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中国雕塑大展:当代雕塑亮出
在眼下这个艺术泛滥的时节，各种名头、规模不同的雕塑展览早已不新鲜。由此，当新中国成立以来首次以“中国”命名的雕塑艺术大展“中国姿态·海峡风——首届中国雕塑大展”7月26日在厦门开幕时，人们不禁要问：“中国姿态”的内涵是什么？
老中青三代雕塑家的211件作品参展，评论家、深圳雕塑院院长孙振华将其归纳为9种类型：红色经典再生型、率性写意飘零型、乡风民俗怀旧型、传统符号混搭型、几何抽象装饰型、语言材质样式型、日常物品放大型、人间场景写真型、艳俗光亮卡通型。可以看出，对参展作品的选取不拘泥于某家某派、某种风格，而是以一种更开放和宽容的态度，体现了多元化、多样性。那么，全景式的展示方式，在展现中国雕塑创作现状的同时，能否发现中国雕塑的特点和问题？在经济全球化时代，中国雕塑界如何更好地立足中国现实、关注自身的问题，积极完善和确立自己的“中国姿态”，参与国际对话？
或许我们能从一些作品中发现端倪。
如果说多年以来，雕塑是以体量、材料、造型区别于绘画等艺术形式，那么，雕塑能否突出绘画性并向其转化？吴彤的《国韵——生旦净丑》就体现了这种转变。它用卡通的手法将生、旦、净、丑等京剧脸谱进行局部变形处理，突显了雕塑的绘画特色。美术理论家刘骁纯指出，这就是向固有的雕塑创作体系提问。而谭勋的《柱头》则通过日常生活材料、几根废旧木头顶端的处理，用火烧加工成中国山水的纹理，表现出了中国古代山水的形象，表达对传统文化的趣味和呼应。对此，中国雕塑研究中心主任殷双喜说：“这传达的是东方的文化和价值观。我们特别鼓励这样的发展方向——希望在和西方艺术的交流过程中，中国的雕塑能逐渐形成自己的民族气息、民族特色，传递我们自己的审美品格——东方的审美品格。”
材质和造型的多样化也十分明显。如果说过去金银铜铁的雕塑材料颇为流行，如今树脂加工等新的雕塑材料不断涌现。李磊的《日记》更值得一提，她将普通的生活用纸烧制成陶的工艺，以表现日常生活中大量用纸及女性处境这样一个主题。这缘于作者在景德镇实习期间，尝试的一种将纸烧成陶的工艺，当时这让景德镇的工人都吃了一惊——当然，这也是在展览评选过程中颇受争议的一件作品。
“雕塑和当代生活的关联度加强，对观念(哲学、社会学、心理学等)的讨论也有了一些提高，其他学科的思路对雕塑家有所渗透，这也是雕塑发展的一个转变期。”孙振华说。被评为中国雕塑艺术大奖的陈克的《后文艺复兴——大卫》将大卫变形处理后，看上去有眼晕的感觉，暗示了如今的电脑时代，所有的文化遗产图像都能被影像化处理的现实。电脑能对图像进行各种各样的处理，雕塑也影像化了，被电脑加工以后就会发生视觉的变异。《大卫》是文艺复兴时期米开朗基罗的经典作品，为纪念这位英雄少年击退了来犯之敌，在意大利还专门修建了一个广场。但是现在信息时代，他却发生了变异。这反映了信息频繁、高密所造成的一种压力，人的心理上发生了变化，也是内在的精神、思想的变异，虽然外在的形体上不易看出来。这样的处理，使得一个原本传统、经典的作品，在当代有了特殊的味道和意味。
“中国雕塑所关注的问题、使用的材料和西方无多少差距。至于中西方存在的差距，这和文化背景、传统等有一定的关系。从大的方面来讲，无论表达还是创作，中国同西方的整体水平是一致的，不会出现西方人会的东西中国人不会，只是深入的深度、思考的角度还有一些差别。”孙振华表示。
中国雕塑的理论研究、批评的薄弱，造成了雕塑的理论思维，包括视野、眼光、学术交流等与油画、中国画相比有一定差距。展览上，雕塑大师潘鹤、钱绍武被授予“中国雕塑艺术终身成就奖”，而孙振华、殷双喜被授予“中国雕塑史论奖”。“目的是为了通过这样的奖项，加强对它的评论和推介，慢慢地形成雕塑界的理论氛围，更好地促进雕塑创作的发展。”中国雕塑学会会长曾成钢说。
建筑与雕塑的对比与共鸣
雕塑与建筑在人类文化发展史上虽然关系密切，但还有过混沌不分的阶段。岁月流转，随着社会进步和文明的发展，它们才逐渐有了明确得分类。雕塑与建筑的共性，都是占领高，宽，纵深三度空间的造型艺术，是人类最早就懂得创造的艺术形式，它们是高度凝固的音乐，是立体的诗篇。但同时，它们也各为系统，相互独立。
