设计基础自考主观题目大纲.doc

1.（简答）符号学理论。图案和符号即单纯装饰性和象征性之间的应用。人类的意识领域就是一个符号的世界。当代设计学不仅涉及到技术的物质性、功能性和审美状态的数值规定，还涉及到设计对象的产生、使用和适用与传播的功能。德国哲学家本赛对符号学在设计领域的应用作了开拓性的研究，按照本塞的符号学对象理论划分为四种对象：自然对象、技术对象、设计对象和艺术对象，它们分别通过三种参量，即固有性、确定性、预期性来规定。人们从设计对象可以被规划、实施和应用这一观点出发，由此划分三个阶段：规划阶段、实施阶段和应用阶段。50年代西方设计界将符号学应用于建筑设计，认为建筑语言的形成是一个由深层结构向表层结构转化的过程。2. （简答）结构主义。结构主义理论是一种社会学方法，其目的在于给人们提供理解人类思维活动的手段。最著名的结构主义提倡者是法国人类学家莱维-施特劳斯。对当代设计学产生重大影响的两位结构主义哲学家是福柯和罗兰。巴特。福柯提出“无意识结构”概念；罗兰。巴特的神话，他认为不应从视觉设计的观点来看待大众文化，而应该认识到大众文化揭示了当代社会潜在的框架结构。借助结构主义理论，正是要回答设计与社会的关系问题。简答题：为什么说借助结构主义理论，正是要回答设计与社会的关系问题。3. （简答）解构方法。按照结构主义理论，可以运用科学的符号学原理来分析图像，并且分别说明其视觉的、文化的、以及语言的意义，这一分析的过程被解构主义理论家称之为解码。法国社会学教授博德里亚是后现代主义最著名的理论家，曾用解构方法探求广告与消费文化对当代社会的影响，他尤其对所谓原创性提出挑战。设计分为“显性设计”和“隐性设计”两种，显性设计是风格设计；隐性设计是工程设计。显性设计的目的在于引导消费，而隐性设计决定设计品的功能。法国哲学家的德里达绘画的真实，试图用解构方法解读绘画。一般认为，解构主义揭露传统的偏见和自相矛盾，注重详细解读，具有浓厚的哲学兴趣。4. （简答）混沌理论混沌理论来源于自然科学界。按照通俗的解释，是向我们说明，我们才开始理解自然界的复杂性，即自然现象及其事件的连锁反应。混沌理论不是要把简单的事物弄得更复杂，而恰恰是为寻求复杂现象的简单根源，提出新的观点和方法。20世纪80年代，将混沌理论运用到设计领域成了一件时髦的事，反对将设计看作是单一和有次序的观点，主张设计家应当努力探求混沌的文化潮流。但是，对于设计史研究者而言，创造性的混沌不是一场设计运动，而是后现代主义所提出的多元主义理论的一个方面。5. （简答）绿色设计。绿色设计起自于旨在保护自然资源、防止工业污染破坏生态平衡的一场运动，虽然它迄今为止仍处于萌芽阶段，但却已成为一种及其重要的新趋向。绿色设计源于20世纪60年代在美国兴起的反消费运动。所谓多重设计，实际上是指批评者要求设计家能够因时因地地提供更多的设计以供选择，而不是说服或强迫人们接受单一的设计。6. （简答）信息技术。对于设计学而言，计算机技术和通信技术这两大领域的发展，已经改变了20世纪以来设计的过程和生产。7. (名词解释)设计的艺术手法主要有：借用、解构、装饰、参照和创造。借用：在设计中借用某句诗、某段音乐或者某个镜头、某一雕塑或其他艺术作品，借用艺术创作的风格、技巧等，是设计的一种手法。广告设计中经常使用。解构：以古今纯艺术或设计艺术为对象，根据设计的需要，进行符号意义的分解，分解成语词、纹样、标识、单行、乐句之类，使之进入符号贮备，有待设计重构。