第13章现代主义.pptx

19、20世纪之交，西方社会突飞猛进，资本主义生产实践和科学技术在诸多领域都取得了重大进展。如非欧几何学的面世，物理学相对论的提出，精神分析学说对潜意识的发掘。欧氏几何、罗氏几何、黎曼几何是三种各有区别的几何。这三种几何各自所有的命题都构成了一个严密的公理体系，各公理之间满足和谐性、完备性和独立性。因此这三种几何都是正确的。在我们这个不大不小、不远不近的空间里，也就是在我们的日常生活中，欧式几何是适用的；在宇宙空间中或原子核世界，罗氏几何更符合客观实际；在地球表面研究航海、航空等实际问题中，黎曼几何更准确一些。从罗巴切夫斯基创立的非欧几何学中，可以得出一个极为重要的、具有普遍意义的结论：逻辑上互不矛盾的一组假设都有可能提供一种几何学。社会学引进达尔文主义，进化、生存竞争等概念已融入社会思潮之中。天演论“物竞天择”、“适者生存”在微生物领域里没有发现竞争，只有互助合作！人类学、人种学的研究开辟了对非欧文化的关注。实际上是批判人类普遍精神信仰的失落！批判信仰的功利性！意识形态方面，尼采对基督教传统观念进行反思、批判，发出“上帝死了”的呼声。柏格森生命哲学的直觉主义和非理性主义。各国资本主义发展到帝国主义阶段，对海外殖民地和市场的争夺，演变成军事和贸易领域海陆空全方位的角逐，预示着一场难以避免的集团性的世界大战。社会的深刻变化影响到人们的时空观念，导致了美术领域的革命。文艺复兴传统，建立在理性和科学基础上，以数学为本，以自然和人为研究对象，强调透视学、解剖学、明暗光色关系，到现实主义、印象派的出现和摄影术的完善，已经延续了四百年左右，标志着其对再现性和客观真实性的追求发展到了终结阶段。新的美术，在进步论思潮影响下，开始挑战文艺复兴传统，反其道而行之，追求一种更具主观性、夸张性和平面性的价值，演绎出各种形形色色的“主义”。第一节 19、20世纪之交19世纪美术潮流的总体特征呈现出从文艺复兴传统向现代主义的过渡性转变，其代表性的流派和运动是后印象主义、综合主义、象征主义和新艺术。一、后印象主义19世纪末，一些曾经受到印象主义鼓舞的画家开始反对印象主义。这些画家的创作已超越了印象主义对光色关系的表现。能够与印象主义相抗衡的主要人物是塞尚、凡高和高更，他们是20世纪现代主义美术各种“主义”的源头，在以他们为代表的所谓后印象主义的美术中，可以看到对形体结构问题的回归，对表面设计、色彩内涵及装饰性的重视，对表现变形的自觉运用。因此通常认为现代主义肇始于以塞尚、高更和凡高为首的后印象主义。保罗塞尚他试图实现一种新的坚实结构，并力求对所见事物进行高度理性的综合。正是从这个意义上说，20世纪的美术通常被认为“从塞尚开始”。他成为立体主义的先驱和20世纪各种理性化抽象美术的开拓者。塞尚的绘画仍然保留了古典的形式观念。如果说文艺复兴的画家总是把一幅画中各个实体表现为单独的整体，因而总是逐个部分单独完成，仿佛它本身就是完整的，那么塞尚的不同之处就是探索各个部分之间的和谐关系。不关心人物的解剖结构、手和臂膀之间的联系，而是着眼于色调和体积的关系和以光色构图为基础的统一风格，借助冷暖色交替推移的方式构成对象。塞尚的创作历程，从客观的色彩感觉开始，经历主观的感情，最后达到自然的几何结构。1904年，他在致埃米尔贝尔纳的信中表示，他相信一切自然物在美术中都可以简化为某种基本的形状：立方体、锥体、圆柱体。这预示着立体主义的原则。对塞尚来说，最能充分实现他的理想的莫过于静物，尤其是那些由他任意摆弄的苹果。在这类静物画中，他能够只凭形、色、线自由地表达他的心理状态，创造不同视角的异质空间、实现绘画诸因素的完美和谐。塞尚只是在临终前几年才开始受到好评，并成为许多青年画家心中的偶像。人们称誉他为现代美术之父。