建筑对服装风格的影响.docx

建筑与服装
2009-10-30 14:51:17|  分类： 默认分类 阅读409 评论0   字号：大中小 订阅

建筑与服装的渊源由来已久，中世纪时黑格尔曾把服装称为“流动的建筑”，也有称为“贴身的建筑”，一语道出了建筑与服装之间的微妙关系。十三世纪以巴黎圣母院为标志的哥特式建筑很快从法国波及到整个欧洲，受其影响，欧洲服饰造型也常常来用尖顶的形式和纵向直线，甚至连鞋、帽、头巾、都是呈尖头形状的。随后的年代，欧洲服装的演变虽先后受到文艺复兴，巴洛克，罗可可等名同文艺思潮的影响，但带有类似建筑外型特征的服装款式却绵延不绝，直至今天。例如，欧洲妇女自文艺复兴以后，一直喜欢用鲸骨或藤条(后来甚至用钢丝)做骨架，将裙子撑得鼓鼓的，较典型的有16 世纪的西班牙式“法琴盖尔”裙撑，19 世纪的“克里诺林”式裙撑等。由于裙撑越做越大，以致影响到了当时的建筑尺寸，人们不得不将门框和楼梯的宽度拓宽，以便使穿着这种鸟笼一样裙子的妇女能够通行无阻，这种颇具建筑特征的裙子，恰如黑格尔所说的那样“就如同一座人在其中能自由走动的房子”。
1660年西班牙画家Diego Velazquez 为玛格丽特公主所画
    迪奥曾声称“衣服是把女性的肉体的比例显得更美丽的瞬间建筑”。从19 世纪末开始，一些著名时装设计师开始登台亮相，主宰时装的潮流，耐人寻味的是时装界中学过建筑的人却比比皆是，如果把他们的名字罗列起来，可以写成长长的一串，其中卓著者就有皮尔·巴尔曼、安德莱·克莱究、帕克·拉邦纳、群岛一郎与吉尔安弗兰·费雷（Gianfranco Ferré）等等。他们虽然风格不同，手法各异，但都擅于将“块与面”的结构巧妙地运用在服装设计上，并不断从各种建筑物中获取养料和创作灵感，法国著名设计师波尔·波阿莱就曾从伊斯兰教寺院的尖塔受到启发，设计出一种名称“米那莱特外形”的时装款式。被称为“时装之王”、“流行之神”的时装界泰斗迪奥对建筑也是独有所钟，他在1953 年秋季时装发布会上推出的“埃菲尔塔式夜礼服”和“圆屋顶式连衣裙”一眼便知是脱胎于巴黎著名的埃菲尔铁塔和欧洲古典建筑。说到将埃菲尔铁塔用作时装表现主题时，当然还不能不提到著名女设计师科琳娜，在她的每一时装系列中，总不忘将主座巴黎铁塔以各种形式予以尽情表现。她认为铁塔典雅而充满想象力的造型，恰好表现了如生如诗如梦的情怀。迪奥的高徒著名设计师皮尔·卡丹，1978 年首次来华访问期间，对中国古典建筑产生了浓厚的兴趣，他借鉴各种中国传统飞檐的形式创作了肩部高耸的女装，并取名为“西安飞檐”。有“时装界的赖特”之称(赖特是美国著名建筑设计师)的意大利时装设计师吉尔安佛兰·费雷，则精通建筑艺术，他认为：时装与建筑有异曲同工之处，只不过时装设计中的柔软线条比建筑设计中的刚硬线条更为复杂精致而已。他忠于“少就是多”的著名建筑信条，但在追求风格简练的同时，却十分注重各种服装的丰富变化。
