波普设计、.docx

波普艺术的主题和内容都根植于现实生活，它是当时社会由文化转型所带来的激流的真实写照。新一代作为文化转换和解放艺术的强大力量，其风格都是基于这样一个现实：用这一代自己的语言表达自我，帆船一同的事情，刺激的行为令人震惊的策略以及对于己禁忌的打破，还有对于利益的蔑视。这些都是这种文化叛逆的特性。

前言
波普艺术（Pop Art）是在美国现代文明的影响下而产生的一种国际性艺术运动，多以社会上流的形象或戏剧中的偶然事件作为表现内容。它反映了战后成长起来的青年一代的社会与文化价值观，力求表现自我，追求标新立异的心理。

汉密尔顿为“波普”下的定义为“流行的（面向大众而设计的），转瞬即逝的（短期方案），可随意消耗的（易忘的），廉价的，批量生产的，年轻人的（以青年为目标），诙谐风趣的，性感的，恶搞的，魅惑人的，以及大商业”。

波普艺术(Pop Art)最早起源于1950年代的英国，之后因为以Andy Warhol为代表的一批明星级艺术家的影响力而在美国得到巨大发展。让波普出现在了时装、AC-DC、香烟、胶纸、摇滚唱片等任何东西上。将身边的物品，如漫画、电影海报、明星、高跟鞋、任何消费品图像通过解构、拼贴、重复的手法进行艺术创作，都可成为波普艺术的创作主题。波普艺术作为对抽象表现主义的叛逆登上了艺术舞台，这也是美国一种重要和独特的艺术形式。代表人物劳森伯格受到作曲家凯奇的影响，试图以一种新的艺术形式来抹平艺术与生活的区别，艺术家应该自由地反映客观现实，不受传统的约束。他甚至把城市的废弃物作为创作作品的材料，把这些本来不具备审美特性的东西按照艺术构思拼凑起来，使之脱离原来的属性在形式上开了“结合”艺术的先河。汉密尔顿的作品更直接体现了波普艺术的本质，他们并非对现实的讽刺挖苦或反叛，而只是以一个普通者的姿态观察我们生活的世界。使我们突然意识到某些东西的存在，而这些习以为常的东西确经常被我们忽略。安迪·沃霍尔与其他波普艺术家相比显得更彻底，他完全取消了艺术创作中的手工操作观念，直接用制版印刷的方法 把照片形象移到画布上。还应用了古典主义者和现代主义者视为大忌的“重复”，甚至于推向极端，可口可乐瓶无尽无休的排列，以及明星们的照片都成为了最好的创作主题和素材。 这十分贴切的反映出了后工业时代的特征，现代工业正是这样每天重复着同一样东西。以直观的艺术形式代替了深奥的艺术。随着后现代艺术的推进，它同我们生活的界限也显得愈来愈近，可能我们无法意识到，但它作为我们生活和精神的组成部分已无法替代。

波普现在
波普艺术对世界设计的影响造就了波普的许多延续形式，如欧普艺术，观念艺术，超级写实主义，后现代主义等等。波普将通俗文化及普通生活中的物件推向了至高无上的艺术殿堂，扩大了艺术本身的空间，也增添了更多艺术创造的可能性。在波普理念基础上生产的设计作品创意新奇，契合了青少年的心理特点。波普的这种通俗问漫画作品，经由大众媒体传播获得了空前的成功，成为对现代主义的重创，也是对艺术至上观念的有力的冲击。（《北方美术》张立 冯越峰 《谈波普艺术对现代设计的影响》）

代表艺术家
波普艺术之父——Richard Hamilton
波普艺术的领军人物，杜尚的学生，英国最具有影响艺术家之一。一副拼贴画《究竟是什么使今日家庭如此不同、如此吸引人呢？》（Just what is it that makes today's homes so different, so appealing?）。画里有药品杂志上剪下来的肌肉发达的半裸男人，手里拿着像网球拍般巨大的棒棒糖；有性感的半裸女郎，其乳头上还贴着闪闪发光的小金属片；室内墙上挂着当时的通俗漫画《青春浪漫》（Young Romance），并加了镜框；桌上放着一块包装好的“罗杰基斯特”牌火腿；还有电视机、录音机、吸尘器、台灯等现代家庭必需品，灯罩上印着“福特”标志；透过窗户可以看到外边街道上的巨大电影广告的局部……这一切都可以通过那个半裸男人手中棒棒糖上印着的三个大写字母得到解释：POP。该词来自于英文的“popular”，在汉语中一般音译为“波普”。
汉密尔顿 1922年生于英国皮姆利科，曾在皇家学院和Slade艺术学校，随现代艺术之父杜尚学习。汉密尔顿奠定了波普艺术的创作方法，即通过直接挪用社会生活中的一些形象来创作作品。

