歌唱的基本要素.doc

如何运用气息 ？

学习欧美唱法，需要有扎实的基本功。基本功最重要的环节之一是气息。气息的支点，一定先建立在后腰部分。然后再找小腹的力量。因为腰部需要你主动去做扩张或向下拉动，才会产生一个力。然而小腹与横隔膜由于受到腰部支点向下拉的作用，自然会产生一种对抗。如果仅把支点放在前面，也就是小腹，那时腰部就很难起到控制气息的作用。试想一下，是靠前后腰腹的力量控制气息更有效呢？还是只靠小腹局部的力量更有效呢？它们之间主动与被动的关系，希望大家能清楚。 　　现在通俗教学门类繁多。如果不能掌握一个正确的呼吸方法，反而奠定了错误的气息基础。声音就会失去你本该有的辉煌色彩，自然也更难达到欧美歌手那种对声音有极强的控制能力，没音色变化，包括力度的强弱。 　　还需赘述一点，气息在腰腹控制下，当以最小的力量获得最大的声音。绝非诸多误论所言，气息的压力越大越好。准确地讲，真正意义上流动的气息是一个巧劲，全然不只是力量。气息是任何一种演唱发法的原动力，正确的呼吸方法决定了发声的对错。通俗歌手气息的训练，我在教学中一般采用歌唱性强的练习曲进行练声。　　把几个简单的母音，编成一首小曲，使学生在歌唱的状态下练声，或者选一首旋律很流畅的曲目，然后再选一首较轻快跳跃的曲目让学生试唱，找出其中有代表性的乐句，使学生感觉它的歌唱性，在用这种感觉去练声。 这样做很容易使学生保持全身心的投入，从而演唱状态。也就是说，不要把发声练习当做一个机械练习。否则将会给日后的歌唱造成一个声音概念和状态的错觉。要用一种愉快的心情，一种感人的情绪去练习，才能有效地找到松弛自然的音色。

歌唱的基本要素
人声歌唱的基本要素包括呼吸、发声、共鸣和语言四个部分。呼吸是动力，气息冲击声带发出声音，这声音经过共鸣腔体把它加以扩大和美化，而形成动听的歌声。在歌唱活动中，呼吸、发声、共鸣这三者是同时出现的有机结合的统一体。
   这三者的关系是这样的：如果没有呼吸，没有共鸣，嗓子的运用也不存在。只有用上歌唱所需要的呼吸，歌唱所需要的共鸣，嗓子才能唱出歌唱所需要的声音。歌唱者在考虑问题的时候不要只考虑一个问题，如只想练呼吸，其他问题不想，如果没有其他因素的辅助，你很难断定你唱得是对还是不对，对到什么程度，为什么是对的，或者错是错到什么程度，为什么是错的，怎么才是最合适的，要从最后的音响来判断。

   简单地说，绝不会出现这种现象！你用的共鸣是好的，嗓子也对，就是呼吸不好。这是不可能的。要是对就全对，有一个部分不对，其他两个也好不了，这三个是统一体。歌唱乐器还有一个区别于其他乐器所独有的特点就是语言。自然界各种动物、昆虫都能发出声音各异的鸣叫，鸟儿能有动听的叫声。各种乐器能够奏出美妙的音乐，但是，只有歌唱乐器能够发出带有语言的音乐来，而其他任何乐器都不能发出带有语言的音乐。
  因此，语言是人类歌唱所独有的特点，它使歌唱艺术在传情达意上独具特色。歌唱的四个基本要素有着内在的密切联系，在歌唱时，四者是一个整体，不可分割。语言跟前三者也是一体，由于语言的改变，其他三者也随之有所改变。 歌唱的四个基本因素是不可分割的整体，沈湘先生在“沈湘声乐教学艺术”中有非常详细、清楚、易懂的阐述。 

美声唱法的渊源 
  美声唱法实际上是从西欧专业古典声乐的传统唱法发展起来的，从文艺复兴以后逐步形成美声唱法。当时的西方音乐更多是建立在多声部教堂音乐、复调音乐基础上，唱法本身脱离不了宗教音乐的影响。南女唱法一样，只是声部不一样，高低不一样。最初的歌剧以阉人代替女声来唱，由女中音代替南青年来唱。
  随着歌剧剧情的发展，一些情感激烈的戏剧性唱段，阉人的唱歌满足不了表达剧情激烈发展的需要，于是歌唱家们努力探索、钻研、改进自己的唱法，以适应剧情的需要，这样就产生了今天表现力丰富多彩的美声唱法。
  所以说，不同时代的歌唱形式、风格、情绪、情感不同，歌唱的方法也不同。发展到现在，已不是文艺复兴时的唱法，也不是16、17世纪的唱法，我们现在唱17、18世纪的歌曲，还是用现在的唱法，只是在风格上多注意他们的特点，我们不需要再去训练16、17世纪的唱法。
  我们今天的唱法，包括欧洲的歌剧、音乐会、清唱剧等舞台上常用的唱法，我们统称之为美声唱法。美声来自意大利文Belcanto,意思是美好的歌唱。Belcanto在西方音乐界的定义和我们的理解有所不同，西方对Belcanto的理解指的是由作者家罗西尼（Rossini）、多尼采蒂（Donizetti）、贝利尼（Bellini）等人那个时期的作品和歌唱艺术，它包括了那个时期歌唱的风格、技巧、内容、形式以及歌唱方法。
  美声唱法实际上不是只讲声音，在它发展的历史进程中，有过各种不同的现象：有一个时期只讲声音，既不注重歌词也没有“味儿”；有一个时期以炫耀技巧为主，脱离内容；有一个时期也曾改变过要以内容为主。我们接受美声的传统是主张声情并茂地歌唱，不主张为声音而声音的歌唱，只要求“情”而没有适应歌剧音乐会所需要的声音，观众也是不喜欢的。现在介绍的是国外包括欧洲、美洲、俄罗斯、东欧等音乐厅、歌剧舞台的唱法，不是民间唱法，更不是舞厅、酒吧间那种哼哼唧唧的唱法，是提高了的艺术性唱法。 