    上世纪二十年代后，由于受俄罗斯构成主义艺术及超现实主义思潮的影响，一些时装设计师也开始大胆运用几何图形和抽象图形，使他们的时装作品更具个性特点和现代色彩。西班牙出身的帕克·拉邦纳素以风格怪诞而著称于世，人称“时装怪杰”，由于他学过建筑，所以能完美地表现出“块与面”的结构，而运用几何图形构成则更是他的拿手好戏，向不同方向延伸的“长城领”和利用拼砌夸张手法创作的“城堡式大衣”等作品，更是这方面的成功之作。他还常用非织物面料设计服装，在一款称“塑料组合”的作品中，他以三角形和梯形为外型，用透明塑料做帽子，用化纤织物制成裙子，其奇特的建筑性结构，也令人耳目一新。以“时装界的超现实主义者”享誉世界的夏帕瑞丽，其“办公桌套装”也很别出心裁，八只类似现代办公桌抽屉的衣袋，分别安置在颈部两胸、腹部和胯部，既具雕塑特点，更富建筑风味。又如皮尔·卡丹所设计的“卫星式礼服”裙状，其形象颇似一枚行将凌空而起的火箭，想象之丰富，构思之奇特，令人叫绝。
    服装与建筑之所以有这样深的渊源是因为二者在各方面存在必然的联系，包括以下几个方面：首先，建筑与服装虽然使用材料的质地相差甚远，但是它们都属于造型艺术，共同具有很强的造型性。不管是建筑还是服装，要想造型漂亮,在材质的选定上都要唯美，在体积、面积、方圆、大小等等形式因素上都要依照美的比例来设计，也是一条要共同遵守的规律。其次，建筑与服装各有各的使用功能，但是在审美功能上却是一致的。都是通过各种线条组合、形式节奏、色彩变化、空间搭配等方式来唤起人们的注意，形成审美感受。最后，从效果上说，建筑与服装给人的感官印象尽管有很大差别，但是他们都具有很强的表现性，都是以特定的造型、式样、色彩、质地引起人们的情感反映。面对人民大会堂与游览于亭台楼阁的感觉决不会一样，尽管我们说不清楚他们之中到底有多少故事；穿着西服革履与一身牛仔的感觉截然不同，尽管我们不知道他们的工艺流程与裁剪方法。表现性艺术讲的是感觉，而感觉往往是不需要讲理的。这便使得没有学习过建筑和服装的人们仍然能够凭着主观感受对建筑与服装进行评判与选择。
    正因为服装与建筑有着这些密切的联系，所以历史上同一时期两者的设计风格也具有同一性。在哥特式服装中我们看到各种锐角三角形好似哥特建筑伸向高空的塔尖；巴洛克服装和建筑都在追求一种夸张堆砌和富丽磅礴；虚幻奢华的洛可可建筑居住的贵族无一例外的穿着矫揉造作的洛可可服装……其实，不管选择研究教堂、宫廷、剧院、贵族府邸等历史建筑还是一般的建筑，甚至是自己的家，只要你仔细观察素材，都会有灵感。摩天楼的反光玻璃暗示可以使用有闪光质感的现代织物；海滩旧木屋上剥落的油漆可能使你想到波浪式纹样；或者使比萨斜塔增色不少的拱廊圆柱可借用在复杂精细的袖子部分和胸衣的花边上。建筑物的透视图线条常常激发总体造型灵感——想想古根海姆博物馆，就可能想到一件波浪形的衬衣，古希腊神庙柱上的装饰线常被折叠到绣花衣裙的折裥里，克里斯莱建筑物上的格式化装饰性艺术设计也可能在一张有荷叶边的廓形中。看看以往T型台上的高级女装，大都带有强烈的建筑风格，面料的褶皱和层叠处理，锯齿大波浪的色彩分布都是明显的建筑风貌。
    格罗皮乌斯与夏奈尔
    被称为“现代建筑之父”的沃尔特·格罗皮乌斯是包豪斯学院的创始人，在德语里“包豪斯”(Bauhaus)的意思是房屋建筑。在格罗皮乌斯的建筑里面，我们再也看不到繁复的哥特式和维多利亚式建筑中华丽的尖塔、廊柱、窗洞和拱顶，因为这样的建筑无法适应工业化的批量生产。为此他提出了崭新的设计要求：既是艺术的又是科学的，既是设计的又是实用的，同时还能够在工厂的流水线上大批量生产制造。17世纪，亨利·沃敦曾写过这样一句话：“一个良好的建筑物应具备3个条件——实用、结实和美观。”格罗皮乌斯的建筑作品完全符合这一尺度，与19世纪那些黑暗、笨拙的建筑相比，他的建筑风格简洁、明快，通风良好，并有足够的空间，所以常有人认为他做建筑的目的比建筑的形状和样式更为重要。
