于传统艺术对权威的天然崇拜，是一场彻头彻尾的从民间发展而来的商业艺术。作品将大量招商广告、废弃物、报刊封面等重新粘贴拼接组合，有新达达主义的称号。20世纪50年代的英国抑制消费，侧重用出口来恢复国家经济、重建家园。民众苦于政府强加的贫困文化，而这时从美国进口的物品，带着反叛流行的风潮席卷而来。与美国相比，欧洲大陆和英国的文化意识气候十分不同，美国的消费主义文化进入了战后经济紧缩的英国，带着对富裕经济的怀疑与对当时贫困无生气的文化氛围的拒绝，民间发展出了波普艺术。1948年，苏格兰艺术家爱德华多包洛奇的作品愉悦能使你拥有更好的性情，这是个心理学事实让苦于被政府强加贫穷文化的英国工人阶级在工作之余感受到了普遍的感官兴奋。结合美国的经济状况以及英国对美国的态度来看，这部作品并不能客观反映美国的经济状态与民众生活，这在当时的英国语境中具有一定的可信度，在这种反抗生活的文化中，“波普艺术”诞生了。最早的“波普艺术”来自理查德汉密尔顿，用于命名美国工业文化中科幻小说插图与电影中蒸汽流水线的乌托邦带给欧洲的美学挑战。而在英国，波普艺术集结了一群富有创造力的艺术家们。他们致力于向传统大学与受社会精英教育阶层所宣扬的新浪漫主义情怀的狭隘艺术发出挑战。在这不久之后，波普艺术一词用来描述在高雅艺术语境中的各类史诗级作品。国际运动的英国先驱们将它们分成了两种类型。对英国皇室家族的崇拜与只着眼于自身的岛民性，这与传统的浪漫情怀没有什么不同。而这些是包洛奇与阿洛维坚决反对的。1952年，他们与一群志同道合的艺术圈朋友在伦敦当代艺术学院内部组建了一个组织。而这个组织中包含建筑师史密斯夫妇。他们讨论的难题是如何让破败与陈旧的城市不被美国商业文化侵害，进而为居民创造新的符号网络与日常习惯。在这一年，史密斯夫妇发表了他们的作品：大不列颠，金色小路之城。史密斯夫妇将建筑结构的透视与从照片杂志上剪下的娱乐巨星图片相结合，尽管他们拼贴的设计出于建筑透视的严肃心态，但这一蕴含丰富想象力的行为启发了包洛奇与他的朋友以及工作搭档。1956年，三人都参加了白色教堂画廊举办的大型群展“这就是明天”。在这一展出上，理查德汉密尔顿的广告设计作品到底是什么？让今天的家变得如此不同，如此有吸引力使展览中大部分真正的展览内容黯然失色。1959年，皇家艺术学院开展艺术展“地点”，他们利用布置与规则阻碍人们在任何一幅作品前长时间停留，鼓励观众穿越并掠过作品。工作人员利用了当代科幻小说对网络空间的生动简化，结合了社会学家提出的现代城市由技术变革和信息爆炸引发大脑进入新状态的假说。与“这就是明天”不同的是，“地点”给观看者带来的是极度清晰与简洁的视觉呈现，从装置到个人着装均是如此。1961年，奥登伯格租下了一间店面，并在12月展示了他的作品商店，作品是一个塞满了各种各样物品的房间，有汉堡包、衬衫领结、可口可乐等，都是用石膏与彩绘制作而成。这一次的商店展出在两个月后关闭并亏损。次年9月，奥登伯格再次展出作品商店，他在一个巨大的空间将物品扩大到汽车大小，使用了软雕塑的艺术表现形式。在纽约，金霍尔茨毫不犹豫地宣布沃霍尔对大众生产和分配的模仿是一种社会抗议行为。1962年，在坎贝尔汤罐头之后，由于玛丽莲梦露的死亡，沃霍尔绘制了玛丽莲梦露系列的第一幅画，他将梦露的照片简化为单色，画面的左半边是纪念碑，保留了原本的色彩，而右半边则允许了对象主体的缺失。画面展现了令人震惊又无法释怀的存在与消失，表达了生与死的辩证和对立。沃霍尔画中特有的单调重复与无聊，传达的是现代社会高度发展时人们所感到的某种空虚、冷漠和疏离。20世纪早期，反对死刑的骚动达到了前所未有的程度。源于对相同道德的迫切诉求，沃霍尔创作了绘画系列图，将潜在的恐惧用最原始的方式提取了出来，并给这些图像集体命名为灾难。这一系列中的种族暴动涉及南方民权反抗历史中最为暴力的阶段，这一整套绘画的总体形成了一种“黑色绘画”。贾斯帕约翰斯作为赞助人在波普艺术事业上投入了大量时间与精力，这种艺术日渐成熟，接受度也日益提高，吸引了许多藏家与媒体来到纽约，提高了波普艺术一词的知名度。订单量增加、交易步伐加速、媒体曝光，都促进了这种夺人眼球的艺术品的发展。沃霍尔凭借着他的销售能力与亲和力，使他的作品获得了更为稳定的收入来支持他在电影方面的实验。在电影方面，它延续了在绘画中几乎消失的黑色主题。1964年，在美国政府的推动下，以伊莲娜索纳本德为代表的一批艺术家，在巴黎、荷兰、瑞典、比利时和西德展出了一场名为“美国波普艺术”的展览。同一年，老牌艺术家罗伯特劳森伯格赢得了威尼斯双年展绘画大奖，成为第一位获得此奖的美国人。事实证明，欧洲能够接受的题材范围比美国市场更加广阔。沃霍尔在美国几乎无人问津的“死亡”“灾难”系列在欧洲大获成功。艺术家在政治、文化、艺术市场、消费主义、种族、身份、性别等各种社会语境中用不同的表现形式与观点进行激烈的冲突与碰撞，促进了艺术的发展。（萍乡学院艺术学院）