欧美流行音乐演唱特点
从80年代开始，流行音乐、通俗歌曲渗透到中国以来，发展速度之快让人应接不暇。但究竟什么是流行音乐？什么是通俗演唱？什么是欧美通俗演唱？很难有人将它一一说清楚。 　　那么，我们开办这个课堂的目的，就是想通过网上远程教学，让更多的人了解、熟悉、分辨、掌握它。
    我们将从各个不同角度与网友一起探讨大家关注、熟悉想知道的焦点问题。把流行音乐各种不同类型与风格在网上给大家讲述它所产生的历史时期与年代，它所要表达的思想内涵。在网上教授大家欧美通俗歌曲的演唱方法与技巧。任何一个对音乐挚爱，能够坚持学习的人，都能在此课堂得到您所意想不到的收获。
    我们可能不一定完全按照大纲的顺序讲课，中间会引用其它的章节穿插讲解。原因是为了更明确地多角度从各个不同侧面来说明一个问题。使远程教育真正 成为一个立体式生动、活泼的课堂。
    今天给大家讲的第一课，什么是欧美通俗唱法的特点？
    欧美通俗演唱方法，主要是已富有激情和即兴的表演方式来体现。同时，承纪继了了严肃音乐一部分的发声状态。比如真假声转换，高音华彩部分、跳跃技巧，连续跨越八度音区的声音展现。如果不具备相当纯熟的演唱方法，根本无法完成有一定难度的作品。也可以说不能够叫作欧美通俗唱法。当然，也不是欧洲人演唱中，都有技巧。在近年举行的GRAMMY颁奖晚会上，获得者经常是以清纯、自然唱非的风格。那么欧美通俗唱法也就是说有很多种类、风格各不相同。（在后面讲座中，我们会详细讲解这一点）但在我们课堂所讲的，还是赞赏科学的发声方法，去演唱通俗作品。
    欧美通俗演唱方法，还会经常采用哑音、呐喊、装饰音、滑音、抽泣、假声包括一些气声的特殊运用，来演绎歌曲的忧伤、悲泣、真挚、委婉、激情等等…… 
    利用肢体语言融合节奏的表现形式，运用混声、和声、不规则人声，进行有声或无伴奏伴唱，使一些并不复杂的旋律，变得富有色彩，具有极强的感染力。加上一些歌手创造出高度炫技性演唱形式，使通俗歌手能在舞台上产生震撼人心的艺术魅力，在表演艺术上达到较高的造诣

歌者的顺其自然

歌唱者要求的自然状态,可分为初级自然和高级自然两种状态。如果把歌唱的自然状态列一个简单公式:自然——不自然——自然,还是比较能为广大歌者所接受。
　　初学歌者最好的状态应该是自自然然地进入练声和歌唱,勿需过多的胡思乱想。这就犹如一张白纸能画出最新最美的图画,不扭曲自己的声音,怎么方便、舒服、自然就怎么唱。
　　当然,就在以这样的状态的学习过程中,可能还会发生某种不自然的问题,特别是遇到歌唱中的难点,如换声区、高音等。这是学习的一个自然过程,就像过河需搭桥一样,它要求歌者在声乐老师的正确指导下和自己摸索中,逐步过渡。也就是说,这是以科学方法开始充实、渗透,并作用于初级自然发声的必然反映。一旦这种原有的初级自然发声经过科学的引导,会逐渐解决和完善歌者发声中存在的问题与难点。
　　作为一个歌者,常常就是如此这般地从自然——不自然——又回到习以为常、得心应手的高级自然状态的歌唱。这种状态的歌唱既不是模仿别人而来,更不是从天上掉下来的,而是根据自身的实际条件,在本色基础上经老师指导,自己努力、在实践中不断挖掘释放出来的。
　　世界上没有相同的两个人,也不会有完全相同的两片声带。常有这样的情况,同一曲目,不同演唱者的演唱,即使是风格相同,效果也不尽相同。这说明文化艺术修养的不同和个人生理上的差异,都会形成不同的歌唱效果。
　　如果你是一位小号抒情男高音,就应该多唱一些小夜曲之类的抒情歌曲,这绝对有益无害。但是,假若你非要反其道而行之,拼命向大号戏剧男高音挑战,那不但可能会失掉原有自然的本色,而且还会得不偿失。打一个不太恰当的比喻,正如有人喜欢坚持冬泳,来锻炼身体,任凭风吹雪打都其乐无穷;而你连用凉水洗脸都感冒,那你何苦还要奢望冬泳呢?再如“春捂秋冻”是老祖宗传下来的经验之谈,可有人秋风乍起,便觉得寒气浸肌,那你就别信这个“经”了。
　　有人解释“顺其自然”的自然二字说:“‘自’就是指自己,‘然’就是指这个样子。”那么顺其自然的歌唱,就是要顺乎自身的自然生成的那个样子来演唱。不做作、不勉强、不模仿,既不这山望着那山高,也不吃着碗里的还望着锅里的。不要硬拿自己的脚去穿别人的鞋。
　　一个歌者无论是工作还是学习,都需要专心致志地永远从自己的实际出发,不背叛自己的本色,就地取材,方方便便、平平常常、自自然然地演唱。应该说,这才是一种值得提倡的一种正确的演唱方法。