雕塑与建筑之间是各自独立的艺术门类，在艺术门类划分时，二者比较近，也有把它们都列入为广义的“美术”范畴，既“造型艺术”之中的，但是区别显而易见。简单分析一下它们之间的区别，雕塑艺术是人类追求具有更高的功利性的形体美和更纯粹的形体语言，它具有很强的表现力。它力图表达更广大，更深刻的社会文化内容。审美创造上更注重自由和奔放的精神力量。而建筑艺术则具有双重性——物质性与精神性，它是物质与精神的统一。建筑是处于实用主义的美与艺术美之间的中介状态，建筑美兼跨生活美与艺术美两种形态。所以可以看出雕塑与建筑既有区别又有联系。
从本质上来说，建筑艺术接近于音乐，是一种表现性艺术。19世纪时，哲学家谢林说“建筑是凝固的音乐”。音乐家豪普德曼说“音乐是流动的艺术”。而雕塑艺术，则跟建筑艺术一样是一种表现性艺术，也同样有“凝固的音乐”之称。作为表现性艺术，二者与音乐在诸如旋律，节奏，及和声等许多艺术手段上的处理极为相似，能够直击心扉，使心灵直接接受情感的撞击，迅速激起强烈的情感火花。
建筑与雕塑作品所具有的体量是它们特殊于绘画，摄影，音乐，文学等类作品。很难想象如果没有适当的体量，建筑与雕塑还会有什么表现力。但必须强调，体量之大并不具有绝对的意义，体量的适当才是最重要的，不同性质和性格的建筑与雕塑应当有不同规模得体量。
建筑艺术语言与雕塑艺术语言应相互融合，而不是磨合，这是一种趋势。当代中国的建筑师与雕塑家已开始认识到二者应该与时代紧密同步，应该立足于中国现代生活的坚实土壤上，继承传统，坚持创造性既具有时代特色同时又具有中国气派的新文化，实现建筑艺术与雕塑艺术的融合，在建筑中体现雕塑感，雕塑中蕴含建筑情。
城市雕塑的悠久历史
城市雕塑在西方具有悠久的历史，且并不因时代和社会及国家的更迭而中断。从古希腊、罗马到中世纪、文艺复兴及17、18、19世纪，直到20世纪，几乎遍及各国的大小城市，成为城市建设及其文化的重要组成。在中国，虽然秦始皇下令收缴天下兵器，运至都城咸阳销毁，并铸成12个各重24万斤的大铜人，排列在阿房宫殿前，但并不似西方那样自觉将其作为城市的组成部分。在以后的漫长岁月中，也未出现类似西方的城市雕塑。直到20世纪上半叶才在一些经济、文化比较发达的城市，如上海、天津、成都、广州、重庆等地建立了一些真正意义上的城市雕塑。50年代特别是80年代以后，伴随着改革开放和经济、文化的发展，城市雕塑在许多大中小城市如雨后春笋般出现，其中不乏优秀之作。在城市雕塑创作十分活跃的情况下，80年代初成立了全国城市雕塑规划组和全国城市雕塑艺术委员会，负责全国城市雕塑的规划、筹备、协调及创作工作，从此中国的城市雕塑创作进入了一个新的发展时期。
影响远超博物馆 城市雕塑:能留下多少精品
城市雕塑能留下多少精品 从一道道脊梁中我们看见了苦难中的奋争，从哀伤的眼神里我们看见了人类的灾难，从宽阔的前额中我们看见了贤哲的智慧，从古老传说中我们看见了城市的源头。新中国城市雕塑建设成就大奖刚刚揭晓，当60部获奖作品呈现在我们面前时，我们不能不惊叹城市雕塑的巨大魅力。在这里，不仅记录了各个时期的价值判断和历史情怀，显现出民族的文化意识和思想脉络，更展示了一个城市的生活情趣与艺术水平。 新中国成立60年来城市雕塑发展的轨迹告诉我们，城市雕塑与时代同步，历史的每个足迹几乎都深深印刻在城市雕塑之中，阅读城市雕塑、评价城市雕塑，其实就是在阅读历史的纵深处，评价城市的文化襟抱。但是，如何塑造精品，尤其是创作留存后世的杰作，让一个时代的城市文化永久保留下来，并不容易。
雕塑常识
城市雕塑，它与近几十年世界上流行的“公共艺术”、“景观雕塑”、“环境雕塑”等概念，有着各有侧重但又相通的含义。它主要包括了设立在室外的，城市公共环境中的雕塑作品。它可分为纪念性、主题性、装饰性和娱乐性四类。
城市雕塑作为一种环境艺术，涉及到建筑、园林、道路、广场等各方面因素。一座好的城雕只有放在合适的环境，才能显示出它的美，起到点景，衬景的作用。
作为大文化的构成部分，城市艺术代表了这个城市、这个地区的文化水准和精神风貌。一些城市中的优秀城雕作品以永久性的可视形象使每个进所在环境的人都沉浸在浓重的文化氛围之中，感受到城市艺术气息和城市的脉搏。城市雕塑起到调节城市色彩、调节人群心态和视觉感受的作用，它作为城市的眼睛，时代的脉搏，已愈来愈成为人们生活中不可或缺的一部分。
城市雕塑的文化内涵
作为文化的构成部分，城市艺术代表了这个城市、这个地区的文化水准和精神风貌。一些城市中的优秀城雕作品以永久性的可视形象使每个进入所在环境的人都沉浸在浓重的文化氛围之中，感受到城市艺术气息和城市的脉搏。