装饰：在解决设计的艺术品质问题时，装饰是最传统又常用的方法。装饰并不等于“罪恶”，也不等于错误，关键在于使用是否恰如其分。好的装饰可以掩去设计的冷漠，增添制品的情感因素，增强设计的艺术感染力；好的装饰是设计不可分割的部分，只有多余的装饰才是可以随意增减的附件。参照：设计属于创造。在解决设计的艺术品质问题时，无论是借用、解构、装饰，都不能简单的模仿，而要表现出适度的创新，参照不失为一个简单又有效的方法。参照的核心是形式借鉴、规律借用、由此及彼、举一反三。参照的关键是根据设计范例，反复参详考察，找出规律和可变的环节，在基本规律或基本形式不变的前提下，使设计呈现新的艺术面貌。创造：创造是设计艺术最根本的方法，是借用、解构、装饰、参照等方法的基础。8. (名词解释)工业设计定义：就批量生产的工业品而言，凭籍训练、技术知识、经验及视觉感受而赋予材料、解构、形态、色彩、表面加工以及装饰以新的品质和资格，叫做工业设计。工业设计是以技术与艺术的结合，同时受着经济、环境、社会形态、文化观念等多方面的影响和制约。为工业服务的设计由技术设计、经济设计、艺术设计共同组成，艺术设计只是其中的一部分，但是工业设计中的艺术设计内容涉及到项目的功能系统，包括实用功能、信息功能、审美功能等，其形式是产品的造型、用材、色彩、表面处理和装饰。9. （简答）室内设计的艺术特征室内设计也分实体设计和空间设计。室内设计的艺术特性主要表现在：从艺术的角度为室内设计的实体、虚体、技术、经济等方面提出解决美学问题的方案。10.（论述）艺术与设计关系存在的误区：为艺术而设计、为技术而设计、孤立静止地看待设计与艺术的关系。11. （名词解释）系统论。所谓系统，即指具有特定功能的，互相有机联系又相互制约的一种有序性整体。系统论方法是以系统整体分析及系统观点来解决各种领域具体问题的科学方法。设计系统原理是设计思维和问题求解活动的根本原理。具体设计方法包括：系统分析法、逻辑分析法、模式识别法、系统辨识法等。12. （论述）设计与生产的关系设计与消费：消费是设计的消费；设计为消费服务，消费是一切设计的动力与归宿；设计创造消费。设计是最有效的推动消费的方法，它触发了消费的动机。设计能够唤起隐性的消费欲，使之成为显性。人类物质消费本质上是一种精神消费和文化消费。人类需要本身就是某种文化的体现。设计创造消费的能力不仅源于企业对经济效益的追求，而且深深地根植于社会心理同构之中。13. (论述)经过漫长的发展演变，中国古代建筑在外观、结构、色彩和布局设计诸方面，都形成了自己鲜明的民族特色。在外观设计上，中国古代建筑由屋顶、屋身和台基组成。屋顶的特征最明显，主要有硬山、悬山、庑殿、歇山、攒尖、卷棚和单坡等多种类型。在结构设计上，中国古代建筑以木构架为主要结构方式，常用的有抬梁式和穿斗式两种。斗拱是我国古代建筑特有的构件，唐宋时期斗拱主要作为结构构件，到明清时演变为以装饰构件为主。在布局设计上，中国古代建筑有一种简单的组织规律，就是以“间”为单位构成单座建筑，再以单座建筑组成“庭院”，进而以庭院为单位，组成各种形式的组合。在装饰和色彩设计上，中国古代建筑也别具一格。装饰主要几种在梁枋、斗拱和部分，综合运用了各种美术工艺及雕刻、绘画、书法等艺术加工手法。在色彩设计上，运用对比强烈的原色设计，也是中国古代建筑显著的特征之一。中国古代建筑设计以其独特的设计体系，在世界建筑设计史上独树一帜。这一体系不仅在我国各民族各地区广泛流传应用，历史上还影响到日本、朝鲜和东南亚的一些国家；是世界古代建筑中延续时间最久的体系，也是传布范围广泛的体系之一。