对“咽音练声法”的体会

我真正了解和接触并下决心学习“咽音”是在听完了现任北京声乐研究所所长钟振发老师讲的有关“林俊卿博士及其咽音练声法”理论大课后，并亲眼所见一些在耳鼻喉科医生眼里、甚至在我个人眼里已无药可治的嗓音病人和某些在声乐教师眼里已前途渺茫的声乐学员，经过钟振发老师较短期的“咽音”训练和矫治后所出现的神奇变化。这其中不乏有音乐学院考生、本科生和进修生，文艺团体的演员、歌唱家，还有一些普通人。他们或是因为声带麻痹而出现发声无力、说话困难，或是因为用嗓不当造成声门闭合不良而出现嘶哑，或是因为声带过长、喉头挤紧而发高音困难等等。
　　“咽音练声法”为什么会有如此明显的效果？它与一般声乐老师所教的普通练声法有什么区别？
　　大家知道声乐教学主要包括两部分内容：一个是歌唱发音训练，另一个是艺术作品演唱。在国外有专门的发声训练老师，也有专门的艺术指导老师。而在我国，一位专业的声乐教师承担着以上两个不同方面的教学内容，特别是对教授西洋美声歌剧唱法的人来讲，要求是相当高的，难度是相当大的，对一般声乐教师来讲，很难做到两全其美。
　　从目前我国声乐教学大纲的内容和要求来看，没有专门设置与歌唱训练有关的发声生理课程，也就是说，无论学唱的学生还是教唱的老师没有接受过此方面系统的、专门的教育，因此对唱声或歌音（Singing voice）产生的生理基础、物理基础缺乏正确的认识，这可以从学生对声带长在哪里、横膈膜在什么地方等问题的回答不清楚、不准确中可见一斑。而目前绝大多数声乐教师的训练方法仍然停留在“口传心授”的方式上，很少涉及与歌唱发音有关的生理解剖知识和部位，学生主要靠模仿学习，靠“悟性”长进，因此难以做到准确和有效。
　　从学生的临床主诉和所表现出来的歌唱机能状态来看，有些声乐教师或对什么是正确的歌唱机能状态似是而非，模棱两可；或因只求一时明亮的声音效果，而忽略了要保持长久的嗓音健康状态；或出于对学生嗓音的保护，不敢过于要求或要求不到位；或对不良的歌唱状态缺乏有效的矫治、训练手段等等，因此常常会看到学生表现出与老师所要求的良好的、正确的歌唱机能状态截然相反的情况。比如老师要求“打开、放松喉头”，而学生的喉咙是紧缩的、上提的和挤卡的；老师要求要唱在“气流”上，而学生实际是唱在“肌肉”上；老师要求用“方法、技巧”唱，而学生是凭“本钱、条件”唱等等，由于以上种种原因和情况，学生难免在学唱过程中出现喉咙不适、容易疲劳和嘶哑、高音费力、声带充血甚至出现病变等情况，以致影响其艺术表现力的发挥和创造。 
　　而林博士的“咽音练声法”为人们解决在歌唱发声训练过程中所遇到的各种不良发声状态提供了最佳解决手段和途径。该方法抓住并剖析了美声歌唱的本质，从解剖学和生理学入手，通过一个个具体的“无声的”和“有声的”练习，比如甩摇下巴练习、舌成沟状练习、抬头张嘴练习、“蛤蟆气”练习、“赫气”练习和在不同姿势下发“咽音”练习等具体练习方法，使学员们在一定的时间内有意识、有针对性的去强化训练歌唱所要求的正确呼吸状态，喉咙打开、放松状态和发高音时的机能状态。而这些机能状态是平时用嗓说话时体会不到的，是一般“咪咪咪吗吗吗”的普通练声方法难以实现的，即使是受过一定时间专业训练的歌手（指用一般练声方法训练）有时也难以做得准确和到位的。 
　　就拿歌唱的呼吸训练来讲，过去我的理解是一定要先吸好了气再发声，这才是符合生理的。然而建立在这种“自然状态下”的呼吸方式是缺乏控制力的，很难保持歌唱所要达到的音长，自然容易出现憋气、塌胸、喉肌用力的情况。而钟振发老师在运用林博士的“咽音练声法”中有关无声练习即“蛤蟆气练习”时强调，要保持吸气的姿势，胸部站定，两肋扩张靠腹部来控制呼吸的方式，确实实现了吸气肌群与呼气肌群同时工作，达到了胸腹式联合呼吸的歌唱呼吸要求。此练习方法锻炼和增强了平时很少用的吸气肌群，使我们进入到一种“超自然”的呼吸和歌唱状态之中，因此是一种非常有价值、有意义的歌唱呼吸练习方法。 
　　再比如钟振发老师常教我做的“赫气练习”即在吸气的姿势和状态下发[Ho]音练习的方法，解决了一直困扰着我的“吸气时喉咙可以放松打开”而“发声时喉咙又紧张上提”的问题。此发声练习，原理非常简单，手段非常巧妙，但效果非常明显。我过去常用打哈欠、叹气练习的方法练习喉咙打开，虽然喉咙打开了一些，但效果不如[Ho]气练习来得直接，做得到位。这其中的缘由我想可能与我们每个人对打呵欠、叹气的理解不同因此所做的姿势不同有关，也可能与我们不明确打哈欠、叹气所要求的歌唱机能状态到底是怎样的有关。然而利用“赫气练习”的方法可以解决喉部挤卡、喉头上提的问题，同时也能减轻喉外肌对声带的挤压，因此是一种值得普及、推广的练声方法，它对普通用嗓者来讲也是一剂恢复嗓音疲劳的“良药”。 
　　高音的解决与练“咽音”有关。我真正学习发“咽音”是在学习了三个月的无声练习并做了大量的“赫气练习”之后才开始进行的。我当时心里还责怪钟老师，为什么不一上来就教我发“咽音”，因为我声带较宽大厚韧，发高音困难，最初只能发到g2,而通过发“咽音”练习确实使我感到发高音容易了许多，练声可以发到＃c3。但钟老师却认为：“咽音”是歌音的主干，它的作用如同菜肴中放盐和味精，缺了它，没味儿；但用多了，没法吃。而“咽音”的发声必须建立在喉外肌放松的基础上，发声时喉咙必须保持在发“气泡音”的状态上。精辟！难怪我以前听别人说有些人练“咽音”把嗓子练坏了，可能与他们不懂得“咽音”产生的原理和具体要求有关，而这个“罪责”放在了“咽音”身上，真是冤枉了“咽音”，也冤枉了林博士。为此我在这里特别提醒一些声乐爱好者们不要盲目地去练“咽音”，一定要掌握好它发声的要领，不能只模仿它的声音，还要掌握好它发声的机能状态，否则不但不能提高技艺，反而会毁了嗓子。
　　这就是我所认识和体会的“咽音练声法”，非常朴素，非常自然，也非常简单和有效，且充满了科学的道理。希望更多的人了解和学习它，使之在中国的声乐教育事业和嗓音医学事业中发挥出更大的作用。