    格罗皮乌斯设计的包豪斯校舍被誉为现代建筑设计史上的里程碑。这座包括教室、礼堂、饭堂、车间等的现代建筑具有非常合理的使用功用，一间间房屋面向走廊，走廊面向阳光，用玻璃环绕。整个建筑呈现为普通的四方形，令世人看到了20世纪建筑直线条的明朗和新材料的庄重。特别是建筑的外层面，不用墙体而用玻璃，这一创举为后来的现代建筑广泛采用。格罗皮乌斯提倡的新建筑美学，力求建筑形体和内部功能的配合，灵活均衡的非对称构图、简洁的处理手法和纯净的体型，并在建筑艺术中吸取视觉艺术的新成果。这种建筑思想在上世纪30年代从西欧向世界迅速传播，对各国的建筑设计产生了深刻影响。1931年落成的纽约帝国大厦，仅用四方的金属框架结构便支撑起一座102层的摩天大楼，就是格罗皮乌斯所倡导的现代建筑理念的典型作品。今天，格罗皮乌斯“里程碑”式样的楼宇在世界各地随处可见，它们矗立在我们这一代人的生活视野中，证明着一种富有预见的思想。
    如果说格罗皮乌斯的建筑设计相对于欧洲传统建筑设计来说是在做减法的话，那么在同时代时装界的一位女性也在做着类似的创举，这就是夏奈尔时装的创始人加布里埃尔·夏奈尔。她喜欢说“永远做减法，从来不做加法”，所以她解放了服装设计，去掉了服装中虚伪的装饰和束缚，同时让服装越来越实际，越来越充满个性。夏奈尔的设计就如同她本人一样不羁流俗，这一点也许与格罗皮乌斯先生有异曲同工之处。她的服装如同格罗皮乌斯的建筑一样线条流畅，简单明快，同时又有很强的实用功能。
    上世纪20年代，夏奈尔于服装界的地位相当于画坛中的毕加索。她引导着一种截然不同的简单品味，宛如新时代的化身：经济独立，恋爱自由。她创造了一系列现代女性的生活方式，短发，晒黑的皮肤，身披男人的毛衫或休闲西服招摇过市。评论家甚至说：“女性已完全消失了，剩下的全是夏奈尔创造出来的男性。”夏奈尔的穿着哲学就是功能与舒适，她把上世纪20年代的女性装扮成小男孩的面貌：紧身、高领、短裙、短卷发，完全抛弃了以往妇女束腰、鲸骨裙箍与长发的传统形象。肩背式皮包与针织面料套装的使用，无疑使女人更为自由。
    女性社会角色的变化产生了新的服装需求，而夏奈尔又将这种革命引入到时装领域。战后，原料短缺使得衣服由长变短，而金属短缺也使紧身胸衣及装饰性花边销声匿迹。新的窄裙应时兴起，而服装则全改成适合战时工作的样式。夏奈尔她敏感地抓住这一社会变化，以黑色和米黄色为基调，设计出朴素却时髦的机能性很强的管子状女装，成为夏奈尔时装的经典作品。她将装饰的扣子和口袋实用化，并首创在简洁朴素的短套装上装饰假宝石饰物，把原来象征身份地位的饰品变为纯粹的装饰物。后来“夏奈尔套装”改用粗纺花呢做面料，色彩变得明快，显得年轻而有生气，但基本型仍与战前一样。夏奈尔常说“我只有一种样式”，但她的样式却具有惊人的生命力，经久不衰，这是一种与现代生活非常合拍的、结构简练、实用性很强的20世纪的代表作。
    综合上述种种，我们可以得出结论，建筑设计与时装设计其实是相通的，设计作品是设计者内心世界的展示，他们通过建筑、服装这样不同的载体在传达独特的精神世界。而服装与建筑的完美联姻，将如历史所证明的那样，必将把我们的世界装点得更加多姿多彩。   

西方建筑艺术与服装设计的关系
                     ——哥特式建筑对服装设计的影响