中国古代建筑设计的著名作品：天坛的设计艺术、西藏拉萨布达拉宫设计艺术。中国古代城市规划的特点：中国古代城市规划所体现的中轴线对称平面布局，即统一又富有变化的空间处理，是中国古代城市布局的传统特征14.(论述) 中国古代的园林设计特点首先，中国园林设计注重自然美，其次，中国园林设计十分强调曲折多变。园林风景设计上的复杂多变，同时达到了“体宜”的效果，而无丝毫杂乱无章之感。再者，中国园林设计崇尚意境。设计不止满足于对自然美景的仿造，更追求诗情画意境界的创造，借以寄托游园者的思想情怀。中国园林设计以其曲折多变的造型和自然野逸的意趣在世界园林设计史上享有崇高的地位。中国园林被誉为世界园林之母，是中国古代设计文化的杰出代表之一。15. 明代家具与清代家具的特点是科学性和艺术性的高度统一，种类繁多，用材考究，设计巧妙、制作精美，形成别具一格的设计特色，被称作“明式家具”。明式家具的设计特色：1、注重结构美；2 、注重材质美；3 、注重造型美；4 、注重装饰美.明式家具不止是中国家具民族形式的典范和代表，在世界家具设计史上也独树一帜，自成体系，具有显赫的地位。清代家具在结构和造型设计上基本继承了明式家具的传统，体重显得更加庞大厚重，出现了组合柜、可折叠与拆装桌椅等新式家具。而在装饰设计上为了追求富丽堂皇、华贵气派的效果，对家具进行不厌其烦的繁琐堆砌。清式家具以苏作、广作和京作为代表。被称为清代家具三大名作，造型与装饰设计各具地方特色，并且一直保持到现在。16. (简答)瓷器和陶器的主要区别胎质不同、用釉不同、火候不同。17.(简答) 哥特式建筑哥特式艺术大约在12 世纪末产生于法国巴黎周围地区，在不到半个世纪内迅速风靡了欧洲大陆。哥特式艺术是纯粹的创造力，结构、线条、装饰、灵感在这里都获得了崭新狗体现，突破了以往任何时期的形式范例，摆脱了罗马式艺术陈旧形式的束缚。哥特式艺术最成熟和最完善的体现是哥特式建筑艺术。哥特式建筑以其垂直向上的动势，形象地表现了一切朝向上帝的宗教精神，线条轻快的尖形拱门，造型挺拔的小尖塔，强化了升腾的感觉，同时也体现出了神的至高无上，从一个侧面反映出当时教会势力在封建社会中无比强大。在装饰上设计上也十分讲究，其中玫瑰窗最具特色，闪烁着神秘的光，造成种种幻觉和虚渺的气氛，赋予了一种神性的浪漫。哥特式建筑首先在法国大发展，13 世纪扩展到了全欧洲。总的来说，哥特式是通过向垂直方向的推挤，而不是像罗马式那样向水平方向的伸展，来求得革新的，从而打破了罗马式的静态的体快，创造了哥特式的动感的旋律。18.(论述)现代主义设计运动一、工艺美术运动1880 年至1910 年形成了一个设计革命的高潮，这就是所谓的“工艺美术运动”。这个运动以英国为中心，涉及到了不少欧美国家，并对后世的现代设计运动产生了深远影响。从本质上来说，工艺美术运动是通过艺术和设计来改造社会，并建立起以手工艺为主导的生产模式。工艺美术运动对于设计改革的贡献是重要的，它首先提出了“美与技术结合”的原则，主张美术家从事设计，反对“纯艺术”。另外，工艺美术运动的设计强调“师承自然，、忠实于材料和适应使用目的从而创造出了一些朴素而适用的作品。英国是最早工业化和最早意识到设计重要性的国家，但将手工艺推向了工业化的对立面，这无疑是工艺美术运动违背历史发展潮流的重大缺陷。工艺美术运动在追求质量可靠、形式简练的同时，还追求产品和装饰的道德价值。