1、接下来捡几个关键词说说，大家找找感觉。
1、序曲：开场的管弦乐曲，会奠定一个基调，是悲剧呢？是喜剧呢？描绘出大概的意境，带着观众“入戏”。序曲中的主旋律有时也会出现在之后的情节中，具有提纲擎领的作用，有时在幕与幕之间也会时不时地来一段。
2、咏叹调：表达剧中人物心境的独唱曲，通常是一出歌剧中最受关注的部分。一般我们耳熟能详的曲目，也都是歌剧里的咏叹调，是整部剧的高潮。许多音乐家演唱会时也会选择咏叹调作为必备曲目，例如《图兰朵》中的“今夜无人入睡”，《蝴蝶夫人》里食物“晴朗的一天”，《茶花女》里的“为什么我的心这么激动”等等。
3、幕：歌剧以不同的“幕”
2、来作为场景区分，通常一出剧三至五幕不等，一幕结束后，舞台上的布幕就会拉起来，开始更换布景，乐团就开始演奏下一幕的前奏曲，前奏曲奏完，幕布更换好，接着演。
4、宣叙调：是开展剧情的段落，故事往往就从这里开始，角色多，对话多，多半采用半说半唱的方式，很像京剧里的韵白。欧洲歌剧早期的宣叙调一点不唱，叫做“干宣叙调”，往往是用古钢琴弹奏一个和弦给一个调，剩下的都是对白。
5、重唱与合唱：重唱有二重唱、三重唱、四重唱…不等的组合型式，内容为剧中人物互相对话或各自表白心中的想法，尤其多人重唱的段落往往让人听不过来……耳朵很忙。合唱则主要代表群众，呼应剧中人物的言行，合唱团也
3、是歌剧中的要角儿。
所以作为一部正统的歌剧，尤其是较传统的意大利歌剧，你一般可以感受到以上这些内容。
意大利歌剧虽然很传统，但也是有变化的。
意大利歌剧一直是欧洲歌剧的主流，在18世纪以前，正歌剧又是意大利歌剧的主流。正歌剧注重歌唱者的声音天赋，所以导致了阉人歌手（即在童年被阉割的男歌手，嗓音高亢，华丽而具有弹性）的广泛出现，后来也一度出现过单纯追求“美声”的形式而忽略剧本内容的倾向，剧情雷同、单调，听众只听炫耀技巧的咏叹调，宣叙调一概不听，最终走向了衰败。
正歌剧最早出现于17、18世纪的意大利，以神话及古代英雄传奇故事为题
4、材居多。最初与意大利喜歌剧相对而言，后来流传到西欧各国。是一种严肃歌剧，在18世纪中逐步衰亡，变成了历史。
直到格鲁克在1760年代推出的“革新歌剧”，以对抗正歌剧的矫揉造作。他认为：“质朴和真实是一切艺术美的伟大原则”，歌剧的“真正使命”是“和诗配合，以便加强情感的表现”。在他的歌剧中，宣叙调具有重要地位，并且加强了旋律性，着重刻画情感，他还删去了咏叹调中炫技的部分，追求真情表达……总之，这位先生颠覆了固有的一成不变的逻辑，影响了18、19 世纪之交的歌剧舞台，且是有益的。自他的大步调改革后，出现了喜歌剧。
意大利歌剧经历了四个重要时期：巴洛克时期、古典主义时
5、期、浪漫主义时期、真实主义时期
1752年一家意大利歌剧团在巴黎上演《管家女仆》一剧，引起了有名的喜歌剧之争。保守派站在维护封建贵族的艺术趣味的立场上反对喜歌剧，而以启蒙思想家，以卢梭为首的改革派则热情赞扬这一新生事物，并且于同年亲自写了一部喜歌剧上演。这场争论促进了法国歌剧的发展。1762年，巴黎建立了喜歌剧院，喜歌剧很快在欧洲各地风行。
我们所熟悉的莫扎特，18世纪就是以正歌剧起家，后来顺应潮流，开始写喜歌剧，事实证明他也比较擅长这个，像《费加罗的婚礼》、《唐·乔望尼》、《女人皆如此》，当时非常卖座。
这里还不得不提到那不勒斯乐派，17世纪末的一
6、个新的歌剧流派，被认为是确立了未来的十九世纪意大利歌剧民族性的流派。那不勒斯的作曲家们将宣叙调与咏叹调清晰地区分开来，并更加倾重于咏叹调，尤其强调美声演唱技巧，使用有伴奏的宣叙调，发展管弦乐以服务于歌唱，还固定了歌剧序曲的三个组成部分。而喜歌剧是在那不勒斯派达到成熟阶段后，由幕间剧发展出来的。
到十九世纪上半叶，意大利歌剧传统经由罗西尼（Rossini,1792-1868）、多尼采蒂（Donizetti,1797-1848）和贝利尼（Bellini,1810-1835）等作曲家，传承到了威尔第的手中，威尔第成为浪漫主义时代乃至整个音乐历史上最伟大的意大利歌剧作曲家，普契尼和写实主义歌剧随后又将这一传统延续到了二十世纪之初。
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