安迪·沃霍尔（Andy Warhol,1928.8.6－1987.2.22，港台地区译为安迪‧沃荷）被誉为20世纪艺术界最有名的人物之一，是波普艺术的倡导者和领袖，也是对波普艺术影响最大的艺术家。他大胆尝试凸版印刷、橡皮或木料拓印、金箔技术、照片投影等各种复制技法。沃霍尔除了是波普艺术的领袖人物，他还是电影制片人、作家、摇滚乐作曲者、出版商，是纽约社交界、艺术界大红大紫的明星式艺术家。

201在纽约以商业广告绘画初获成功逐渐成为著名的商业设计师，他设计过贺卡、橱窗展示、商业广告插图，这些经历决定了他的作品具有商业化倾向的风格。他的作品于该年在纽约崭露头角，在著名的工作室“工厂”(Factory)内聘请了一组工作团队，摒弃古典艺术，立志从事于颠覆传统的概念创作。“大量复制”当代著名人物的脸孔就是其中之一，将浓汤罐头与可乐瓶化身成艺术品也广泛为人所知。
最出众的风格是透过丝网印刷手法和不断重复影像，将人物化成视觉商品，代表作包括《玛丽莲·梦露》、《金宝罐头汤》、《可乐樽》、《车祸》、《电椅》等，这些作品都在沃霍尔开办的纽约影楼（The Factory）中，经一些业余助手大量生产和复制，mass production总是沃霍尔的流行艺术观中不能或缺的指标。至六一年，沃霍尔已被誉为是继Dali及毕加索后另一位前卫艺术界名人，不论是一卷厕纸或一个厕板，只要盖上他的印章，随即便时髦起来。沃霍尔的绘画中常出现涂污的报纸网纹、油墨不朽的版面、套印不准的粗糙影像，让人像看电视一闪尔过，而不是欣赏绘画般仔细观看。
2014年2月12日晚，著名艺术家安迪·沃霍尔所作的毛泽东画像在英国伦敦苏富比拍卖行以760万英镑(约合人民币7663万元)的高价被拍卖。

草间弥生
日本艺术家，前卫的女王。波尔卡原点的拥护者很代表者。她的波点填满了整个房间，事物，甚至是赤裸裸的尸体。草间弥生在美国的十几年，正值波普艺术的兴盛期。多年以后，当评论家们重新梳理她的创作历程时，把草间弥生式的疯狂，归位于复杂的社会环境：“那是一个‘嬉皮士’横行的时代，草间弥生很快就意识到这个国家正在流行什么，他们抗议越战，吸食毒品，追逐东方神秘，寻求外来宗教的庇护，崇尚性解放。很多人开始以打破常规为生，一些人因此变得富有和出名。”在草间弥生“千船会”展览的开幕式上，沃霍尔带着极震惊的表情对其完美表现大加称赞。如果草间弥生不是因为精神疾病离开纽约，她会是安迪·沃霍尔艺术地位的最有力竞争者，但精神疾病恰恰又是草间弥生几十年创作的主导。
草间弥生在纽约的经历将日本人的名字写入西方波普艺术史。

波普艺术即通俗艺术、流行艺术。波普艺术首先在绘画中出现，汉密尔顿在1956年“这就是明天”展览上展出的一幅经典的波普拼贴画，从此波普艺术慢慢走进了艺术家们的殿堂。后来逐渐被应用到产品设计、视觉传达、服装设计等领域。波普艺术打破了艺术与生活的界限，试图将艺术还原于生活，我们常说艺术和设计来源于生活又高于生活，因为它们给我们带来了异样的物质功能和精神上的愉悦。而作为人们生活息息相关的产品设计必然会引起设计大师们的重视，将其应用到设计中。