工艺美术运动代表了一种社会行为，艺术家们都怀着改造社会的理想主义思想。二、新艺术运动1 、新艺术运动的动机19 世纪末20 世纪初，欧洲艺术家所创造出来的与人们实际生活相关的新的艺术形式被称为“新艺术”，新艺术运动有两个动机：一是与历史主义决裂，打破旧传统的束缚，创造出适合时代需要的新形式；二是与自然主义划清界线，针对当时自然主义对自然简单的、生搬硬套的形式模仿，提出设计应该表现自然界、理解自然。同时带有东方艺术的审美特点以及对工业新材料的运用，包含了人们对过去的怀旧和对新世纪的向往情绪，成为体现时代特色的艺术形式。2 、新艺术运动与工艺美术运动的关系和工艺美术运动相比，新艺术运动并不怎么反对机械生产，相反地，它能够逐渐地接受机械化的变革，是新艺术运动成为连接现代设计运动的桥梁。3 、新艺术运动的内容新艺术运动以英国、法国和比利时为中心，在整个欧洲广泛开展，几乎涉及到所有的艺术领域。在装饰风格上主要特点是崇尚自然，经常运用曲线和非对称线条加以自由大胆的想象，这些线条大多取自自然界中具有优美曲线的形体，以表现动植物发展的内在过程。比利时和法国是新艺术运动的主要发源地。比利时的新艺术运动具有比较多的民主色彩，最著名的设计师是威尔德和维克多 霍塔，霍塔设计的“霍塔尔旅馆”，到处充满着难以言喻的曲线美，成为新艺术运动中最为经典的作品。法国的新艺术设计追求华丽、典雅的艺术效果，巴黎和南希是新艺术的集合地，主要设计师是吉马德，其最有影响的作品是巴黎地铁设计。奥地利维也纳分离派的设计语言简洁明快，尽量用简单的直线描绘自然形态，注重儿何造型的使用，更趋于现代感。设计家霍夫曼是分离派的核心人物。西班牙建筑师高迪以浪漫主义的幻想，极力使塑造性艺术渗透到三度空间的建筑之中去，他独创的雕塑性建筑 西班牙巴塞罗那的米拉公寓便是一个典型的例子。三、装饰艺术运动装饰艺术运动是流行于20 世纪二三十年代的一种折衷主义的艺术风格。它力图使手工艺与大工业生产相结合，既避免机器条件下批量产品的单调和乏味，又避免了过度繁琐的不适当的装饰，从而创造出符合公众需要的、富有生活情趣的现代产品。装饰艺术运动始于1920 年在巴黎首度出现的，喜欢用带有古典意味的符号、花饰和有凹槽的珠子，装饰化的花卉纹饰和巴洛克式的卷曲花纹取代了新艺术风格中装饰的奢华与繁褥。作为两次世界大战间占主导地位的实用艺术，它包括了艺术设计和装饰设计诸多领域，尤其在家具设计上，出现了很多优秀的作品。家具设计抛弃了奢华繁缉的装饰开始倾向于一种简洁明快的风格。在不完全摒弃装饰的情况下，设计日趋单纯与简练，形成了特色。1925 年后，这种风格除在欧洲大陆外，还在英国、美国等国的设计师的作品中体现出来。在欧洲，艺术装饰运动的造型语言表现为放射状的线性装饰和金字塔的阶梯状结构。艺术装饰运动传入美国，与美国的大众文化相融合，形成了独具特点的“爵士摩登”风格口它豪华、夸张、迷人、怪诞，主要体现在建筑设计和产品设计方面。一系列的大型建筑都是艺术装饰风格的产物，如帝国大厦、洛克菲勒中心大厦等。四、美术革命立体主义：产生并形成于第一次世界大战前夕的法国，基本原则是用几何图形来描绘客观世界，代表人物毕加索。未来主义：首先出现于意大利的一个文学艺术思想流派，对资本主义的物质文明大加赞赏，对未来充满希望。五、俄国的构成主义俄国构成主义积极追求符合工业社会精神的艺术语言，歌颂机器生产，对批量生产和现代化的工业材料赞赏不已，提倡用工业精神来改造社会。构成主义的设计理念对后来的现代设计包括包豪斯的教学方法产生了巨大的影响。