神奇的“气泡音”

在多年的声乐教学和演唱实践中,接触过许多练声曲,但有一种我却“情有独钟”。她帮我找到正确的发声状态,解决我声音上存在的诸多问题。更值得一提的是,她还是我的“喉嗓按摩师”,使我得以每天都有一个较佳的歌唱状态。即使在一些演唱的繁忙“季节”,也能得心应手,游刃有余。她就是“气泡音”。
　　那么,什么是“气泡音”呢?
　　早上,我们懒散地平躺在床上,做打哈欠状,从高到低发“啊”这个音,当发音到最低音区时,就会听到声音如一串气泡冒出来。随着气息的调节,气泡可大可小,可稀疏可密集,有点象青蛙的鸣叫,又象摩托车的引擎声。这就是我说的“气泡音”。看似简单,但对声音却有很神奇的作用。
　　“气泡音”是人的真声的最低音,是气和声结合的产物,气息过大和过小反而发不出“气泡音”。我在演唱中,尤其在中高声区,当声音出现“挤、卡、白”或者“气太浅、憋气”等毛病时,我就停下来,先发几声“气泡音”,然后上下对照练习,用“气泡音”的感觉去唱中高声区,效果不错。
　　发“气泡音”时,人的面部肌肉是放松的,略呈微笑状,喉咙不会卡紧,喉头会自然下移,鼻咽腔开放,舌头平放在口腔。这些状态正是良好歌唱所要求的状态。
　　在练习“气泡音”时,能感觉到她是贴着开放的鼻咽腔壁上行至眉宇之间发出的。用这种感觉结合母音练习,带出来的母音一定是集中的、明亮的和高位置的声音!
　　每天早晨醒来,我总是先练一刻钟“气泡音”再起床。这样做能使声带完全处于放松状态,同时接受“气泡按摩”。这样做,不但解除了声带疲劳,更重要的是能医治一些常见的喉科疾病。如:声带水肿、咽部发炎等。因此,这种练习有益于所有语言工作者。