1.历史性
城市雕塑正如我们史书上的插图，记载了不同时代的历史和文明。 历史上不同年代的雕塑都记载不同时期，人们的生活条件，状况与精神追求，看不同时代的雕塑就像读不同年代的教科书，每个时代都给人以不同的思考和借鉴。 任何一座城市都是历史的产物，都有着不同于其他城市的历史传统。而在每一座城市的背后都隐藏着丰厚的人文历史与典故。
2.人文性
任何一个城市，都有其发展的自身规律。它的历史背景、经济发展、人口状况等方面决定了某特有的文化氛围。城市的文化氛围在某些程度上决定了其城市雕塑的基本状况。 最典型的例子便是美国首都纽约的自由女神像，她是美国独立纪念时法国送给美国的礼物。伫立于曼哈顿的自由女神像，不仅仅是美国独立的象征，更是美国国家的象征。女神手中握着的火炬与法典都是与美国文化、国情有着紧密联系的。 伫立于各个城市的城市雕塑，不仅仅是为了美化环境而建立，它的存在，还体现了这个城市的精神面貌与城市的文化建设。
3.地域性
地理位置及周围环境决定了城市雕塑的形式与特征。不同的地域文化和环境背景决定雕塑的内容和形态。比如意大利佛罗伦萨的统治广场宽阔的喷水池，池中央矗立着白色大理石海神像，海神像基座和水池边上还布置着一座青铜铸造的小塑像作陪衬，形成广场的重要景观。 海神像垂直的形象与它背后高耸的建筑角部的线条呼应，这两者结合在一起，如同是这空间的转轴，雕像造成了有趣的视角错觉，因为它明亮的色和自然的形，使人的视线集中，并有助于缓和美第奇宫墙角高而锐利的线条。
4.时代性
每个时代都有其历史的，独特的时代特征。是和当时的经济，文化，宗教，军事，人民的追求分不开的。同时在不同的时代里，艺术的演变与成就也是不一样的。雕塑艺术就是以其独特的艺术形式，展现了不同时代的风貌与格调。雕塑风格的演变与丰富同时也是时代演变的产物。 在丹麦的哥本哈根，1908 年建成的作为城市标志的《杰芬喷泉》，而成为哥本哈根的象征。然而当 1913 年根据安徒生的童话创作而成的《美人鱼》诞生之后，《杰芬喷泉》就逐渐为人们所淡忘了，《美人鱼》逐步代替了《杰芬喷泉》而成为哥本哈根，甚至是丹麦的标志了。
5.启迪性
从对雕塑的观围，想像出雕塑师当时的思想活动，给人以无限的遐想，在有限的空间内，塑造人们精神的无限空间。 黑格尔认为：雕刻与建筑一样，是“就建筑单纯的感性物质的东西按照它的物质的占空间大形式来塑造形象。”“雕刻则把精神本身(这种自觉的目的性和独立自足性)表现于在本质上适宜于表现精神个性的肉体形象,而且使精神和肉体这两方面作为不可分割的整体而呈现于观照者的眼前。”
6.纪念性交流性
纪年性是城市雕塑传播文化的一个重要方式，通过对历史事件，人物的刻画与表现，重现了当时的历史的英雄人物及时代精神。 交流性是使人产生亲近感，还起着使人同自然进行交流的某种媒介作用。通过不同类型，不同区域雕塑的展现可以起到文化交流，和人际交流的作用。 我国最长的城市雕塑群——《舜耕》在浙江省上虞市建成。这座长 65 米、宽 6 米、最高处 26.4 米的巨型大象雕塑群占地 25 亩，由我国著名美术家韩美林构思，并组织助手在 11000 吨花岗岩石材中雕制而成。史载，与黄帝齐名的我国远古“五帝”之一的大舜最后在浙江上虞居住，披星戴月“躬耕畎田”不已。大象感其恩德，远道前来助其耕地。雕塑的建成，引来了大量的游客，给城市文化交流和经济交流，带来了很多机会。
7.象征性
每个城市都有其自身的文化与历史背景，城市雕塑则是以其雕塑的内容和形式，体现了其所在城市及所在环境的特征。城市雕塑作品 如美国的自由女神像，只要我们一提到自由女神，马上会联想到美国。是雕塑的特定的文化和时代背景－即美国的独立战争的胜利，使自由女神成为美国的标志。
奥帆赛主题雕塑设计方案 《连接奥运》出炉(图)
中国园林网7月11日消息：近日，记者从青岛市规划局获悉，备受瞩目的奥帆赛主题雕塑设计方案，经过多轮专家评审、专题研究和方案调整后“出炉”，《连接奥运》从七十余件作品中脱颖而出。
据专家介绍，《连接奥运》以两个简洁的圆，代表青岛与世界的连接和对话，寓意“相约北京，扬帆青岛”、“青岛走向世界，传播推动发展”的主题内涵，表达了奥运精神及“同一个世界，同一个梦想”的人文理念。专家认为，奥帆赛主题雕塑不仅是奥帆中心最重要的公共艺术，也是青岛作为奥运城市的标志性文化景观，是宝贵的奥运文化遗产。
