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浅析绘画创作中节奏的运用

　　摘要：艺术的本质就是表现生命，绘画创作的境界状态与画面中节奏的运用有着密不可分的联系。文章主要论述节奏在绘画创作中是如何产生、发展，以及利用它特有的视觉功能在绘画创作中通过各种绘画手段加以表现，并作用于绘画创作，凝聚成美感。
　　关键词：绘画 节奏 生命 色彩 情感
　　苏珊·朗格认为：“每一位艺术家都能在优秀的艺术品中看见生命的活力和生机。”①作为一位画家，其首要任务就是赋予他的绘画作品以生命，而节奏就是生命形式所应具有的基本特征之一。所谓节奏，最广义的解释就是运动的节律，它是人的生命、艺术生命和客观世界诸事万物运动的重要属性，是一种合规律的周期性变化的运动形式，节奏运动是一种客观的物理现象，与这种客观的物理现象相对应的就是在人的心理上产生的内在的“节奏感”。朱光潜先生说：“节奏是主观与客观的统一，也是心理与生理的统一，它是内心生活(思想和情感)的传达媒介。”朗格认为，“节奏的本质并不在于它的周期性，而在于连续进行的事件所具有的机能性”，②是一种经历了开头和结尾的变化过程。所以，“节奏的本质就是紧随着前一事件完成的后事件的准备。”③朗格的这些见解，为静态艺术中确实存在的节奏现象作了理论准备，也为如何在绘画创作中对节奏的理解与培养提供了理论依据。
　　那么，绘画中的节奏是如何产生的呢？美术家李华在《美术创作规律二十讲》中提到：“一件作品的最终节奏是这两种契机充满矛盾斗争的统一的结果。”④他认为在同一画面上，同时存在或反复出现多种性质的形象的或非形象的要素时，就会产生一对或多对矛盾，这些矛盾就造成了各种节奏。节奏是绘画语言的元素之一，是画家在进行艺术创作的过程中，在各种艺术手法的表达中，进行有序的、有变化的强弱处理时产生的手段。在绘画作品中，透视的远近、色彩的冷暖，点的聚集、线的长短、面的转折，以及画面的虚实等等都构成了画面视觉上的节奏。然而节奏又是语言的升华和表达情感的手段，节奏的活泼、婉转、庄重、悲伤使人们在艺术作品中受到情操的熏陶，凝聚成美感。同时，节奏通过对某一特定视觉主体和主体关系的处理，创造成一种自足的视觉语态。因此，节奏又是对状态的表达形成个性的描述。
　　节奏在绘画中的作用是不可忽视的，运用好节奏能给绘画创作带来无限乐趣，使画面生机勃勃，充满美感和强烈的艺术感染力。席勒在戏剧创作中对节奏的诠释同样也适用于绘画创作。第一，“节奏的职能是指相互结合的内容上异质的东西同质化”，绘画创作中所有运用的元素之间的对比都可以用节奏的变化规律来处理。第二，“节奏的意义在于选择重要的东西而排除次要的细节”，在绘画创作中就应该做到主次明确、虚实得体。第三，“节奏能为整个具体作品创造一个统一的审美气氛”，⑤绘画创作中对整体气氛的渲染是十分讲究的，局部必须服从整体。总之，节奏的变化规律关系到绘画创作全局的处理法则，必须恰到好处地运用节奏使其适应于我们的绘画创作。绘画特点和精神是由个性化语言来诠释的。然而节奏的个性是作为创作行为的准备动力而起作用的，是创作过程的重要因素，在节奏的观照中强调特点，突出个性构建个性绘画语境的特征。可见，个性化创作与画家表现的节奏是紧密相连的，绘画形成了画家的心理气质、情绪状态、造型意识及形式观念。
　　宗白华说：“一切艺术都是趋向音乐，而华堂弦响与明月萧声其韵调自别。”⑥节奏在画面中的表现与运用绝对不只是形态的问题，它存在于画面构成中的全部元素。作为绘画特定语言符号体系之一的点、线、面，具有独特的审美要求，它讲求韵味，讲究象征意义，绘画创作中的点、线、面概念是视觉形式的最基本的元素，它们是独立但又存在于物质的实际和艺术家对于它的探索之间，在创作中呈现的任何轨迹都是一种力度的表现，呈现对物质的高度概括的形式。我们可以这样看待点、线、面：“点”是力的聚集，“线”是力的运动，“面”是力的扩张，这种力的聚集、运动、扩张形成了一个完整的节奏形式。⑦同时节奏形式又使点、线、面变化，形成变化无穷的画面结构形式。在构建画面中，点具有相对的稳定性，线则更富有运动感，而面则明显地呈现出一种缓慢的渗透感。这些相对静止的、缓慢或快速的运动节奏感，如同音乐上的休止符、二分之一拍、八分之一拍的节奏规律，暗示着画面强烈的音乐含义。绘画中点、线、面的节奏感、韵律感既表达了自然界的规律，也表达出了人的情感依托。早在5世纪，谢赫就提出了“纵横逸笔，力遒韵雅”“一点一拂，动笔皆奇”。