　　二、波普艺术在产品设计中的应用

　　波普艺术对产品设计的影响主要表现在对产品基本构成元素进行设计，即对产品的造型、材质、色彩、图案的影响。波普艺术表现手法主要有拿来主义、原色设计、拼贴设计和无限制复制等对产品基本构成元素进行设计。

　　（一）造型

　　拿来主义在现代设计方法相当于移植设计方法，是所有创作的基础，也是波普艺术的大众文化思想。在产品的造型设计中通过将现有产品通过变形、夸张等进行放大或缩小，产生一种熟悉而陌生的感觉。波普艺术思想在产品设计中不单体现在单纯的装饰上，更多的是将功能与装饰的结合。最具代表性的为琼斯《半裸的座椅》和《茶几》在别人看来它是低俗的设计，但它代表了波普艺术中装饰与功能的集合。波普艺术不仅是形式主义，还融合了功能主义的思想，形势与功能相结合。

　　（二）色彩

　　色彩就似产品设计的外衣，是产品设计表达情感的最重要的元素之一。原色调是波普艺术主要表现手法之一，在产品设计中，鲜艳原色调的应用大概就是来源于波普艺术，特别是在儿童产品设计过程中，更能反映波普艺术在产品设计中的延续。意大利的波普设计具有软雕塑的特点，家具设计色彩不单单是原色的应用，而且与设计品之间存在某种联系。意大利设计师设计的红唇椅，采用鲜亮的红色，象征女士的红嘴唇，将生活场景的色彩和造型直接再设计，受到年轻大众的欢迎和喜爱。

　　（三）材质

　　在材质运用上，波普艺术最常用的手法就是拼贴组合，通常将生活中的一切可见可用的东西，比如日常用品、生活垃圾等都可作为创作的源泉，使原来物质失去原有的功能，表现新事物的性格特征和内涵，唤起人们对被忽视的美的新认识。1964年英国设计师穆多什设计的儿童椅，它采用纸板折叠而成，另外1986年GattiPaoliniTeodoro设计的Sacco椅子和帕斯、杜尔比诺、罗马兹运用麻袋共同设计的充气扶手椅。这些都是波普艺术风格的典型设计，充分说明波普艺术在产品设计中材料的使用上不仅满足产品功能，站在现代设计角度上，和流行的绿色设计思想如出一辙，符合绿色设计3R的原则。

　　（四）装饰

　　波普艺术在产品设计装饰上的应用元素形式多样、变幻莫测、风格各异，给人以异样的视觉效果。如波普艺术运动的领衔人物安迪·沃霍尔的绘画代表作《玛丽莲·梦露》就是把梦露的头像经过多色彩的处理作为素材，直接应用到杯子、枕头等产品上。波普艺术风格图案在设计过程中不断采用重复、拼贴、并置、夸张、移位、涂鸦等丰富新奇的手法赤裸裸地再现生活，强调自己的立场。

　　三、从波普艺术引发的新思考

　　首先在思想方面我们要打破传统设计观，我们只关注设计往往忽略艺术，艺术和设计是没有界限的。从艺术领域我们同样可以找到设计的灵感和方法。正如波普艺术中的挪用、原色、拼贴及复制等方法在产品中都有体现，我们要善于发现艺术背后的方法和技巧应用到现代产品设计中，这会成为设计上重要的设计方法和思路。

　　其次，现代产品设计不只关注功能主义，精神功能同等重要。现代主义过分强调功能主义、实用主义，而忽视了产品的文化、人文气息以及情感化、情趣化。产品设计已经进入了用户体验式设计，用户的感受在产品中的作用日益突出，在以后设计的过程中，关注人的情感和细节是很重要的一部分，而这也正是波普艺术表达出了作品中的灵魂所在。法国设计师MyDotDrops在2009年推出一款波普风格的DIY旅行箱，使用者可以按照自己的喜好选择彩色点组成的图案，体现了使用者独特的个性。波普设计给现代设计很好的启发，使设计达到功能与形式的统一。