与塞尚画中那种理智性和构筑性不同，其他后印象主义画家发展了平面的装饰性和个性强烈的表现性。最重要的画家是高更和凡高，人们通常称他们为表现主义的奠基人。凡高作品欣赏当时的手稿 我中断了描绘夜间咖啡馆外部的工作。在这家咖啡馆有喝咖啡的人,一个巨大的黄色灯将光线分散在咖啡馆,房子和人行道,另外也照到了街上的人行道上,那里有着粉紫色的色调。朝着街上的有绿色的树的尖顶屋上看可以看到蓝色的天空星星亮晶晶的挂在深蓝的或是紫色天上。你可以不用黑色来描绘夜晚而用美丽的蓝色、紫色和绿色,在那种环境里,有着发光的苍白的硫磺色和呈绿色的香木黄。晚上在外面画画使我感到非常有趣。人们经常白天画完草图晚上画水彩和油画,可我对马上画下来感到满意。高更作品欣赏1 1、平面的装饰性和、平面的装饰性和2 2、个性强烈的表现性、个性强烈的表现性第二节 第一次世界大战之前20世纪西方进入了个性化的时代，强调个性和内省反思是社会的和个人的价值判断的立足点。“反传统”成为这个世纪美术的主流。各种“主义”和“运动”就是由所谓前卫的年轻一代艺术家发动的。他们的创作更深入卷到艺术家的个人世界之中，更强烈地表现他们的个性。因此20世纪西方美术更倾向多样化，更具多变性和主观随意性。20世纪西方艺术的基本面貌可以概括为情绪表现、构成、反艺术、潜意识、模拟等类型，也可以归纳为抽象和表现这两个相对峙的倾向，或许在这两极之间还可以增添第三个倾向，即抽象表现的倾向。到第一次世界大战，这三个倾向已具雏形，这就是当时引导潮流的表现主义、立体主义和未来主义。一、表现主义表现主义旨在表达情感体验和精神价值，而不在乎记录视觉印象。20世纪头十年，在莱茵河两边形成了不同的表现主义势力范围，其中分别在世界文化之都巴黎、德国北部德累斯顿和南部的慕尼黑，其核心团体依次是野兽派、桥社和青骑士。野兽派用色鲜明强烈，笔触突出有力，对构图、题材、形体的处理带主观随意性，画面大多具有装饰性等。立体主义从1907年到1914年，立体主义运动是视觉艺术中一场最彻底的革命，它的意义在于空间处理的新观念，它实际上是主宰了20世纪美术中抽象的和非具象的绘画流派的直接源泉。与表现主义风格的浪漫特性相比较，立体主义风格可以说是古典的和形式主义的。立体主义的起因是两个年轻画家毕加索和布拉克对塞尚画中发现的某些实验加以理性的研究。巴勃罗毕加索的阿维尼翁的少女们标志着立体主义的起点。这幅杰作的主要贡献在于明确打破了传统透视这面镜子，创造了一种异质空间，使从不同视点同时观看对象成为可能。勃拉克(18821963)立体主义绘画的另一个重要代表人物是勃拉克勃拉克不像毕加索那样热情多变，而是冷静理智，他一生坚持立体主义手法，色调沉着朴素，构图深思熟虑，画中常有诗意般的象征点缀。水罐与小提琴未来主义是20世纪之初唯一发生在巴黎之外的现代主义文艺思潮。当时除文艺的各门类分别发表声明与宣言外，还扩展到政治领域，其声势浩大远远超过了表现主义和立体主义，可以说是意大利自文艺复兴之后再次出现的引起世界瞩目的文艺现象。4未来主义未来主义的创始人是诗人马利奈蒂，1909年他发表未来派的创立和宣言，讴歌战争和军国主义，讴歌现代工业所展现的速度和能量，提倡无政府主义，提倡杀生和破坏，叫嚷要烧掉一切图书馆和博物馆，扫荡从古罗马以来的一切文化遗产，以绝对而彻底的方式否定过去。他们认为快速汽车比古希腊雕像更美。他们一致认为重要的是去描绘现代都市生活，描绘钢铁、速度和猛烈运动的东西，认为“正在奔跑的马腿不是4条而是20条”等。1914年由于第一次世界大战爆发，活动停止，画派自行解散。代表画家主要有巴拉、卡拉、波丘尼、塞维里尼、杜尚等。巴拉作品20世纪初的1916年，发生于瑞士而流行于欧美的现代主义艺术运动达达主义，“是对人的精神面貌、社会体制状态的大胆挑战”。它产生的时代正值第一次世界大战的动乱之中，达达主义就是因人们对这场战争和社会的悲惨景况充满愤懑而兴起的。