翻唱歌曲的演绎。

翻唱歌曲的演绎是需要很多方面表现的。 
    第一当然是声音。这是一个很专业的学问，包括气息、用嗓、口腔共鸣、吐词方式等。后的文章中，我会把我知道的尽可能的与大家交流。
    第二是情感。这需要歌手对词、对旋律的感悟要强，很多朋友演唱时把全部的重点都放在了声音的部分，而忽视情感，这绝不会唱好一首歌。过分注重声音的原因，是因为歌手的实力有限，演唱过程中老想着到哪里要注意气息了、哪里要注意换气了、快到高音的时候要准备了等，这都是无可避免的。所以，如果唱歌要做到“声情并茂”，练功相当重要。当你练声成熟的时候，演唱时的注意力才会到情感上来。有句话说得好，歌不是用嘴唱的，而是用心唱的。如果发声练到气息贯通、炉火纯青的地步，演唱就更随心所欲的注入情感，演绎歌曲的感染力会更强。
    第三是感受。这里再次强调，音乐的感受是天生的，你有多少就是多少，后天弥补的音乐感受很少很少。流行歌曲需要流行歌曲的感受，民歌需要民歌的感受，比如你要阎维文唱“一无所有”，我敢保证会笑翻一帮人！歌手的感受不同，演唱歌曲的处理方式也不同，有的处理得很平淡，有的处理得扣人心弦。这些处理都是很微妙的，比如一个小小的换气、一个强调的重音、一个不换气的长拖音或者一个骤然的收尾……这些就只能意会了。
    第四是节奏感和音准。你见过一个3岁多的小孩听到一个旋律就能敲打出加花的节奏吗？你见过一个3岁多的小孩现场演唱，爸爸给他手风琴伴奏，随时改变音调，他进唱的音调都是准确的吗？你见过一个8岁的小孩在没听到任何声音的情况下，要他随时哼出“降E”、“升C”等任何音调的“1”的发音，哼完后在键盘上按下核对完全准确的吗？这就是天分，演唱歌曲需要这样的基础，虽然不要他们那样出众,但一定不能弱。
    第五是素质。这就是业余歌手和专业歌手的区别。其实光在声音、情感、感受、节奏、音准这些方面比较，业余歌手有很多不比专业歌手差。差距就在素质。你知道自己唱歌时的形体和表情吗？你可能有个模糊的形象，就是你投入演唱时自己想象自己的模样，而这个形象很可能是你唱的这首歌的原唱的形象。但这些都是你的想象，自己想象的形象几乎是完美的。你知道大家看到是什么吗？你用摄像机拍摄过自己的一次正式演唱吗？其实当你上台的第一个眼神或者第一句话，就能知道你是业余还是专业。这里说的素质还包括对乐理的了解、乐器的了解、对音乐史以及对音乐常识的了解等，当然也有很多专业歌手也不全面，但我个人认为，如果要做专业歌手，就应该贯彻这些，要对得起“专业”这个词。 
理解歌词
    在学一首新歌之前，有几次你是先把词从头到尾在心里读一遍的？又有几次揣摩过撰词者的心思和他表达的意境？一首歌曲，无论是先有词还是先有曲，双方作者都是认真揣摩对方（词作者或曲作者）要表达的意境和思想，如果到了你这里，你居然完全不理会他们的用心良苦，就这么凭着自己的感觉唱，我觉得不妥。有些个性歌手喜欢按照自己的理解这样表达自我，这种方式不是不好（而且我也喜欢这样），但我会先把作者的意图先搞明白再发挥。再说不是每首歌曲都适合你任意发挥的，有些词曲你找不到更合适的表达，比如国歌。
    在你深刻理解歌曲以后，你的情感处理方面一定会好很多，如果你的感悟能力强，你会情不自禁的把某个音唱重，某一个音轻轻带过，一个激情的长音会拖得很饱满……
    说话和唱歌，除了旋律、节奏、气息，还有其它区别吗？有，那就是吐词的方式。请你随意的用你说话的方式读出“让我一次爱个够”，然后投入的把它唱出来……会发现唱的时候嘴型是向两边打开的，而且要夸张一些。如果你觉得差不多，就是你的吐词有问题。所以唱歌要比说话嘴型要夸张，这样吐词才会更清晰、气息更通畅、更宜于表达情感。
    演唱国语歌，还是标准的好。比如“Z、C、S”和“an、ang”和“L、N”的区别是很容易搞混的。港台歌星有时会把个别字故意唱得不卷舌或卷舌，要不就是自己的舌头打不过来、要不就是他们觉得那样不好听，或者他们根本就不知道这个发音。当我们翻唱他们的这些歌曲时，我没有明确的主张，为了模仿，不纠正也行。但如果是要唱自己的风格或比赛，那就要改正了。
    关于粤语歌，劝你们还是学好再唱，要不很容易搞笑的。就像我以前唱粤语歌一样，自认为标准，现在才知道有差距。粤语中也有类似与国语中的“Z、C、S”和“an、ang”的微妙区别，不认真学是学不好的。
气息
    说道这个话题，就有些茫然，因为这是最不好用言语表达的东西。我在唱歌之前，练美声两年，给我的感悟很深，气息基础对我的帮助很大。一般没有学过声乐的人发声很平，就用平常说话的位置（嗓子）发音，我们叫它声音发“白”，没有色彩、没有过滤。以下我就表述一下美声练声的方法。
    声音应该以小腹为根源，想象声音透过后脊梁，到脑后，到口腔后根，整个声音应是竖立的，靠后的。请找一找这样的感觉：你大口咬一口苹果，露出上牙齿，在一口咬下去的同时，发出“嗯”的声音，感觉声音在口腔后部和鼻腔上部的位置，这就是美声发声的一个共鸣点。接下来把气息下沉，小腹膨胀，稍在小腹用力一顶，在刚才的位置发声，男声喉结压下，女声多注重声音在脑后靠上的位置，你会发现声音比以前要大多了。经常靠墙练习有助于发声，因为靠墙可以接触你的后脊梁，让你更容易找到感觉，并且胸腔的共鸣能和墙产生共振，让你更容易找到胸腔共鸣的感觉。先从“米～妈”的练习开始，逐步升高，有助于练习高音气息；再从高往低练习，这样反复，总有一天你会找到感觉的。美声讲究“通透”，经常想象自己的声音是竖立的，而不是扁平的；另外还讲究的是“共鸣”，声音通过胸腔或胸腔以上的共鸣后，会很圆润、饱满。要体会共鸣，你可以这样做：闭上嘴巴，发出“嗯”的音，稍带点深情的感觉，“嗯”的长一点，会感觉头和胸前在震动，如果气息好，这种共鸣会给你的声音添色不少。仔细听听一些高大的美国人讲话，就会知道什么叫胸腔共鸣了（外国人的胸腔结构更容易产生共鸣）。