最有名的作品是建筑师塔特林1919 年第三国际纪念塔。六、风格派风格派是活跃于1917 年至1931 年间以荷兰为中心的一场国际艺术运动，它起源于立体主义运动，最终成为一个纯粹的抽象运动，深刻地影响着20 世纪的建筑设计和产品设计。1917 年10 月，一批荷兰的设计师、艺术家发行了一本叫“风格”的杂志，风格派由此得名。风格派认为艺术不应该与自然界的物体发生联系，而应该运用几何形象的构图和抽象的语言来表现宇宙的基本法则 和谐，对和谐的追求成为风格派艺术家共同的目标。风格派的中坚力量是蒙德里安和里特维尔德，前者的“红、黄、蓝”油画直接影响了后者“红蓝椅”的设计。七、德意志联盟和现代主义德意志联盟中最著名的人物贝伦斯。现代主义是在德国的格罗佩斯、米斯和法国的柯布西埃这些杰出的建筑师、设计师的积极推动下形成的。1919 年，格罗佩斯担任了“包豪斯”设计学校的校长，推行了一套新的教学制度和设计理论，使该校成为西欧最激进的一个设计中七、和现代主义的摇篮。本世纪30 年代后期，格罗佩斯、米斯等一批欧洲现代主义的重要任务移居美国，把现代主义带到了美国，在德国从未完全实现的梦想在美国变成了现实。八、流线型设计流线型设计风格是随着工业社会科技的发展，以美国为中心流行起来的一种设计风格。它不仅运用于功能改进上，还用在家居产品上，采用表面光滑、线条流畅的形式。20 世纪初，“泪滴形”己经成为阻力最小的形状而被广泛接受。但是流线型设计本质上是一种“样式设计”，在美国，流线型成为促销的手段，从而迎合了大众的审美趣味，流行性的情感价值超过了其实用的功能价值，具有强烈的商业意味。九、企业识别设计企业识别设计的中心就是企业商标，它用在企业的每件物品上，包括从文具到广告。贝伦斯是第一个实行这个企业识别设计项目的人。十、前卫设计前卫设计师用来形容那些建筑少乎设计师、艺术家、作家 音乐家运用超过同时代认知和接受的技巧及设计理念进行创作，前卫设计的产品数量并不多，但它在设计史上的影响是巨大的。十一、反设计运动反设计拒绝现代运动的理性成分。反设计者尝试在设计中实现个人创造性的表现。超现实主义是反设计让人看到的第一个例子。十二、高技术风格“高技术风格”是与新现代主义平行发展的另一种工业设计风格，在设计中采用高新技术，在美学上力求表现新技术，直接表现当时以机械为代表的技术特征，它的发展是与50 年代末以电子工业为代表的高科技迅速发展分不开的。英国建筑师皮阿诺和罗杰斯于1976 年在巴黎建成的“蓬皮杜国家艺术与文化中心”是其中最为轰动的作品。高科技风格在六七十年代曾风行一时，其影响以至波及到80 年代初。十三、波普设计母波普设计出现于20 世纪50 年代，又称流行艺术、通俗艺术、新达达主义。代表着流行于大众化的品位。它的鼎盛时期是20 世纪60 年代，主要活动中心在英国和美国，代表着60 年代工业设计追求形式上的异化及娱乐化的表现主义倾向，反映了战后成长起来的青年一代的社会与文化价值观，力图表现自我、追求标新立异的心理。波普艺术的手法是利用现成的工业和商业产品，把它们加以改造、加工、然后重新组合和拼贴，赋予一定的社会思想意义，由此构成一件新的艺术作品。此外，波普艺术还很强调灵活性和可消费性，即产品的寿命应是比较短暂的，以适应多变的社会、文化条件。第一件波普艺术手法的作品是英国画家理查德 汉密尔顿剪接拼贴的 到底是什么使得今日的家庭如此不同，如此有魅力？” 