5达达主义当时瑞士是中立国，许多从战争中逃出的艺术家纷纷聚集在这里，相会于苏黎士的“伏尔泰”酒店。他们对战争十分厌倦，对世界动乱感到憎恨，于是在1916年2月的一天，由诗人查腊、画家休森贝克和阿尔普倡议成立了一个艺术群体，并用一把餐刀随意向一本德法辞典扎去，刀尖指向处正好是dada一词，于是得名。同年4月他们正式发表达达公报，强调其宗旨是反传统、反理性、反审美、反道德，甚至反当时处于先锋地位的立体主义和未来主义。他们认为艺术与艺术品无关，任何现成品都可成为艺术品，从而将一切关于文化艺术的传统彻底否定。战争结束后流亡的达达艺术家各奔东西，也将达达主义带到世界各地，纽约的达达、柏林的达达、巴黎的达达等活动频繁，并于1922年在巴黎举行了国际性的达达主义展览。其后达达主义由50年代后的现代流派废品艺术、集合艺术、波普艺术所代表的“新达达”所取代。达达主义的主要艺术家有皮卡比亚、休森贝克、杜尚等。杜尚(18871968)将达达主义宗旨发挥得淋漓尽致的是法国画家杜尚。这位1915年以后大部分时间在纽约度过的达达派主要人物，早年曾当过图书管理员，后人美术学院学习，尝试过各种流派。1911年画风大变，画出一系列奇特而无用的机器，如咖啡研磨机等。1912年创作了著名的下楼梯的裸女，引起社会的争议和关注。1917年杜尚创造出叫人惊异的“现成品”，将一个白瓷小便池送去展览，命名为泉。接着又将自行车轮、铁丝笼、凳子、铁锹等日常用器组合成一系列作品，他在名画蒙娜丽萨印刷品上涂抹两撇胡须，制成LHOOQ。这些怪异而荒谬的作品使他声名狼藉，也使他名声大振。40年代末他常用石膏和皮革制作仿真物品，一反往日反对具象的达达主义艺术实践。杜尚在逝世前的20年里过着半隐居的生活，极其保密地创作了一幅巨型遗作假设：1瀑布；2煤油灯，现存美国费城美术馆。人们透过一个木门的小孔，可见到一个手举煤油灯躺着的女人体，以及远处的山峦和瀑布，给人以窥视的神秘之感。1911年杜尚处于激烈的探索时期，这时在毕加索和勃拉克立体主义的影响下曾画出了下楼梯的裸女，第一号，画面由若干个形体重叠复合而成，人物外形与楼梯都较容易辨认，因此在参加立体派展览时受到抵制。其实此画已远远超离了立体主义的原则，次年创作的下楼梯的裸女，第二号有了更进一步的表现。从画面上可以大约见到五个人体，她们从画幅的左上方下来，朝右下角转身而去，其运动中移动的躯干、臀，伸曲的腿，摆动的臂，构成一串由几何面穿插、叠印的轨迹。与此同时，运动的感觉由松散、尖锐、细窄的重复块面及偶然突出的白色和有节奏变化的浅棕色调得到加强。立体主义将现实物体解体后，重新依据画家的主观认识进行组合，其目的在于把认识当作物体来描绘，而杜尚在这里要表现的是运动，是动能因素的形象化。正如杜尚自己解释的：“它(指这幅画)是动能因素的组成体，是时间和空间通过抽象的运动反映的一种表现。当我考虑形的运动在一定时间内通过空间的时候，我们就走进了几何学和数学的领域，正如我们为了那个目的制造一个机器时所做的那样。”所以在杜尚的这张著名的画中，已经包含着未来主义画家们所需探索的东西，乃至后期达达主义与超现实主义追求的动作、情绪与个性。二、两次大战间的作家与作品鉴赏 第一次世界大战于1918年结束，无论作为战胜国，还是战败国均留下了极为悲惨的伤痕。整个欧洲呈现一片衰败景象。战后物质生活也十分困乏，人民生活非常困苦。因此社会中厌世、反战、悲观、失望酌情绪十分普遍和十分强烈。在这种背景下，不但产生了要否定一切的达达主义，也产生出追求以梦幻来解脱人生的超现实主义和逃避现实、回避具象的抽象主义，以及一批不依属于任何画派且艺术风格各异的独特的画家群，人们称之为巴黎画派。