    另外我还要提到的是肺活量，歌手演唱需要较大的肺活量，比如一些很长、不换气的某句旋律，可不要唱完以后面红耳赤、只喘粗气。肺活量要经常锻炼身体才能保持。还有就是掌握一定的技巧可以弥补一些肺活量不足的现象。首先就要练气息，好的发声方法它能很好的控制声音通过嗓门的流量，比如唱到“……不怕你背叛我……”这一句时，气息不稳的歌手可能一下就把“怕”字的音以爆破的方式唱出来，一下就把本来肺活量不足的气放跑了，如果后面有不换气的长句不把他憋死才怪。而气息功底好的歌手能控制这些爆音的流量，演唱时话筒也不会出现一些扑声。所以我建议大家练声的时候嘴前放一盏蜡烛，尽量练声时保持蜡烛不摇晃吧！这样你的气就会保持在你的体内长一些时间。想想你是一直往外呼气坚持得久还是憋住不出气保持得久呢？当然这还需要歌手要放松，不要紧张，一紧张，心脏跳动加快，你的气息就更稳不住了。
    这里我只能讲这么多，这些是要靠感悟的。不过我要提醒的是，练声是演唱流行歌曲基础，千万不要用练声的方法直白的演绎流行歌，那样就过于做作，就会像阎维文唱“一无所有”。
    关于流行歌曲的用嗓，我的观点是只要符合歌曲意境，要喊要破也未尝不可，但这些都是美声中绝对禁止的，所以我们要取长补短，因为我们不是为了唱美声而练美声，我们是为了唱好通俗才练美声，就像武术要练马步一样，你见过打架的时候蹲着马步打的吗？
    有朋友说这样的表述很难理解，要我说说流行歌手里谁的气息很通透，就照着感觉去学更容易领悟，这也是一个有效的方法。个人认为，女歌手你们就多听一下“张惠妹”的吧，她可是天生通透的气息；男歌手就多揣摩一下“满文军”的吧，他可是真正靠气息在唱歌的，另外，张学友的气息很好，但对于教学，满文军更适合。
高音
    这是朋友们最喜欢问的一个问题，用他们的话，因为高音“够拽”，呵呵！再次补充一下，好的演唱要综合很多方面，不能说高音越高就是唱得越好。确实，很好的高音能给歌曲的高潮部分增添渲染力，但奉劝朋友们不要只知道高音的价值而忽略中低音，其实饱满的中低音也很有感染力。
    唱高音的时候，气息一定是以小腹、丹田为根基的，京腔讲究“丹田气”也是指的这种发声位置。
    找找感觉1：如果你是一个女孩，鞋子上突然有一只老鼠，你会怎样？估计会“啊～”的一声长鸣，并且还有“假声”的发声位置。等你平静之后，你在“啊～”一下看，大多数再也“啊”不上去了。为何？因为你收到惊吓的的那一刻，你的小腹在紧张，（想想被惊吓的感觉，是不是全身肌肉绷紧？）正因为有了这样的根基，加上一股强大的气流（可以理解成唱歌的气息），直冲嗓子眼，声音不高才怪。所以，你可以把飙高音的感觉理解成“紧张”、“振作”，记住，一切以小腹为根基，要唱高音不是抬起头往上扯的，是感觉重心向下的一种反弹力。
    找找感觉2：见过橡皮水管吗？要水管里的水飙向更远怎么办？掐紧水管前端，缝隙一小，压力增大，水就冲得更远。其实高音不一定要音量很大，有些歌手演唱高音时唱出很大的声音，我们说那是用力气和肺活量在唱，而不是在用气息和技巧在唱。想象水龙头理论，应该可以悟出些道理。
    找找感觉3：地上有一块很大的石头，把它搬起来吧。你一弯腰，嘴里数数：“一、二、三、走……”，我想这个“走”字你一定用了气息。我不多说了，感觉一下吧，身边有些什么重的……呵呵！这只是一些我创立的让你感觉气息的方法，不正规，但很有效。
    还要告诉大家一点，表现高音的能力与你本身嗓子条件有关，如果嗓子天生高亢是很大的优势，比如“孙楠”就是典型的高嗓子，高音演绎不会那么费力。嗓音条件不好的歌手就要靠大量的气息和方法了，但不管是嗓音条件好或不好，声音都是通过气息唱出来的，就像香烟要通过过滤嘴一样，声音过滤一下会更美。
    另外我还告诉大家一种心理方法，高音时想象你是在面对广阔的大海高歌，望不到边的海天一色，这样的风光不值得你大声呐喊吗？
中低音
    中低音一般要饱满、深情为好。但也像高音一样，很多人欠缺中低音的共鸣。低音是要靠胸腔共鸣和宽大的嗓音结构才能体现的，先天性比较强。以我的经验，低音潜不下去的嗓音是很难练低下去很多，能下去几个音阶不错了。如果一定要录制低音丰富的歌，早上起来不刷牙、不洗脸直接录，声音会下去很多。所以，中低音欠缺的人尽量避免这样的歌，扬长避短，同样中低音丰富的人一定要好好发挥它的潜质，中低音唱好是很迷人的哦！
    唱低音要胸前和嗓子放松，用叹气的方式可以加强一些共鸣，实在很低的地方可以加些气息产生口腔共鸣，会感觉声音浑厚一些。但不管怎样，嗓音天生浑厚的人的发挥余地要多得多。
    唱中音要多加以润色，包括吐词换气都具有美感，当然这又与感受唱功有关，中低音多听听“蔡琴”的吧。
整体与风格
    很多歌手只注意句与句的细节，把演唱的细节单位放在“句”的上面，而不是在整首歌上。
    把整首歌画一条起伏的线条吧，你会知道哪里该低调、哪里该高亢了。眼光放高一点，就像足球场上的位置感一样，盯着局部怎么打出长传进攻的有效配合呢？
    除非有了一定的实力，否则别谈风格。歌手前期我赞成模仿开始，但不要单一，多唱各种风格歌手的歌，耳濡目染的就掌握了一些共鸣、唱腔以及气息的初步体验，这是好事，到了成熟以后，加上自己的练声和感悟，再挖掘自己的风格是水到渠成的事。 