《连接奥运》充分体现“奥运”和“帆船”文化主题，方案构思宏大、内涵深远，雕塑艺术语言丰富，表现形式典雅优美，形式和尺度有较强的艺术感染力和冲击力，相信能够达到预期的环境景观效果。
巨型足球雕塑亮相秦皇岛
7月12日，工人在安装巨型足球雕塑。为迎接2008年北京奥运会的到来，作为奥运会足球比赛分赛场的秦皇岛市在奥体中心附近绿地上建成一个直径15米的不锈钢足球雕塑，球体上还印有奥运五环和北京奥运会会徽的图案，成为秦皇岛市一道靓丽的风景。
首届中国雕塑大展:当代雕塑亮出
在眼下这个艺术泛滥的时节，各种名头、规模不同的雕塑展览早已不新鲜。由此，当新中国成立以来首次以“中国”命名的雕塑艺术大展“中国姿态·海峡风——首届中国雕塑大展”7月26日在厦门开幕时，人们不禁要问：“中国姿态”的内涵是什么？
老中青三代雕塑家的211件作品参展，评论家、深圳雕塑院院长孙振华将其归纳为9种类型：红色经典再生型、率性写意飘零型、乡风民俗怀旧型、传统符号混搭型、几何抽象装饰型、语言材质样式型、日常物品放大型、人间场景写真型、艳俗光亮卡通型。可以看出，对参展作品的选取不拘泥于某家某派、某种风格，而是以一种更开放和宽容的态度，体现了多元化、多样性。那么，全景式的展示方式，在展现中国雕塑创作现状的同时，能否发现中国雕塑的特点和问题？在经济全球化时代，中国雕塑界如何更好地立足中国现实、关注自身的问题，积极完善和确立自己的“中国姿态”，参与国际对话？
或许我们能从一些作品中发现端倪。
如果说多年以来，雕塑是以体量、材料、造型区别于绘画等艺术形式，那么，雕塑能否突出绘画性并向其转化？吴彤的《国韵——生旦净丑》就体现了这种转变。它用卡通的手法将生、旦、净、丑等京剧脸谱进行局部变形处理，突显了雕塑的绘画特色。美术理论家刘骁纯指出，这就是向固有的雕塑创作体系提问。而谭勋的《柱头》则通过日常生活材料、几根废旧木头顶端的处理，用火烧加工成中国山水的纹理，表现出了中国古代山水的形象，表达对传统文化的趣味和呼应。对此，中国雕塑研究中心主任殷双喜说：“这传达的是东方的文化和价值观。我们特别鼓励这样的发展方向——希望在和西方艺术的交流过程中，中国的雕塑能逐渐形成自己的民族气息、民族特色，传递我们自己的审美品格——东方的审美品格。”
材质和造型的多样化也十分明显。如果说过去金银铜铁的雕塑材料颇为流行，如今树脂加工等新的雕塑材料不断涌现。李磊的《日记》更值得一提，她将普通的生活用纸烧制成陶的工艺，以表现日常生活中大量用纸及女性处境这样一个主题。这缘于作者在景德镇实习期间，尝试的一种将纸烧成陶的工艺，当时这让景德镇的工人都吃了一惊——当然，这也是在展览评选过程中颇受争议的一件作品。
“雕塑和当代生活的关联度加强，对观念(哲学、社会学、心理学等)的讨论也有了一些提高，其他学科的思路对雕塑家有所渗透，这也是雕塑发展的一个转变期。”孙振华说。被评为中国雕塑艺术大奖的陈克的《后文艺复兴——大卫》将大卫变形处理后，看上去有眼晕的感觉，暗示了如今的电脑时代，所有的文化遗产图像都能被影像化处理的现实。电脑能对图像进行各种各样的处理，雕塑也影像化了，被电脑加工以后就会发生视觉的变异。《大卫》是文艺复兴时期米开朗基罗的经典作品，为纪念这位英雄少年击退了来犯之敌，在意大利还专门修建了一个广场。但是现在信息时代，他却发生了变异。这反映了信息频繁、高密所造成的一种压力，人的心理上发生了变化，也是内在的精神、思想的变异，虽然外在的形体上不易看出来。这样的处理，使得一个原本传统、经典的作品，在当代有了特殊的味道和意味。
“中国雕塑所关注的问题、使用的材料和西方无多少差距。至于中西方存在的差距，这和文化背景、传统等有一定的关系。从大的方面来讲，无论表达还是创作，中国同西方的整体水平是一致的，不会出现西方人会的东西中国人不会，只是深入的深度、思考的角度还有一些差别。”孙振华表示。
中国雕塑的理论研究、批评的薄弱，造成了雕塑的理论思维，包括视野、眼光、学术交流等与油画、中国画相比有一定差距。展览上，雕塑大师潘鹤、钱绍武被授予“中国雕塑艺术终身成就奖”，而孙振华、殷双喜被授予“中国雕塑史论奖”。“目的是为了通过这样的奖项，加强对它的评论和推介，慢慢地形成雕塑界的理论氛围，更好地促进雕塑创作的发展。”中国雕塑学会会长曾成钢说。
人体泥塑训练中的形体要素