十四、机能设计机能设计是19 世纪首次在雷尼、马金托什和赖特的建筑设计中出现，直到20 年代晚期和30 年代早期，机能设计的主要提倡者阿尔托在技能设计的人性化以及现代形式语汇方面进行了研究。十五、激进设计激进设计作为对“优良设计“的回应，60 年代在意大利出现。它与反设计相似，但更注重与理性和真实性、政治性，企图用鸟托邦式的处理方法来改变大众对它的看法，为后现代主义打下了坚实的基础。十六、功能主义功能主义对建筑师及设计师来说，是一种方法而非风格，是用最逻辑、最高效的方法来解决实际问题。20 世纪上半期，现代主义的设计师在功能主义中结合理性主义，希望寻求全球化的设计解决方法。十七、国际风格“国际风格”一词首先由阿尔弗莱德于1 931 年发明，他认为国际风格超越了国界，尤其是现代运动中的建筑师及设计师们，使功能、技术与凡何的形式语汇相结合，产生了现代主义美学观。19.（名词解释）什么是视觉传达设计广义的符号，是利用一定媒介来代表或指称某一事物的东西。符号是实现信息贮存和记忆的工具，又是表达思想情感的物质手段。符号具有形式表现、信息叙述和传达的功能，是信息的载体。广义的符号包括视觉符号系统、听觉符号系统、触觉符号系统、味觉和嗅觉符号系统等。所谓视觉符号，是指人类的视知觉器官眼睛所能看到的，表现事物一定性质的符号。所谓传达，是指信息发送者利用符号向接受者传递信息的过程。它既可能是个体内的传达，也可能是个体之间的传达。包括所有的生物之间、人与自然、人与环境以及人体内的传达。一般可以归纳为“谁”、“把什么”、“向谁传达”、“效果、影响如何”这四个程序。视觉传达设计，是利用视觉符号来进行信息传达的设计。设计师是信息的发送者，传达对象是信息的接受者。信息的发送者和接受者必须具备部分相同的信息知识背景，只有这样，传达才能实现。视觉传达设计中作为发送者的设计师必须针对接受者，根据接受者的知识背景与传达内容来选择符号媒介，这是传达设计的基本原则。视觉传达设计的主要功能是传达信息，有别于直接使用功能为主的产品设计和环境设计。它是凭借视觉符号进行传达，不同于靠语言进行的抽象概念的传达。视觉传达的过程，就是设计者将思想和概念转变为视觉符号形式的过程，而对接收者来说，则是个相反的过程。现代视觉传达设计是以招贴画为中心的印刷品设计发展起来的。20.(名词解释) 什么是产品设计所谓产品设计，既是对产品的造型、结构和功能等方面进行综合性的设计，以便生产制造出符合人们需要的实用、经济、美观的产品。21.(名词解释) 手工艺设计是以手工对原料进行有目的的加工制作的设计，主要依靠双手和工具，也不排斥简单的机械。22.(名词解释) 什么是环境设计在所有三类设计中，环境设计是最新的设计类型概念。一般地理解，环境设计是对人类的生存空间进行的设计。区别于产品设计的是：环境设计创造的是人类的生存空间，而产品设计创造的是空间中的要素。23.(名词解释) 室内设计即对建筑内部空间进行的设计。具体地说，是根据对象空间的实际情形与使用性质，运用物质技术手段和艺术处理手段，创造出功能合理、美观舒适、符合使用者生理与心理要求的是室内空间环境的设计。室内设计包含四个主要内容：空间设计、装修设计、陈设设计、物理环境设计。室内设计大体可分为住宅室内设计、集体性公共室内设计、开放性公共室内设计和专门性室内设计。24.(名词解释) 公共艺术设计公共艺术设计是指在开放性的公共空间中进行的艺术创造与相应的环境设计。25.