比达达主义产生约晚的超现实主义，与达达主义同样并非是美学样式的革新，它是产生于法国而后影响到整个欧美的现代主义艺术运动，它是不仅在绘画领域，也波及到小说、电影、戏剧、诗歌等各个方面的从理论到创作的现代文艺思潮。1超现实主义20年代初由于人们对达达主义的艺术表现失去兴趣与达达主义的分裂，不少艺术家转向弗洛依德的精神分析学说，他们对潜意识的执拗思维把毫不相干的事物硬凑在一起的方式感兴趣；对下意识的随意浮想没有任何逻辑联系和理性约束的创作方法推崇备至，于是形成了超现实主义艺术思潮。1924年由医生兼诗人的布勒东起草发表了超现实主义第一宣言，1925年画家阿尔普、恩斯特等人举办超现实主义画展，1926年成立超现实主义画廊，1929年又发表了第二宣言，1930年发表了第三宣言，1938年在巴黎举办了国际超现实主义大型画展，随着第二次世界大战的爆发其艺术活动停止。超现实主义明确强调受理性控制和受逻辑支配的现实是不真实的，只有梦幻与现实合一才是绝对的真实。艺术就是要力图把生、死、梦，现实、过去、未来结合在一起，统一起来，于是艺术作品必然展现出神秘、恐怖、荒诞、怪异等特点。超现实主义的重要画家有达利、恩斯特、马格丽特、米罗、克利、唐吉、马森等。达利(19041986)在超现实主义绘画运动中最积极、最有影响力的是西班牙著名画家达利。这位活跃于绘画、文学、电影、珠宝、工艺设计多方面的超现实主义重要人物。三、第二次大战后的作家与作品鉴赏 20世纪的前期经历了两次世界大战，主要战场在欧洲。连续的战争对蓬勃兴起的现代主义美术有所影响，但艺术运动与艺术思潮并没有因此暂停或中止，有的反而促成某种程度的兴旺。发生在意大利的未来主义，虽然希特勒曾指责它为颓废美术并下令驱逐，但未来主义在宣传法西斯、宣传战争的行为中还是有所发展。而流行欧美的达达主义和超现实主义则是广大人民和艺术家反战情绪下迅速发展的艺术产物。欧洲以外的美国在20世纪初已出现著名的“军械库画展”来介绍欧洲最前卫的现代派绘画。以罗伯特亨利等八位画家组成的最早的现代美术运动的团体“八人画派”所开创的美国现代艺术已经起步。1922年前苏联公开批判现代主义美术，于是使大批欧洲与苏俄的现代派艺术家纷纷逃亡美国。加上30年代美国经济复苏后罗斯福总统推行“联邦艺术计划”，更使现代主义艺术尤其是年轻的现代派艺术家们有了成长、壮大、自由发展的良好环境。这就使第二次大战以后世界现代主义美术的中心从法国巴黎转向美国纽约成为必然。第二次世界大战后以美国纽约为中心而展开的种种现代主义美术活动，通常称为现代美术的后期。这个时期的现代派主要有抽象表现主义、极少主义、构成主义、波普艺术、欧普艺术、照相写实主义、概念艺术、活动艺术、大地艺术等，以至后现代主义文化现象。抽象表现主义是50年代第一个出现于美国的重要现代主义绘画流派和艺术思潮，它没有像一般流派那样有明确而统一的风格，也没有群体组织与纲领，而只是一些表现方法各异的画家，他们中的大多数对纯几何抽象的绘画有着共同的逆反发展，即形式上追求抽象，而内涵追求表现的一种个人风格的集合，但画面表现又是那样地不同。1抽象表现主义“抽象表现主义”一词起源于1919年康定斯基的文章里，1946年评论家科茨再用于评论波洛克等人绘画的文章中。从50年代开始，美国举办一系列这类画家的作品展览，并以“新美国绘画”为名在欧洲巡回展出，不久这种绘画格局几乎统辖了整个美国绘画界。如果说这种绘画有着某些共同特征的话，那可能是他们大多反对以往绘画的完整性与技巧性，反对所谓的“形象”和“形式”，推崇即兴式的创作与技巧的自由发挥。从属这个流派的画家可分两类，一类是强调画笔的不同动作、力感、动势，以及颜料的质感，有人称其为“行动绘画”，代表画家有戈尔基、波洛克、德库宁等；另一类以大片的色面、色块以及抽象符号去追求某种纯净、宁静与安详，被称为“非绘画性抽象”或“色域绘画”乃至“极少艺术”等，代表画家有罗斯科、纽曼、路易斯等。