内容摘要：简介欧洲哥特式建筑艺术的特点，分析哥特式建筑艺术对过去以及现代服装设计的影响，指出在服装史上的重要性。从而提高自己对哥特式建筑艺术的鉴赏能力，加深对服装内涵的理解。
关键词：哥特式建筑 服装设计 造型  装饰
任何一个事物都不是独立存在的，各个方面无时不刻的相互联系着。同样服装设计也受方方面面的影响，从而不断的被创新，被升华，以满足现代人的需要。欧洲的哥特建筑风格深深地影响了中世纪服装的服饰审美及服饰创造，以至于现代的服饰设计中仍然存在着这种风格，并且再次掀起了服装上的大改革，并被现代人所接受！
公元12世纪以来，由于建筑技术的精进，造就了大量哥特式教堂的诞生，其中最著名的就属巴黎的圣母院，城市已成为各个封建王国的政治、宗教、经济和文化中心，哥特式艺术风格成为封建社会大发展的产物。而哥特式建筑流行于此时，同时深深影响着这个时期的服装，当然，哥特式风格也不仅止于建筑，诸如雕刻、装饰品和彩缯图稿等等，都深受影响，服装与这些哥特式风格息息相关，深深的被影响着。
中世纪，欧洲哥特式建筑特点深深影响了这一时期的服装设计，包括服装的外轮廓造型、细节设计、服装配饰等都受到哥特建筑的影响。人们对中世纪建筑等艺术样式的贬称有“野蛮之意” ① 。哥特式建筑最显著的特点就是尖。尖塔高耸、尖形拱门、大窗户及绘有圣经故事的花窗玻璃。在设计中利用尖肋拱顶、飞扶壁、修长的束柱，营造出轻盈修长的飞天感。以及新的框架结构以增加支撑顶部的力量，使整个建筑以直升线条、雄伟的外观和教堂内空阔空间，再结合镶着彩色玻璃的长窗，使教堂内产生一种浓厚的宗教气氛。哥特建筑之所以有这么显著的特点是因为：当时宗教盛行，人们在精神上都寄托于宗教，人们受宗教的影响比较深；其次是由于自然原因，欧洲积雪相对较多，这样建筑成尖形容易积雪融化后流水，从而使建筑不容易被压坏。因为如此哥特建筑才不断的发展。
这一时期的艺术创作从12世纪中到16世纪初一直绵延不断。在服装产业方面。城市建筑的发展带动着西欧服饰进入了一个新的时代。衣服和材料复杂化了，妇女也开始参与服装业有关的各种行业。分工细了起来，出现了花边装饰、发饰制作、裁剪和成衣、毛皮缝纫、皮带扣和饰针制作、染色业、鞋类加工和手套制作等专业部门。服饰也开始趋向更为复杂和精细。
总体上来说，哥特风格在男女服饰的整体轮廓上，在衣服的袖子上，以及鞋子的造型上、帽子的款式上等都充分呈现出锐角三角形的形态。受建筑风格的影响，哥特服装风格出现了又高又尖的冠戴、尖头的鞋、衣襟下端呈尖形和锯齿等锐角的感觉。而织物或服装表现出来的富于光泽和鲜明的色调是与哥特式教堂内彩色玻璃的效果一脉相通的。这一时期对于服装上最大的影响就是十三世纪受哥特建筑风格的影响裁剪上出现了新突破，宽衣直线裁、平面裁，使用了“省”的制衣原理，构成了以前不曾有过的侧面，出现了近代三维空间、窄衣型。人体曲线呈现被呈现出来，促使人们不断的追求美观。这也是服装古今、东西的交叉点。这对于现代高级服装的设计与制作产生了很重要的影响！
哥特时期的女装最显著的特点：科特：紧身外衣，男女长衫、圆领、收紧袖口，在下摆处有很多的边饰。苏尔科特：是穿在科特之外的外衣。袖子的长短变化多。领、袖、襟有用有色丝线刺绣的装饰。科塔尔迪：也是一种外衣，连衣裙式样。似乎发源于意大利。从躯干到腰部紧贴身，在前中央处或者腋下置纽扣、或是系带子。大的卷领翻到肩部，紧袖口，宽袖子。袖子的肘部垂着不同颜色的的装饰布，有时装饰布垂的很长，材料多采用呢绒、织锦、丝绸、毛皮等，宽三英寸、长五英尺。为了不使装饰布出现褶皱，日常要使用扳子夹起来保存。