    演唱要投入，但投入是要有一个度的，不是要你“使劲”投入，过分伤感或喜悦，在理解词意的基础上，有分寸的投入即可。比如有些类似的词：“……你怎么舍得我难过……”，我就见过唱得痛苦至极的人，那样就没有感染力了，反而觉得好笑。但我也见过一个真正失恋的朋友在卡拉ok唱这首歌，演唱的时候面无表情、唱得很平静，嗓音沧桑，唱腔演绎出来的那种无奈和孤独感染了现场的每一个人。我觉得这就是刚刚好的分寸，不需要抱头痛哭。但又有几个人随时能演绎这么到位的呢？这就要靠歌手的音乐感受了。

    再给大家举个例子：有些朋友在模仿歌星时，不自觉的夸大了明星的特点，比如模仿张学友时，会过分压着嗓子做出那种怪怪的厚实的声音（那时张学友早期的一个特点，现在好像不多见了）；在模仿张国荣时，会夸大他的那种大舌头似的靠后的共鸣；模仿王菲时更是那种让人觉得好笑的舌头打结的怪音。其实仔细听听原唱，并没有那么夸张。我就听过一个声音很像张学友的朋友唱歌，每次唱学友的歌的时候都没有把握分寸，后来我劝他多些本色，反而更像原唱了。其实有时候旁观者清，多请教朋友们的意见会很有好处。

    另外，情感丰富的人唱歌会比情感平淡的人要演绎得好。与歌曲中的情感产生共鸣，也需要歌手的生活阅历丰富。经历得越多，感悟得就越透彻。

    这可是很多朋友追求的东西，呵呵！认为没有颤音就不够专业、不够拽。殊不知颤音在歌曲里只是一种表达方式而已，没有颤音就不能唱好歌吗？

    颤音，实质是用气息演绎歌曲的时候，强大的气流冲击口腔和鼻腔后部所产生的震动，小腹给予气息的压力产生了气流。我倒不赞成流行音乐一定要用这样死板的方式产生颤音，有些歌星通过喉结的抖动（刘德华）和嗓子眼的一紧一松（张信哲）“做”出了颤音。这些都是一些小的技巧或是一种风格，但在很多高潮部分，他们也具有强大气流的颤音。所以，还是那句话，气息是根本。用了气息，自然会有气流的冲击产生颤音。对于流行歌曲，有些低调的地方不需要像唱民歌一样每个字都在气息上，有时似一种悄悄话，有时像一种无奈的叹息，不会有强大的气流支持你的颤音，这时就需要你用一些小技巧来修饰你的尾音，我认为流行歌曲的颤音表现不完全靠气息顶出来，有时候抖抖喉结，控制嗓子眼里的声音也未尝不可，只要整体在歌曲的氛围之中不受影响即可。