戈尔基肝就是公鸡的冠子波洛克作品熏衣草之雾德库宁正当抽象表现主义在美国风行之时，有人提出抽象表现主义完全依赖画布和颜色的革新既是前进的，又是退缩的，因为它逾越传统纯绘画的程度不够。3波普艺术于是一部分艺术家从达达主义那里得到启示：生活就是艺术，生活中的实物也是艺术。他们开始进行大胆的材料实验，采用画面与实物拼接的方法，或者干脆用实物集合的办法达到打破艺术之间各门类、艺术与生活之间的界限，以此替代活力耗尽的抽象表现主义，这便是波普艺术的产生。1960年前后美国开始盛行波普艺术，不久英国与欧洲也流行开来。波普(Pop)一词含通俗、大众、流行之意，这是由英国艺术评论家阿劳威提出的，他在给利用大众影像为内容的美术命名时所作的一个统称，后来被评论界所接受而广泛采用。60年代初期，先在伦敦后在纽约相继举行了大型的波普美展，很快受到观众欢迎。波普美术最早的作品可能要数英国艺术家汉密尔顿的照片拼贴画是什么使我们今天的家如此不同，如此吸引人，画中现代公寓内，一个傲慢的裸女和一个作健美姿态的男子正看着画外，男子手握上面印有Pop的网球拍。波普艺术的表现手法多种多样，但其表现的对象基本可分两类，一类是以日常生活用具为对象，一类是对画报、连环画、影星和名人照片进行复制，广泛展出与散发。所以波普艺术具有普及、低廉、浮华、短暂、大量生产、很快流行等特点。60年代末期它成为世界上最普及和最重要的现代艺术流派。波普艺术最具代表的画家有：劳申柏、贾约翰斯、沃霍尔、利希滕斯坦等。劳申柏(1925)这位美国波普艺术的代表人物，也是集合艺术与废品艺术的创始人。他出生于德克萨斯州，40年代末先在巴黎学画，后人美国抽象派画家艾斯伯画室，并结识了现代派音乐家、美学理论家凯奇，凯奇给了他深刻的影响和教诲。50年代初曾去非洲和意大利旅行，1955年制作展出的著名组合绘画床引起观众强烈反映。60年代后期和70年代，劳申柏和其他波普艺术家一样，涉足于音乐、舞蹈、演出等广泛的活动领域。他的代表作品有白色绘画、黑色绘画、组字画、财产、弗拉德奇谈、白霜系列、旗帜系列等。劳申柏的艺术表现显然不同于其他画家。当1955年他以真正的被子与枕头再向上泼洒些颜色，并命名为床而送交展出时，的确引起美国观众的一片惊异和骚动。尽管美国人早就知道杜尚用现成品制作了作品泉，却仍然难以接受。对于劳申柏来说，他是在现代主义者凯奇的“噪音也是音乐”的理论指导下，不仅对实物，也对城市的废弃物垃圾发生了兴趣。他把这些遗弃的不具备任何审美特征的东西拼凑起来，使它脱离废品的属性而被赋予新的含义，于是他便开辟了“集合艺术”与“废品艺术”的先河。从50年代中期起，他的作品基本上就是由垃圾和废品装配而成。组字画整个作品由一只废弃的羊的标本、一只用旧的汽车轮胎、一个由绘画和图片拼贴而成的底盘构成。公羊身上套着轮胎，站在底盘的中央；底盘上拼贴的图片旁，用粗粗的、自由涂抹的颜色，将整个作品加以统一和协调，仅此而已，这件作品就完成了。据说这件作品带有自传性质，因为劳申柏童年时，他父亲弄死一只羊，为此他悲痛万分，念念不忘。另外，该作品一直引起评论家的兴趣，其主要原因并不是画家孩提时的记忆，而是其中隐含的内容意义。评论家认为：山羊在西方是淫荡之神萨堤儿的象征，与轮胎套在一起有暗示含有同性恋的意思。标题称“组字画”，实际上早已跨出了传统的平面绘画的内涵。沃霍尔(19281987)深受美国大众喜爱的波普艺术的另一位代表人物是沃霍尔，他的活动范围远远超出常规的绘画，曾拍过电影，导演过娱乐节目。他出生于宾夕法尼亚州，曾在艺术学院学习过。1952年去纽约以设计商业广告为生，同时开始以日常物品如面包、菜单、报纸、可口可乐等为对象进行创作，也作一些人们日常崇拜与熟悉的人物绘画。