来源： 时间：10-09-28 17:28:48 浏览： 48
人体泥塑习作是雕塑教学的主要基础课程，目的在于培养学生掌握表现人物的造型能力。因此，如何引导学生在空间中观察对象，从形体出发塑造对象，整体表现对象就是必须解决的三个问题，它们之间既相对独立又紧密联系。作为教学探讨，笔者尝试把泥塑习作训练中的问题比作一条链环，并着重对这些链环的联结点之细微处进行剖析，以寻找其中的规律。
树立空间形体观念
近年来考入雕塑系的新生基本上是这样两部分：一是学院的 附中生；二是在各种美术训练班学习过的考生。他们都具有一些素描基础，也或多或少地尝试作过一些泥塑，但总的说来，对于雕塑的语言还是知之甚少。绘画与雕塑在艺术语言上有很多共同的地方，素描基础对于认识雕塑也有很大的帮助，但是绘画与雕塑毕竟是差异很大的艺术形式，各自具有个性极强的艺术语言。绘画是平面造形，而雕塑是在空间中表现对象；绘画中对象的长度与宽度不产生变化，而深度则要在“模拟的空间”中利用透视原理进行表现。雕塑中的形体与形体之间都实实在在地呈现在我们面前，不会产生长、宽、深三度空间的变化。既然对象与雕塑都是展现在空间的实体，这就要求初学者首先学会在空间中观察形体。英国著名雕塑家享利·英尔说“雕塑在表达能力上有不及绘画的地方，但它是立体的，可以从不同角度欣赏，这点远非绘画所及”。他又指出：“欣赏雕塑完全要靠对三度空间的形式所具有的反映能力。也许这就是为什么雕塑被认为是所有艺术中最难的原因了。它当然要比那种仅限于平面形式和两维形状的艺术难得多。更多的人是‘形盲’甚于‘色盲 ’。……虽然他们可以在平面形式的感觉理解上达到相当准确的程度，但却不在理性和感性上作进一步的努力去理解占据空间的完满形式。”乍一听到“形盲”，很多人都会吃惊，但是事实确定如此。从人的生理结构来说，应该具备纵深距离的判断能力，但为什么又有“形盲”之说呢，细心观察生活的人会发现，婴儿常常抓不到他要拿的东西，原因是他们对空间形体的大小长宽的感觉比深度感觉强， 由于生活需要，比如婴儿要抓住母亲的乳房吃奶，抓住有兴趣的玩具……在随后的岁月里不断地加强对纵深的认识，比如判断下楼的梯步的长度等，然而在这种感觉发展到能够满址足生活基本需要后，就不再发展了，但对于从事雕塑的人这种深度感觉肯定是不够的，他应不断发展对空间认识，从平面过渡到纵深，从二维过渡到三维，从“平面中思考”过渡到“在空间中思考”是必须突破的第一关。既然雕塑艺术语言是由占据着长、宽、深三度空间的 积所组成，那么我们必须通过认识体感进而掌握它，但这却不是一朝一夕就能办到的，对许多初学者可以说是一个相当痛苦的过程，对这点认识不清甚至在学了很多年雕塑的人身上也可以看到，他们可以涌讨熟练加感觉把人体塑出来，然而这种雕塑必然是松软没有生命力的，其根本原因就在于一点一点临摹出来的人体，与主动把握空间中的形体的结果大不一样。
初学者看一个形，看到的往往是一些点与外轮廓线，通过一段时间的学习，便能看到由线组成的面，这时的他应该说比初期有了很大的进步了，但仅仅能看到面还是不够的，空间中的形体到底是什么呢?简而言之就是完整占有空间的体积，任何附着在这个体积上的点、线、面都只是这个体积的一部分，基于这点，我们做泥塑从—开始就要透过复杂的形把握住空间基本形，把对象看简单一些，而不是什么都要看、都要塑。这种局部小形服从整体大形的观察认识方法就象—个立方体摆在我们手上，首先应看到它在空间中长度、宽度、厚度间的紧密关系，而不应仅仅只是十二条线组成的六个面。这样才能抓住形体的本质。
从形体出发塑造人体
人体是由众多的骨骼、肌肉、脂肪、皮肤和毛发所组成。仔细分析每个小局部都非常复杂，加之每个模特生活经历不同，外形上一些偶然的畸形及肤色的错觉，都会使学生感到无从下手，或者一个局部一个局部的拼凑；或者一条边线一条边线的去临摹对象，用无数条“轮廊影象”去和对象相比较；或者通过调子，去寻找人体中的线，然后认为这也是观察形体的方法。结果当然也可以把人体临摹得逼真，但这种临摹对象的结果是只能循规蹈距，不敢越雷池半步，当需要概括，提高时就显得力不从心了，当然作品也就达不到传神的效果。所以说只从表面摹仿对象是没有出路的，将最终导致作品平庸，体积弱化，更谈不上有什么艺术感染力了。