     哥特式建筑的时尚对于当时的服饰产生从未有过的变化，大大提高了服饰本身的美观，不断的符合人体曲线，满足人们的要求。同样，它对于现代服饰的影响也是不可忽略的。
     1970年代中期，英国正值朋克风潮堀起，到了70年代末期，朋克风格之后，后朋克摇滚风格登场，而当时做为哥特摇滚雏形的一个重要摇滚乐团Joy Division在服装上采用大量的现代哥特风格造型。例如：带有大量蕾丝的衣服、象征浪漫的玫瑰，坟墓、吸血鬼、女巫，废墟、哥特大教堂等，这些都是哥特的符号象征。后来这些象征主义元素被多数摇滚乐队和时尚青年男女沿用至今。在80年代，哥特服饰时尚由这种音乐风格发展起来，染黑的长发、苍白的皮肤、紧身黑衣、尖皮靴和大量银饰、黑色摩托皮夹克、黑色紧身牛仔裤、黑色网眼丝袜和黑色飞行太阳镜成为哥特族的注册商标。但是这些有点消极、激进、野蛮、散发着反抗情绪的服饰并不被当时主流时尚设计师所接受。90年代，哥特音乐在传媒中渐渐失宠，但哥特文化却愈发强大，新出现的简便而且便宜的桌面出版系统和家庭录音技术协助产生了大量的哥特杂志和不同质量的小样，这使哥特文化显得活力十足。但今的电影中也存在着很多的哥特风格的象征。而哥特时尚中永远流行的就是黑色紧身牛仔裤，并且直到今天也是不容忽视的，并被社会更多的人接受。
到了今天，哥特服装风格再次盛行。这时哥特风格的服饰不仅仅限制于小作坊的高级服装订制，一些大牌的服装品牌设计师也开始关注哥特时尚。比如：Kenzo、Anna Sui、Issey Miyake等等。被冠以哥特式的时装也常常是不对称的，有时甚至也使用类似纹章的印花图案。
哥特风格逐渐演变成一种时尚、一种人生态度和一种社会风景——时尚全是黑色的、态度全是阴暗的,而风景全是模糊的，却仍人无法忘怀，或许这就是当今社会的时尚。哥特建筑对服装设计上产生了很深远的影响，是服装史上标志性的一节。
从古到今，从西方到东方，服装设计在不断的受当时环境、经济、政治等多方面的影响。从而使服装在不断的处于时尚的前沿，直到今天，我们也不可以忽视生活中的方方面面对服装的影响。而哥特式建筑对于服饰设计的影响成为服装史上不可忽视的一页。
在设计领域中,服装设计和建筑设计的相通之处最多.如果我们注意考察一下建筑和服装中的部件名称,就会发现其中有很多的联系.例如服装中的帽子和建筑相比较,建筑中有梁、柱、檐、顶、门、窗等，中国古代的帽子也有帽梁、帽柱、帽子檐、帽顶等。的解，建筑和服装在结构的某些方面有着惊人的相似。另外，两者一个“衣”、一个“住”，与人们的日常生活都紧密相关，都是人类为自身创造的特质生活条件建筑和服装对人体都起着保护作用，同时两者都必须在实现基本功能的基础上以造型和装饰来追求一种艺术上的创新发展，都被视为艺术审美的对象。设计过程中，都要充分考虑到人的审美需要和艺术规律。比如说建筑要服从环境的布局，环境的布局也要围绕建筑的需要。服装的款式、色彩也要与周围的人文和地理环境相协调；建筑和服装的装饰风格都要表现人的情趣和地域风情。正因为服装和建筑有着密切的联系，所以历史上同一时期两者的设计风格也具有同一性，在哥特式服装中我们看到高耸的锥形帽好似哥特建筑伸向高空的塔尖；巴洛克服装和建筑都在追求一种富丽和磅礴；虚幻奢华的洛可可建筑里居住的贵族无一例外地穿着矫揉造作的洛可可服装。