(论述) 设计师的演变最早意义的设计师：二三百万年前“制造工具的人”; 距今七八千年前的原始社会末期，人类社会上第一次社会大分工，手工业从农业中分离出来，出现了专门从事手工艺生产的工匠（百工）。社会分工不断细化，为专业设计师的产生预备了必要的社会条件。中国古代工匠创造了光辉灿烂的古代设计文化，许多伟大的设计创造在公园1世纪到18世纪期间先后传播到欧洲和其他地区，中国古代的手工匠人，堪称为世界手工设计时期杰出的“设计师”。随着社会的发展和手工技术的进步，手工行业自身内部的分工也越来越细致，古罗马时期，工匠（含艺术家）、专业设计师开始出现；古罗马伟大的建筑师维特鲁威著有建筑十书，是世界上最早的建筑学著作，对后世建筑师影响深远。中世纪的欧洲经历了始于13世纪的工业技术革命，出现了专门的纺织设计师，中世纪的工匠与艺术家仍然在“同一阵线”，文艺复兴时期，存在着工匠、艺术家（兼）、专业设计师。16世纪前在意大利和德国从事设计和装饰的主要是金匠、画家和版刻家，它们的影响非常深远，训练了专门的设计师，并成立了多个固定的行会组织，从而为其他地方设计师的组织和教育提供了模式。到了18世纪，建筑师在设计领域比画家和雕塑家更加活跃，不好画家或工匠转行成为建筑师和设计师。非官方或半官方的设计学校的出现，由此更加快了设计师的职业化过程。1851年的“水晶宫”博览会之后，英国的莫里斯倡导了“工艺美术运动”，出现了德雷瑟、贝伦斯、格罗佩斯、米斯凡德罗、柯布西埃等现代设计运动的巨子。1915年，英国成立了设计与工业协会，最早实行了工业设计师登记制度，使工业设计职业化，并确立了工业设计师的社会地位。19191933年的包豪斯是设计教育史上的里程碑，它建立了完整的现代设计教育体系，培养出大批优秀的现代设计师。二战以后，社会、经济与技术的飞速发展，为设计师提供了大显身手的机会。在北美和西欧的英国、德国和荷兰等国家，设计师的工作更多地被认为是科学性和研究性的工作。在意大利，设计师却更多地被当成“艺术家”来看待。设计师发展到今天，设计师在更关注、发掘人们的真实需要的同时，已不再只是消费者趣味与消费潮流的消极的追随者，而是向更积极的消费趣味引导者、潮流开创者的方向转变。设计师的角色，也不再仅仅停留在商品“促销者”的层次，而是向文明型、智慧型、管理型的高层次发展。设计师已成为科技、消费、环境以至整个社会发展的主要推动力量。26.(论述)设计师的社会职责设计创造是自觉的、有目的的社会行为，不是设计师的“自我表现”。作为设计创作主体的设计师，应该明确自己的社会职责，自觉地运用设计为社会服务，为人类造福。作为设计创造的主体，设计师的设计必须是用来改善人们的生存条件和环境，为人们创造更好的生存条件和环境服务的，用简单的一句话说：“为人类的利益设计”，是社会对设计师的要求，也是设计师崇高的社会职责所在，也只有在实现这个目标的同时，设计师的设计才有意义，设计师才能实现自己的价值。“为人类的利益设计”这里说的“人类”，当然是指全体的人们。设计的目的是满足大多数人的需要，而不是为小部分人服务，尤其是那些被遗忘的大多数，更应该得到设计师的关注。设计理论界已有人提出“适度设计”“健康设计”“美的设计”原则。我们提倡设计师“为人类的利益设计”，这听起来似乎很抽象、很空泛。其实，设计师首先要树立正确的价值观和责任感，即设计的职业道德，这是履行社会责任的基础。设计师在着手每一个设计之前，都要对其面对的设计任务有正确的道德判断，判断它的设计将会有利于社会利益，还是有损于社会利益。更重要的是，设计师应该把自己的设计与人们的需要紧密联系起来。