    没有颤音的朋友如果铁定对颤音垂涎三尺，就从模仿开始吧——模仿救护车叫唤。好笑吧？这只是没有声乐老师在身边、一种自我揣摩的方法，当然不属于常规的声乐练习。发出“呜呜”的依次循环高低的滑音（稍快），他能让你找到抖动喉结的感觉，慢慢的吧“呜呜”的发音转变成“嗯嗯”的发音，再慢慢的转成“你～”的发音，再唱一些“你”结尾的一句歌……呵呵，这只是一种感受喉结抖动的颤音方式，与气息发声不一样，保准声乐老师看了会气死！但没件事都需要循序渐进，慢慢揣摩，不妨试试。

    最后再次发表一下我的观点，我们如果眼光放高一点，这段历史时期流行强调颤音的唱法，也许再过5年后就不流行强调颤音的唱法了。何必为了没有颤音而苦恼呢？颤音虽然能有效的渲染歌曲气氛，深沉而具有穿透力，但我也愿意喜欢听一些质朴、纯洁的声音。所以，只要用心唱就好，也许你会更有特色。

通俗歌曲演唱的一些技巧训练
 对于技巧的训练方面，很多网友都比较头疼，希望这个贴子能对大家有帮助！？呵呵 
一．气息训练
    将身体与精神放松一些，气息调整均匀，空气不要吸入过满，不要太刻意注意姿势及口、鼻吸气的动作，因为身体状况处于常态时，外界气压大于身体内压力，在完成正确的吸气息动作后，肺部即形成负压，空气自然进入肺部，这样在演唱时吸气迅速，在话筒前无任何杂音。
要 点：
1．两肩摆在自己最自然的状态 
2．胸腔打开
3．两肋及后腰自然
4．小腹及臀部注意协调性
5．“横隔膜”（处于腰部“水平线”的平滑肌）注意收放的节奏
6．发音时要平稳、轻柔
练习
    上述状态准备好后，以四拍为一小节，心里数 | 一二三四在数四的同时，将空气瞬间吸如（空气吸入不能过满），在下一小节的第一拍发“ s ”音（国际音标的“轻辅音”，声带不振动），在发音的过程中，身体灵活自如、意识积极，肌肉不僵硬，富有弹性、神经不紧张，不松懈。发音时：呼吸的相关肌体组织上、下挤压肺部，当挤压到极限时，左右前后继续全方位向内挤压肺部。向上的气流要细而稳、集中而有力。练习曲的每个乐句，气息和声音都不能间断，时间保持越长越好。肺部的空气始终保持在肺的下二分之一处。
    其实通俗一些就是拉长音对气息的作用，在气息训练方面，这也是最简单易行的方法了。

二．声带训练
    发“ s ”的状态不变，舌尖稍向后移，声带立即振动，发出一个近似国际音标“Z”（介于“ zi ”与“ ri ”之间的音），发音时，注意力集中在声带上，练习曲的每个音都不能脱离“声带”，并要配合已练习过的气息方法。

唱歌的正确姿势
1．唱歌的正确姿势
培养与保持正确、良好的唱歌姿势，是使歌唱发声各部分器官的机能得以正常、自如活动，掌握与运用歌唱基本技巧的前提。对于初学者，特别是中小学生，这一点尤为重要。
练习歌唱一般采取立式或坐式两种姿势。
正确的站立姿势要求：
(1)身体自然直立，两脚稍分开，重心稳定，两手自然下垂或轻松地放在背后，头部端正，双目平视；
(2)身体各部分肌肉放松(但不要懈怠)，特别是肩部、颈部、下颌及面部肌肉不可紧张僵持，以免影响正确的呼吸和发声；
(3)精神饱满、集中，表情自然。不要有多余动作。
正确的坐势要求：
(1)上身及头部端正，不要前府后仰，两手平放在膝上，或双手曲肘拿正歌谱，高度以不影响头部端正为准，两腿不可伸直，应自然支撑坐姿；
(2)胸部微挺，但不可耸肩；颈部、下颌及面部肌肉自然放松，保持发声器官正常自如的活动；
(3)精神饱满、集中，表情自然。

2．歌唱的呼吸方法
歌唱时的呼吸应根据歌唱发声和艺术表现的要求进行，随歌唱的速度、力度、节奏、表情以及旋律的分句与声音的长短、强弱、顿挫、抑扬等而调节呼吸的缓急、时机、次数、深浅，恰当地运用与控制气息。
歌唱呼吸的基本方法是胸腹联合呼吸法。要求运用胸腔、横膈膜、腹肌共同控制气息，使肺部气息容量增大、控制自如并有明显的呼吸支点。
吸气的方法：用口鼻同时轻柔、平稳地吸气，要深而自然舒展，身体各部位应自然谐调，不要僵持；使气息深入肺底(但不可太饱满)，膈肌下沉，胸腔两肋张大，胸廓下部稍感膨胀，并注意保持；
呼气的方法：呼气时，两肩、颈部、下颌及口腔各部位要绝对松驰自然，用胸、腹部肌肉共同控制气息，使气息的运用控制自如，注意保持气息，使声音获得气息的支持，不可一泄无余。

Ｋ歌大赛实战速成
(1)问:刘老师，怎样才能成为一名歌手? 
答:不需要怎样，就能成为一名歌手。但需要你的嗓子能发出声来，需要你不能抽太多的烟，以免在演唱的时候被上来的一口痰卡住。当然成为一名歌手，需要做的事情不可能在这里一下说完，但只要你有这个志向，那你就可以开始了。