 利用建筑寻找服装设计灵感，似乎有点奇怪。建筑设计明显有着长久的视觉生命力，时装则是每季都在变化。然而，两者都是三维和有条理结构的。必须不断观察，全面思考。只要你开始研究建筑，就会发现许多反映素材但同时本身就是设计理念的有趣的结构、精妙的色彩设计及突出的设计特征。
     不管选择研究教堂类的历史建筑不定期是著名的现代建筑物、甚至自己的家，只要你仔细观察素材，都会有灵感。摩天楼的反光玻璃暗示可以使用有闪光质感的现代织物；海滩旧木屋上剥落的油漆可能使你想到波浪纹式样；或者，使比萨斜塔增色不少的拱廊圆柱可借用在复杂精细的袖子部分和胸衣的花边上。建筑物的透视图线条常常激发总体造型的灵感——想想古根海姆博物馆，就可能想到一件波浪形的衬衣；克里斯莱建筑物上的格式化装饰性艺术设计也可能在一张有荷叶边的廓形中。 
日哦日，二者的联系很简单：“我们住在建筑里，建筑就是我们的环境。我们每天都与建筑打交道，包括过渡空间，就像我们的衣服一样。当你出门到街上，你就进了建筑环境；街道带你进入楼宇。这是人类体验和环境的一部分。”

建筑与时装，究竟存在何种关系？在科技日益发达的策动下，建筑设计的趋势，从原来专注于外形改造的构想，逐渐转变为材料、结构以及内外空间上的突破。而时装设计领域中的建筑化探索则早在1960年代就已蔚然成型。正是基于窥见“结构”对服装设计师与建筑师的同质化影响，我们试图为服装与建筑之间提供一个相互对话的平台，以探讨正在相互重合那一部分边界，为各自领域寻求另一种可能的方向。
 1940年代，Pierre Balmain曾宣称，“衣服是一种流动的建筑”，并且相信“一件衣服中没有什么比结构更重要”。他是Christian Dior提出“New Look”时最得力的干将，看似古典、优雅的设计使我们差点忘了他竟然是在时装界进行建筑探索的第一人。此后很快出现了Balenciaga的简洁而硬朗的圆形外廓、Pierre Cardin在1967年创造出来的性别模糊的几何形裙装，以及Pacco Rabanne那援引自建筑材料的充满力量感的衣服。无一例外，他们都拥有建筑学的教育背景，却始终矢志不渝地在时装设计领域中进行关于结构、材料、廓形等方面的大胆探索。 
      与此相呼应的是，荷兰建筑大师Rem Koolhas在《S.M.L.XL》中，以服装号型的小号、中号、大号及超大号来暗喻建筑事件中的尺度与比例。在库哈斯那里，建筑与服装一样，都属于社会学研究对象，都存在着某些符号性的语言片段。“鸟巢”的设计师Herzog & de Meuron在其建筑实践中持续不断地表现出的对表层处理的关注，并毫不讳言受到服装设计中对布料运用的启发。而著名的Office dA事务所则直接表明其在韩国某总部大楼的设计中，就采用了服装设计中打省、压褶的方式来处理材料与结构，以达到内部空间与外层表皮之间相互影响的关系。
  也许这些建筑探索，都试图表明服装与建筑存在某些层面对话的可能，比如结构的变化、材料的使用、尺度的把握、外形与内部空间的处理，以及与人的关系等等。如果说建筑是被征服了的自然，那么它也同样适用于对服装的描述。所谓“人”，即是由某种遮挡物包裹着的动物，这遮挡物使他/她感到自我的神圣和不会被击败被愚弄的尊严感，它提供了某种意义上神圣的栅栏。它可以是贴近身体的、具有身份认同的衣服，也可以是与身体保持一定距离的、为人提供活动的建筑场所。建筑与服装在某些本质意义上是一样的，它们都使人不再同其他动物一般，完全与自然融为一体，而是有所区隔，带来保护与活动空间。它们都是人类文化的载体，都是身份与记忆的表述，都是梦想的物质化象征，是人的延伸。