　　最后，在波普艺术中找到了现代设计思想的踪影。随着环境污染的日益严重，资源匮乏，绿色环保低碳设计成为现代设计主要主题。在波普艺术中，生活中可见可用的东西，比如说日常用品、生活垃圾等都可拿来创作，这和绿色设计的宗旨如出一辙，这也许就是绿色设计的雏形。

波普艺术和波普设计

【交享阅】文学&音乐的极客Zone

在陈旭的作品中，充满了典型的波普主义风格。利用鲜艳、简明的色彩，平涂的方式，将招贴画、电影广告、各种事件的摄影图片、符号拼贴组合。在种种“复制”中，来实现自己的原创。

波普艺术萌发于上个世纪五十年代的英国，于六十年代鼎盛于有浓烈商业气息的美国。首先迈入富足的超级强国，将商业化的特征与艺术相结合创造了与高雅艺术对立的流行文化。他们利用广告、杂志、电视、漫画的宣传，将日常生活里司空见惯的东西拼贴组合。这是当时反文化运动的一个缩影，由此，人们开始正视通俗文化。

自清华大学美术学院毕业之后，陈旭进入了跨国公司工作。从最初的零工、学徒，到后来走上设计师的道路。三年间，学生时代的懒散习气消失殆尽。专业化的训练，让他行事充满了纪律性与效率，却陷入机械化的重复。曾经的浪漫、灵感、创造性，这些学习艺术的初衷渐渐被掩藏。最终，背道而驰的生活让他选择了离职，进入了“混”艺术区的日子。也于此时，拾起了自己的创作。

陈旭的作品，带着鲜明的波普风格，非常西化。这种风格对中国的当代的艺术来讲，并不新鲜：在上个世纪九十年代，由于劳申伯格的引入，人们接触到了这个反叛的，年轻的，“廉价”的产物。虽然在艺术形式上，人们的眼界得到了拓广。但究其根本，一种建立在充分的商业文明基础上的文化，在当时低下的物质环境里并没引发真正的共鸣。艺术家们将中国的政治特色与其结合，建立了政治波普风格，衍生出一系列作品。而在二十一世纪的今天，当经济、文化、媒体领域迅速发展时，尽管阶层间仍有悬殊的差距，少数发达地区已具有“富足社会”的影子。人们的生活被消费文化包围着：触目可及的招贴、广告、杂志、时刻刷新的新闻消息把人们的脑袋塞满。这时，才算真正有了波普文化发生的土壤。

在画家的作品里，使用了非常有代表性的做法：“拿来”、“拼凑”、“罗列”。曾经有艺术家对这样的创作表示质疑，认为它甚至不能称为艺术创作。但这样的手法本身并非没有价值，它从一个侧面展示了时代的精神状态：在鼠标一点一合之间，人们被爆炸性的信息裹挟着前进，却缺乏消化与真正理解的时间。于是我们的脑海里恰如这些画面：内容繁杂、粗暴而缺乏逻辑的陈列着。

在陈旭的系列作品里，我们看到了当代艺术的丰富、杂乱、肤浅和趣味性。他将生活的沉重与意义抛之脑后，用明快的语言陈述一切。在创作的过程中，与当下提倡的“Less is more”截然相反，他尊崇一种“做加法”的方式，认为加法和减法有着同等的价值。画面中，巨大的信息量堆积：手机电格符号、抽象化的脸孔、纸币、卡通形象、音乐封面、登月报道……甚至一些带有性与暴力意味的简笔画。它们是日常生活的细枝末节，以不合逻辑的形式组合在一起。在绘画形式上，利用栅格将元素整齐排列。虽然在内容上是风马牛不相及的，但在呈现方式上却前所未有的整齐划一、各司其职。

从内容的多样化，我们能感受到作者对生活的好奇心。但这样的人往往会耐性不足。栅格化的形式在最初是让他头疼的。陈旭说，“这种‘大规模性、工整的（尤其是直线，远比要比曲线难画）平涂工作很磨性子，再加上我又是急性子总想很快完成，真是异常痛苦。”渐渐，他在摸索中找到了自己的表达途径。从最初的无从下手，到小心翼翼安排符号来满足逻辑，到信手拈来抛弃逻辑。他的创作加入了更多感性的成分。而这种不经思考的搬运，让我们联想到。。。。。。

（本文源自雅昌画廊）