⑧这种独特的审美趣味又与书法用笔和韵味有着内在的联系。汉字能从普通的书写符号上升为书法艺术，主要是源于其线条的独特魅力，书法通过线条运用的轻重缓急、粗细疏密和干湿浓淡的变化来体现线条的雕刻感、金石感，要如“折钗股”那样饱含力度，要像“屋子漏痕”沉着稳重，像“吴带当风”飘逸潇洒，王原祁的“金刚杵”，传统的十八描等等，这种功能形态，都在整个艺术体系中占有不可忽视的地位。书画同源，传统绘画的线条，千变万化，无穷无尽，它可以表现物体的造型，用线条来界定物象的形态特征。它可以表现物象的质感与肌理，例如，高古游丝描与铁线描有不同质感的表现；斧劈皴、雨点皴，有不同的肌理感受，也可以表现量感，通过线条勾勒的运动和结构方式不同张力，充分表现不同物象的量感。可以表现空间感，通过线的虚实、强弱的布置和浓淡干湿的走向来显示物象的空间存在。可以通过穿梭、重叠、藏露表现层次，可以通过线的快慢迟速、点的聚集、面的扩张、转折顿挫表现物象的节奏和韵律，可以通过组织的疏密关系来表现黑白色阶的感觉等等。它们既然是人们认识的结果，必然与感情因素有着自然相通的渠道。因此，对于中国画家来说，线条的节奏变化更能表达对象的本质，而这种节奏与画家的情趣契合相通，体现了传情达意的主观表现功能，从而形成了绘画创作中的艺术风格。画面上线条的形状，直接体现着作者的种种感觉，英国着名画家兼美学家威廉·荷加斯认为“波状线条比任何线条都能创造美”，并称之为“美的线条”，它给想象以自由，从而使眼睛看得舒服，而且说明其中所包括的空间的容量和多样。⑨粗线显刚，曲线见柔，折转表示锐利，波弯显示绵软，不同的组合、疏密走向，会产生动静、悲喜等各种不同的感觉。对于运用线条来表达画面的明暗，西方艺术家H·里德有自己独到的见解。他认为，线条的节奏与变幻无常的阳光投射在外物上所产生的偶然效果相比，更具有本质意义。中国艺术家偏爱线条的真正目的是为了获取某种自然而稳定的艺术效果。⑩
　　而色彩作为绘画创作的又一创作手法，它的节奏感在画面中的运用更是变幻莫测。对于绘画来说，只有色彩才是绘画的。西方绘画所注重的是对象的色彩关系和由色彩所产生的明暗关系，关注其光源色、环境色的相互作用。正如塞尚所说：“绘画是一种光学。这门艺术的内容，基本上是存在于我们眼睛的思维里。”绘画创作建立在模仿自然、接近真实的认识上，力求表现出自然真实的光、影、色，而这些现象的表达离不开对色彩节奏的理解与运用。色彩的魅力在于它一方面能和人的情感相对应，例如，红色使人兴奋，绿色使人宁静而有生气，蓝色使人有深层感，紫色使人冷峭等等。另一方面色彩在明度、纯度、形状、色相的面积等因素的变化上也
　　能体现某种秩序感，从而使画面充满节奏感。在绘画创作中为了追求强烈的节奏感，可以将色平面按强、弱、中加以任意排序组合，利用不同的变化形式，或渐变，或反复，或自由铺设来满足画面的需要，削弱或加强画面的视觉效果，调节画面的节奏，让色彩的节奏在画面中得到充分的表达，产生多种感觉对比，从而形成富有生机的节奏感。正是对绘画色彩的这种理解，西方人自然要排除绘画的情节性而追求音乐性。色调的运动感包括由纯净色彩与其补色并置而产生的颤动感，以及由色彩的进退、冷暖在画面中形成的节奏和韵律。
　　绘画创作在表达客观现实中能够给予的视觉美，在于它和音乐一样，在形式上存在着节奏和韵律，即线条和色彩这两大绘画创作手法所显示出的节奏感和旋律感。画家在进行绘画创作时都是依照自我的情感和愿望去表达客观事物的。追求自身的艺术语言，是一切真正艺术所应具备的基本性质，离开了它，艺术就丧失了意义。节奏是客观世界万物生存运动变化发展的一种普遍规律，普遍存在于绘画中，它从“自在之物”变成“自为之物”，被艺术家有意识地控制与创造。节奏在绘画创作中是画家心性的自然流露，一件成功绘画作品的问世在于画家善于调节画面的节奏，利用线条和色彩的自由铺设而作用于画面，使其富有生命的意义。从而进入绘画创作的“自由王国”，表达自己对美的一种认识与追求。
　　注释：
　　①②③《艺术问题》苏珊·朗格 中国社会科学出版社 1983年版
　　④⑤《审美特性》乔治·卢卡契 中国社会科学出版社 1986年版
　　⑥《艺境》宗白华 北京大学出版社1986年版
　　⑦《素描教学新论》吴宪生 安徽美术出版社1995年版
　　⑧《中国画论类编》上卷 谢赫 《古画品录》
　　⑨《美的分析》威廉·荷加斯人民美术出版社1984年版
　　⑩《艺术的真谛》H·里德 辽宁人民出版社 1987年版
　　《欧洲现代画派画论选》瓦尔特·赫斯着宗白华译人民美术出版社 1980年版