       长期以来，时装的转瞬即逝，使其与建筑的恒久性背道而驰。然而观察近年以来的建筑实践，也许恒久性正在逐步丧失，比如日本设计师板茂（Shigeru Ban）喜欢用回收的纸管——一种传统观念中速朽的材质——在2000年汉诺威世博会上以网状结构搭建出轻如蝉蛹一般的日本馆，它的即时性避开了西方建筑对恒久性的执着追求，从而走向了轮回的可能。
       也许，时装与建筑之间存在着显而易见的差异，但正因为有差异，反而有了讨论的可能。我们希望藉由彼此相互关系，开辟另一条关于建筑、关于时装的思考路向。

服装与建筑

发布时间：2007-06-2510:50
常言道：建筑是凝固的音乐，服装是流动的建筑。在常人眼里，建筑与服装是风马牛不相及，但在一些大师级的人士那里，建筑与服装之间却具有一种非常微妙的关系。　首先，建筑与服装虽然使用材料的质地相差甚远，但它们都属造型艺术，具有很强的造型性。用雕塑方面的行话说，它们都是在三维条件下进行造型，具有很强的立体感。所不同的是，建筑上的造型，大，可以顶天立地；小，可以自成方圆。服装上的造型，大小都得依身体条件而定。但是建筑还是服装，要想造型漂亮，让人过目难忘，都要在在材质的选定上都要唯美，在体积、面积、方圆、大小等等形式因素上依照美的比例来设计。

　　其次，建筑与服装的使用功能不同，但在审美功能上却殊途同归。所不同的是，建筑的美，讲究因地制宜，讲究天人合一，美得实在、大气，让人需仰视方见。服装的美，讲究内外搭配，讲究上下得体，讲究气质风度，美得恰到好处，让人难舍难弃。但不管是建筑的美还是服装的美，都是通过各种线条组合、形式节奏、色彩变化、空间搭配等等手段来唤起人们的注意，引发联想，最终形成审美感受。

　　最后，建筑与服装给人的感官印象差别很大，但他们都是以特定的造型、式样、色彩、质地引起人们的情感反映。和绘画、雕塑、影视等再现性艺术比较，我们不指望从建筑和服饰上直接看到生活场景与故事情节，但能感觉到一种气韵的冲击，产生或崇高、或优美、或严谨、或随便、或古典、或浪漫、或雅致、或粗糙、或轻松、或压抑的感受。面对人民大会堂与游览于亭台楼阁的感觉决不会一样，穿着西服革履与一身牛仔的感觉截然不同，尽管我们说不清楚其中的原委。表现性艺术讲的是感觉，而感觉往往是不需要讲理的。这使得常人也能凭主观感受进行评判与选择。

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建筑风格对服装设计风格的影响
[摘要]：中国近现代建筑是伴随外来侵略，新功能、新材料、新技术的出现应运而生的，因与旧形式之间缺乏一个正常的交融汇合的过程，传统风格形式遇到尖锐的挑战。然而，顽强的民族审美观念却无时不在撞击人们的心房。对于一些服装设计师们从这儿得到启发，对于现代的服装风格也随着建筑的变化而变了。
[关键词]：建筑风格；服装设计；设计风格
一、现代建筑风格和现代服装风格的特征
（一）现代建筑风格特征
现代建筑是指二十世纪中叶，在西方建筑界居主导地位的一种建筑思想。这种建筑的代表人物主张：建筑师要摆脱传统建筑形式的束缚，大胆创造适应于工业化社会的条件、要求的崭新建筑。因此具有鲜明的理性主义和激进主义的色彩，又称为现代派建筑。