人体具体的单个形体，应是对对象感觉后的概括，模特自身的特点给我们启示与感受。在此基础上把这种感受又明确地进行概括、归纳，使之比对象更鲜明、强烈，特征更明朗，并在其中赋予几何体的因素。这样的形体就再不是原来的自然形态，而是经过抽象与综合后感觉与概括的重新结合。这种概括不是对客观对象的不尊重，因为主观感受应该是以客观对象为基础的，形体认识应该珍视感觉，但概念化的分块分面往往是造形僵化的根源，那种对对象作随意的改变同样也是我们反对的，毕竟课堂人体习作原则上应是写实的。
在塑造对象时紧紧的抓住几个大的形体，记住人体是由头、胸、盆骨、大小腿、大小臂构成也就等于记住了整个人体，更重要的是学会舍弃，如果一开始塑造就看到模特的细小变化，细微转折不放，其结果必须是捡了芝麻，丢掉西瓜，因此，我们应在对细枝末节的舍弃中完成雕塑。
在大足宝顶山石刻的末端，至今还有几尊保存完好、而又没有完成的护法神的石刻雕塑。护法神没有完工的腿及盆骨是完整的长方形柱体，上面的胸是概括的基本形，接近完成的头部进行了仔细的刻划。每次我站在这几尊雕塑面前，都被前辈艺术家对形体的理解深深的震憾着。如果说现代建筑家已经把建筑当作雕塑来作，并在其中赋予形体的理解与美感的话，那么我们也应该把雕塑中的大形体当作建筑来看，人体的细节好比房子中的门窗，没有房子出就谈不上安装门窗了，这样理解，将会使我们在塑造观念上更容易抓住大的纵深的形全，这种建筑感也会使我们的雕塑形体更完整。结实，也就更加充满生命力。对于基本形体，我们的老祖宗们给我们留下了很多宝贵的财富，民间绘画中就把人的头部概括成甲、申、由、国、田、用等形象的基本形，按这些认识来观察人体也就不总是在细节上纠缠不清了。在雕塑训练中，什么时候学会了舍弃，什么时候视野就会更广，主动把握对象的能力也就更强，造形能力也就会得到质的飞跃。
静止的形体与运动的形体
经过—段时间的训练，把握模特的形体变得容易了，但是人体的生动性与活力恰恰是在运动展现出来，在运动中人体必然产生扭转，挤压，拉长，缩短现象。比如头部在扭转时，就可以产生前后仰俯、左右仰俯、左右转等运动轨迹，相应的颈部也会产生变化、特别是胸锁乳突肌伴随着扭转运动明显的有拉长与挤压状态显示在外形上，身体的其它部分电会产生或多或少的体积面向的动作，以和头部的变化相协凋。理解运动，掌握运动规律又给我们的学生提出了新的课题。
在生活中，我们都有这样的经验，很熟悉的人，离我们很远，即使看不到鼻子眼睛等细节，但只要他一抬手、一举足我们就能一下子把他认出来，这就是每个人的独特的动作及大形体，大关系在起作用。假如我们离舞台很远看话剧，不一定能听清台词，但是我们完全可以根据演员的动作判断出总的剧情，这也证明整体的运动动态是人体的总表情。人体的每一个“静”都是下一个“动”的前奏，每一个新动态，都是彼时彼地对象的心理状态，反映到外形的相应变化。文艺复兴时期的杰出大师米开朗基罗在人体雕塑的运用中强烈的个人特点大大改变了裸象的性质，由—个实现理想的途径变成了表达感情的途径，并创作了大量体格健壮，肌肉发达，能力与美为—身的雕塑。这些雕塑展现为气吞山河的意志，汹涌澎湃的热情无一不是与米廾朗基罗成功的运用运动形体的典范。因此基本训练中的每一个形体既不是—个个孤立的解剖符号，也不应是违反人体运动规律的僵硬别忸的粗糙造型。
形体面向与体积感觉
人体在空间中是以多个面向展示出来的，能正确地表现出这种面向，作业必然更富表现力。因为雕塑是空间中的形体。作业完成展示时，作者不能规定观众视角及视线，因此，在面向的处理中应充分考虑到不同角度的观感。这点我们可以在众多的成功雕塑作品中找到佐证。比如，希腊雕塑，作者为了表现人恬静的理想美，大多把人体塑成头与胸，胸与盆骨、盆骨连接大腿与小腿形成微动的四个面向，而文艺复兴时期的米开朗基罗为了在人体中传达反抗与躁动的感情，又把人体处理成强烈扭转的两个大面。基本练习每样作业虽各有侧重，但也应充分注重面向的感情因素与表现力。
因为人体不可能以一个简单的立方体呈现在我们面前，所以在雕塑过程中面对复杂的面向关系会经常破坏形的固有体积。那么，应该怎样认识固有体积呢?譬如说，在一块空地上，现在新建—幢房子，这个房子就占据了这块空地的一部分空间，人体也是以自身的体积占据着空间，作业时就要求时时关注人体大形体的完整性。当然要作刀人体雕塑还要注意物理感觉与心理感觉问题，面对作业我们应感觉它有一股向外冲的力，同时空间中也有向作业内压的无形的气，当这种内外的力达到最大限度，内外达到一种新的心理均衡时，我们谓之体积充分、饱满。要做到这点就要时时关心我们周围形的感觉：一张纸(虽然电有厚度)一块砖由于自身的面是平的，所以感觉上它们不具备向外冲的力，而圆球就具备由中心向外冲的感觉。如果我们把这种感觉放入人体中，就不会随意破坏人体自身的圆的内核与低点的联接了，如果在作好大形的同时又有不破坏大形体的小形体来丰富它，作品必然生动耐看，形体虽然是以物理形式展现出来，但还是要经过感觉这把无形的尺子的检验。