这种绘画常是以放大照片的形式，用丝网版工艺重复印制在画布上，形象通俗和重复到令人生厌的地步，这便是他非美学化的追求。1962年举办个展引起轰动。不久他转入电影制片工作，用千篇一律的重复原则拍摄一些试验性影片。例如拍摄一个人睡觉，从头至尾6个多小时别无其他。70年代继续画具有大众口味的肖像，其题材和范围有所扩大。他的绘画代表作品有200个甘贝尔莱汤罐头、绿色的可口可乐瓶、电椅、9个杰基、玛丽琳梦露、简方达、杜鲁门卡波特等。玛丽琳梦露玛丽琳梦露称得上是沃霍尔的代表性作品。1962年沃霍尔抓住了玛丽琳梦露因自杀而引起美国舆论轰动和广大人民关切的时机，创作了一系列这位美国人最崇拜的演员、金发女郎梦露的肖像画。他首先将人们最常见的梦露的照片转化为丝网印版，再以它为单元用不同的色调反复印制在画布上。由于形象多次复印，重复出现，因此画面转变成为印刷制品，很少带有作者情感而变得冷漠超然。这幅画恰恰由于这种工业制品的冷漠感，而使画面具有明显的哀悼性和葬礼性。自从1962年他创作了玛丽琳梦露双联画后，还创作了金色的玛丽琳梦露等以梦露肖像为系列的组画。他的其他肖像画全是用丝网印刷工艺的方法完成，以这种工业制品的方法去追求一种对主题的疏淡和形式上的通俗空泛，显然是为了制造出一种大众文化的品味。利希滕斯坦克洛斯(1940)克洛斯出生于华盛顿，早年在华盛顿大学和耶鲁大学学习艺术与建筑。从60年代末期开始在美国和德国法兰克福举办个人画展，展出照相写实主义的人物肖像和自画像。幅面巨大，用喷绘法，画面处理细腻，没有笔触，人物多正面头像，如自画像、约翰像、苏珊像、纳特像等。70年代中期开始采用色纸拼贴的方法创作肖像，幅面较之早期略小。之后又探索一种用手指印痕的轻重、重叠所产生的明暗与色彩变化去描绘人物肖像，这种“指印画”与早期的无笔触的喷绘同样具有一种冷漠感。他说：“我的主要目的是把摄影信息翻译成为绘画信息。”4照相写实主义宽2.5米，高3.3米克洛斯(1940 )汉森(1925)这位美国照相写实主义雕塑家生于明尼苏达州，曾在美术学院学习并获艺术硕士学位。1953年至1961年在德国从教时了解到一种聚酯和玻璃纤维的新型雕塑材料，回国后用于雕塑创作中。70年代初在美国和德国举办个展。他的照相写实主义雕塑常是着衣人物，与真人等大，毛发和肤色逼真，并配有与人物有关的实物。他的雕塑大致可分两类，一是有关社会问题，如反暴力、反战、失业、贫穷和表现孤独老人等；一是反映日常生活所见，如旅游者、购物主妇、休息的工人等。他的主要作品有：战争、流产、女人和购物车、正在看书的妇女、旅游者、骑摩托车的人等。汉森(1925 )5欧普艺术美国“概念艺术”祖师约瑟夫科苏斯的作品一把和三把椅子 大地艺术克里斯托(1935 )奔跑的栅栏 大地艺术是介于绘画与雕塑、建筑与自然、工程与艺术之间的一种形式，它在作品的创造与接受、鉴赏与保存上是全新的概念。奔跑的栅栏是克里斯托1972年至1976年完成的，我们见到的只是该“工程”的照片。这件通常被人们称为“长墙”的作品，是由一条长38公里、宽近5米的白布带，挂在由钢索铁棍搭起来的支架上，筑构在加利福利亚的索诺马郡与托马里郡之间的原野上。它穿过许多牧场和村庄，沿着公路蜿蜒伸展，一直到旧金山以北的波迪迦湾，最后消失于太平洋的海水中。这个巨大的筑构工程，请了大批工人参加，动用了176400平方米的布匹，耗资高达200万美元。由于它建造在远离城市的山野，直接参观的人数寥寥无几，所以必须通过照片、报刊、电视间接传播给观众。又由于它太大，所以任何收藏家和博物馆均不可能收藏，同时又涉及到环境、交通、经济等问题，因此建造仅两星期后便拆除了。克里斯托的大地艺术突破了艺术与非艺术、艺术家与非艺术家的界限。虽然他的作品给人一种视觉感受，甚至给人以博大、宏伟、豪迈的视觉冲击，但如此耗资耗力而后永远消失，实在是接近荒谬。