现代建筑思潮产生于十九世纪后期，成熟于二十世纪20年代，在50～60年代风行全世界。从60年代起有人认为现代主义建筑已经过时，有人认为现代主义建筑基本原则仍然正确，但需修正补充。70年代以来，有的文献在提到现代主义建筑时，还冠以“20年代”或“正统”字样。
（二）现代服装风格特征
　 20世纪90年代发生了很多戏剧性的变化。服装创意从街头获得的灵感不少于从下台获得的灵感，二者之间的区别变得越来越模糊。20世纪60年代和70年代风格的回归，如未来鹏克式、牛态服装、民族风格和吉拉吉风格。90年代服装最人的发展要数面料的应用。新型面料如将合成纤维加入纯棉小看上去像是皮革的材料，可将70年代风格以新的面貌体现。 一种重要的穿着方式是混合与重叠：如将开衫连衣裙与长裤混穿，采用桃色和橙色相抵触的颜色，采用天鹅绒花边、刺绣花边、闪光贴花及佩斯利图案等多重形式的装饰。主要风格元素包括漏领风雪衣、超号型战裤和单带帆布包。男装都市休闲也十要流行非正式工作装。90年代小期除非常正式的行业外，牛仔裤和针织套头衫被广泛接受。曾经只是星期五穿的服装已经延伸到其余几个工作日。
二、建筑设计与服装设计的关系
服装与建筑之所以有这样深的渊源是因为二者在各方面存在必然的联系，包括以下几个方面：首先，建筑与服装虽然使用材料的质地相差甚远，但是它们都属于造型艺术，共同具有很强的造型性。不管是建筑还是服装，要想造型漂亮,在材质的选定上都要唯美，在体积、面积、方圆、大小等等形式因素上都要依照美的比例来设计，也是一条要共同遵守的规律。其次，建筑与服装各有各的使用功能,但是在审美功能上却是一致的。都是通过各种线条组合、形式节奏、色彩变化、空间搭配等方式来唤起人们的注意，形成审美感受。最后，从效果上说，建筑与服装给人的感官印象尽管有很大差别，但是他们都具有很强的表现性，都是以特定的造型、式样、色彩、质地引起人们的情感反映。面对人民大会堂与游览于亭台楼阁的感觉决不会一样，尽管我们说不清楚他们之中到底有多少故事；穿着西服革履与一身牛仔的感觉截然不同，尽管我们不知道他们的工艺流程与裁剪方法。表现性艺术讲的是感觉，而感觉往往是不需要讲理的。这便使得没有学习过建筑和服装的人们仍然能够凭着主观感受对建筑与服装进行评判与选择。
正因为服装与建筑有着这些密切的联系，所以历史上同一时期两者的设计风格也具有同一性。在哥特式服装中我们看到各种锐角三角形好似哥特建筑伸向高空的塔尖；巴洛克服装和建筑都在追求一种夸张堆砌和富丽磅礴；虚幻奢华的洛可可建筑居住的贵族无一例外的穿着矫揉造作的洛可可服装……其实，不管选择研究教堂、宫廷、剧院、贵族府邸等历史建筑还是一般的建筑，甚至是自己的家，只要你仔细观察素材，都会有灵感。摩天楼的反光玻璃暗示可以使用有闪光质感的现代织物；海滩旧木屋上剥落的油漆可能使你想到波浪式纹样；或者使比萨斜塔增色不少的拱廊圆柱可借用在复杂精细的袖子部分和胸衣的花边上。建筑物的透视图线条常常激发总体造型灵感——想想古根海姆博物馆，就可能想到一件波浪形的衬衣，古希腊神庙柱上的装饰线常被折叠到绣花衣裙的折裥里，克里斯莱建筑物上的格式化装饰性艺术设计也可能在一张有荷叶边的廓形中。看看以往T型台上的高级女装，大都带有强烈的建筑风格，面料的褶皱和层叠处理，锯齿大波浪的色彩分布都是明显的建筑风貌。