设计师不止要面向市场，为市场设计，还要面向社会，关注社会，关注人们的生存状态，关注人们的真实需要，尽自己的智慧与能力，真心实意地为满足这些需要设计，为社会设计，为人类利益设计。解答题：设计师的社会责任在设计中怎样体现？27.(论述) 设计批评的标准一、设计评价体系的参考标准中国当今评价设计采用的参考坐标是从设计的科学性、适用性及艺术性上去进行考察，这三个方面包括了技术评价、功能评价、材质评价、经济评价、安全评价等。当然，不同国家和地区沿用的评价标准及其量次是存在一些差异的。二、设计批评标准的历时性设计批评的标准在其自然状态下，随时间的推移，社会的发展而不断地演化着。批评标准根本上是一个历史的概念，时间，地域和文化的差异意味着人们对设计要素的不同理解。科技发展目睹了人类科学技术、意识形态、政治结构等多方面的重大变化，设计批评在每一个时期对于设计诸要素都表现出不同的倾向。功能本来是具有共性、相对稳定的标准。然而，设计品的功能可能发生转移，同一设计会因时代的不同而满足不同的功能要求。首先将设计的批评标准问题推向前台的是英国工艺美术运动。工艺美术运动的标准后来让位于机器美学是时代所趋，大事必然。然而，设计在经历过现代主义运动以后，工艺美术运动的批评标准60年代又有了回归之势。设计批评的标准随历史而演化，因时尚不同，而时尚又表现出一定的历史循环性。19世纪末20世纪初，欧洲各国都兴起了形形色色的设计改革运动，他们在不同的程度和不同方面为设计批评的新观点做出了贡献。第一次世界大战之后，现代主义的信条在荷兰、德国、法国、新兴的苏联都确立起来。艺术的纯形式主义批评已为工业产品的几何形态进入美学范畴奠定了基础。设计批评的标准又发生了重大转变。现代主义的“生产”理想转向了“生活”理想；过去宣扬设计的广泛性，通过设计的理念引导消费者，而今转为尊重消费者，尊重个性，使设计适应消费者情感上的要求。后现代主义的设计批评将重点由机器和产品转移到了过程和人，消费者的反应成为检验设计成功与否的决定因素。正如艺术批评被称为运动着的美学一样，设计批评也随着时代的变化、社会的发展而更换着标准。标准总是很高的，是一个时代的理想，而整个地看来，标准又是运动的，表现出明显的历时性和相对性。28.(论述) 设计批评的方式设计批评有两种方式一一国际博览会和集团批评，国际博览会的方式典型代表是1851 年“水晶宫”博览会；而集团批评的方式，则包括审查批评与集团购买。1851年在“水晶宫”国际工业博览会，在设计史上具有重要意义，它暴露了新时代设计中的重大问题，在致力于设计改革的人士中兴起了分析新的美学原则的活动，起到了指导设计的作用。无论博览会成功与否，其社会效应总是直接的、超国界的，而且是多方面的。1853年的纽约“水晶宫”博览会，由于施工不良和组织不善造成失败；1855年、1867年、1878年的巴黎博览会赢得了建筑上的声誉；1889年的巴黎博览会，为了纪念法国革命100周年建造了艾菲尔铁塔。自1851年开办以来，国际博览会这一批评形式对现代设计运动起了巨大的影响和推动作用，事实上，国际博览会本身就是现代设计的一部分。集团批评包括审查批评和集团购买。审查批评指的是设计方案的审查集团以及以消费者代表的身份对设计方案进行审查与评估，以及设计的投资方与设计方进行谈判磋商的过程。集团购买是消费者直接参与的设计批评。所谓集团购买是指消费者表现为不同的购买群体，而每个群体都有其特定的行为、语言、时尚和传统，都有各自不同的消费需求。