基本形体与整体表现
前面，我们就基本形体的部分规律进行了—些探讨，那么是不是对基本形体有了一些认识就算达到目的了呢？回答是否定的；如果把人体比作—篇文章的话，每个的形体仅仅是—个个单词，要使文章通畅感人还要把各单词在总的大纲下完美的联结起来，这才是整体造型的意义。雕塑，应有合理的动态，向外冲来的体积，有表现力的影象，并有作者独特的艺术感受与艺术表现的完美结合。我国著名雕塑家滑田友先生把整体与基本形体的关系比喻为“串糖葫芦”的关系，没有整体这根棍，当然糖葫芦也不知道怎样串了，为此就要求我们认真研究解剖结构规律，并记住每个形体的断面，没有什么秘制散丸，祖传秘方能使人睡上一觉早上就明白怎样观察形体，怎样塑造雕塑。人体雕塑上大泥阶段就要把主要结构用形体的语言生动的在整体中表现出来，这时不要求细与工整、更不能死刻某一局部，要求把握对象的味道及基本体积的正确空间感，并在不断的深入中牢牢地保持这种整体的感觉与关系。
理解与感觉
能够在泥塑塑造过程中知道该看什么，不该看什么，做到把握对象的基本内在关系并能作到该做什么，不该做什么时，也就形成了自觉的、科学的观察、分析，表现对象的基本能力，不讲艺术科学规律是片面的，结果往往偏离了高等艺术院校对学生辅以“三基”的基本要求与目的，艺术教学应强调规律，在此基础上，学生的感觉才能得到升华与提高，在理解的基础上才能更深层次的感受对象，教学中好园丁应知道那棵树苗需要浇水，那棵树苗需要上哪种肥，因势利导，因材施教使每棵树苗都生长各异，长大成材。为了解决基本练习中的感觉问题，应该教育学生用专业的目光有选择地看对象，抓住感觉各取所需、大胆取舍，另一方面，又要教他们有一双不戴框框的眼睛，善于寻找到对象的特点与美的地方，只有这样才能使感觉常新。也是不断进步的保证，既要专业眼镜，又要摘下这幅眼镜，看似矛盾，但实质上是相辅相成，互为弥补。
表面手法与形体
无疑，在雕塑塑造中有表现力的手法对整个雕塑的表现力具有重要作用，罗丹、莫尔，贾科梅地这些大师的作品都有令人惊叹的表面处理，这往往使初学者神往，很容易停留在大师作品表面的“帅气”上，而不在深层次中再下功夫。于是，一段时间中很多人一小点一小点的用雕塑刀在雕塑表面沾泥，使泥塑表面呈现带装饰性的小园点，又有些人拿起稀泥大块小块的追求“泥味”，笔者以为追求表面的特殊味道并不坏，但离开基本形体谈表面处理却是没有任何实际意义的，表面不管或光或毛，能把形体的基本感觉表现出来，教学目的也就基本达到了。例如我们看一件雕塑的双腿，能把支撑腿的紧张及踮起来放松的腿的感觉表现出来、区别开。双腿的形体也就塑造成功了，至于表面手法，那是作者在塑造对象时自然而然的感情流露，离开这点谈表面处理，只能是本末倒置“皮之不存，毛之焉附”而离基本训练的目的更远了。抓住形体也就等于抓住了雕塑的本质与基本语言，说得绝对点，没有形体也就没有雕塑，抓住它往往能起到事半功倍的效果，因此，雕塑的教与学都应在这点引起极大的注意，并下功夫去认识，掌握它。
如何雕塑我们的城市
【 点击数:3128 更新时间:2007-7-27 编辑:雕塑在线】
在一个多小时的采访中，曹春生教授多次使用“无序”、“没规矩”这样的字眼，表达了他对当前国内城市雕塑现状的不满。
现年７０岁的曹春生早年师从雕塑泰斗刘开渠先生，现任中央美术学院教授、全国城雕委艺术委员会主任。谈起国内城市雕塑发展的总体状况，这位老雕塑家的评语是：好的作品不少，但更多作品“不太好”，甚至“很不好”，是城市垃圾。
事实上，如此尖锐的批评并不只来自曹春生一人。近年来，城市雕塑在国内的发展可谓轰轰烈烈。然而，伴随着各地如雨后春笋般出现的城雕作品，类似“视觉垃圾”、“城市败笔”的批评也不绝于耳。一项广为媒体引用的数据是：上海对本市城市雕塑进行普查，结果平庸的占８０％，优良的占１０％，低劣的占１０％。难怪有评论称，国内城雕是“一堆垃圾里也可能有那么一件凤毛麟角”。
城雕乱象
“多”和“滥”带来的，是不可避免的“建了又拆，拆了再建”。
城市雕塑，在国外更多地被称为公共艺术。其在我国的兴起是从上世纪８０年代开始的。１９８２年“全国城市雕塑规划组”的成立和１９８４年举办的“全国城市雕塑设计方案展览”为我国城市雕塑的发展奠定了基础。
在全国城雕委办公室规划研究中心主任白一看来，城市雕塑在上世纪８０年代的发展基本健康。当时参与这项事业的，主要是一批刚刚从“文革”的压抑中解放出来的老艺术家，以及一些美术院校的专业师生。“全国也就那么几百号人”，每年的作品数量大约在两千件左右。这一时期出现了一批在今天已经成为精品和标志的雕塑，比如深圳的“孺子牛”和兰州的“黄河母亲”。
１９９０年之后，经济发展和城市化进程的加快，使得我国城雕进入发展的“黄金十年”。各地对于城市雕塑的热情空前高涨，雕塑市场的火热带动了大批企业和个人参与其中，雕塑公司、“雕塑之乡”纷纷涌现。尤其近年来，成片开发雕塑主题公园，集中建造长廊、风景线、海岸线、广场、大道等等，已成为各城市政府的工作重点之一。
与之相伴的，则是大量“雕塑垃圾”的出现。“大到北京、上海，小到县城乡镇，到处都在做城雕，仿佛一夜之间要把所有空间都填满，但精品少、败笔多，九成以上的城市雕塑不仅没有起到美化城市的作用，反而成为无法抹去的新的视觉垃圾。”一位不愿具名的著名雕刻家如此评论。
据估计，目前全国每年新增城市雕塑远在万件以上。不过，由于缺少有效的统计和管理，没有人能说出这个准确的数字是多少。伴随“多”和“滥”的，是不可避免的“建了又拆，拆了再建”。前几年，北京昌平“雕塑一条街”充斥的垃圾雕塑至今令许多业内专家耿耿于怀，这些雕塑现在已经被全部拆除。
“无序开发，盲目建设。” 面对当前城市雕塑暴露出的种种问题，曹春生教授忧心忡忡。
乱自何来
创作人员的市场准入管理相当混乱，盲目模仿和抄袭成风。
曹春生坚持认为，城市雕塑不是 “后院艺术”，“不是一件谁都能干的事情。”
１９９３年９月，文化部、建设部联合颁布的《城市雕塑建设管理办法》规定，城市雕塑的创作设计必须由持有《城市雕塑创作设计资格证书》的雕塑家承担。１９８７年至２００２年期间，全国城雕委共向９３１人颁发了资格证书。
但种种因素导致这条规定从来就没有真正落实过。现实的状况是，创作人员的市场准入管理相当混乱，大量不具备专业素质的人在搞创作，一些包工头、民间石匠、美术爱好者，在利益的驱动下到处承接城市雕塑业务，有的城市甚至出现了街道办事处主任亲自操刀搞创作的现象。
在我国美术界，流传这样一种说法：两大最“乱”的专业，一是书法，二是雕塑。“现在是谁都往这个门里靠，原先画画的，搞设计的，搞建筑的……现在都来做城雕。”
从业人员素质的参差不齐，加之盲目模仿和抄袭成风，使得许多地方的城雕千篇一律，毫无个性。“奔马”、“醒狮”是最常见的题材，“火箭”和“原子结构”成为象征科技的“老生常塑”。全国至少有４个地方立起了“黄河母亲”，前两年抽象艺术流行，结果许多乡镇政府的门口都竖起了“一个球加几条飘带”的所谓“抽象艺术”。在南京和广州等城市，竟然出现了专门配套生产、销售大小不同的圆球、飘带，可以临时组装“抽象雕塑”的商店。
艺术？工程？
许多雕塑成为领导的形象工程、政绩工程，这是当前城雕总体水平不高的原因之一。
据了解，如果把雕塑任务交给正规的机构或雕塑家，一件完整经过前期策划、评估、小稿设计、方案修改最终成品的城市雕塑，至少需要一年以上的工作周期，花费至少在１０多万元。而如果找一些民间所谓“公司”和“工程队”来做，几个月就可完成，花费也只需要一两万元。
对于一些地方政府领导而言，雕塑所需的钱不是问题，但时间有点等不及。“常有这样的情况，地方政府兴致来了，就找到我们，要求我们在半年甚至两三个月时间拿出成品来，这根本就不符合艺术创作的规律。太浮躁，太急功近利了。”曹春生教授说。
目前，许多地方在确定雕塑方案时采用了招标的方式。但是，作为艺术品的雕塑很难量化考量，许多问题都是“一把手”说了算，这使得目前的城雕招标中腐败、不公平和地方保护等现象时有发生。招投标变成了“跑工程”，许多真正有名气的艺术家不愿参与其中，反过来也制约了最终中标作品的水准。
采访中，多名雕塑家不约而同地对当前城雕工作中的“长官意志”进行批评。“一些领导，根
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